L’Altre Festival -Festival Internacional de Artes Escénicas y Salud Mental ha  abierto la convocatoria dirigida a compañías profesionales para seleccionar los espectáculos que formarán parte de su edición de 2027. La convocatoria contempla propuestas de teatro, danza, música, circo, performance y otras disciplinas escénicas que tengan la salud mental como temática principal, así como trabajos de compañías profesionales que incorporen a personas con problemas de salud mental.

El festival no establece restricciones en cuanto a la duración, género dramático o idioma de las propuestas, siempre que estas se adecuen a las características técnicas de las sedes del festival. Las compañías interesadas deberán presentar un espectáculo completo y facilitar un enlace para su visionado en línea.

Las propuestas podrán presentarse en catalán, castellano o inglés y serán valoradas atendiendo a criterios como el interés artístico, la originalidad, la adecuación a los objetivos del festival y la viabilidad técnica y económica.

Para participar, las compañías deberán cumplimentar la ficha de inscripción disponible en el apartado de la Convocatoria 2027 – Compañías profesionales de la web de L’Altre Festival y adjuntar un máximo de tres documentos con información sobre el espectáculo, que pueden incluir la sinopsis, el currículum de la compañía y las fichas técnica y artística, además de imágenes u otros materiales.

La convocatoria permanecerá abierta hasta el 5 de noviembre de 2026, mientras que la comunicación de los espectáculos seleccionados se realizará a partir del 9 de diciembre de 2026. El plazo de presentación se abrió el 1 de octubre.

En el apartado económico, las compañías deberán incorporar en la ficha de inscripción un presupuesto detallado de su participación, desglosando los gastos correspondientes a transporte, dietas, alojamiento y caché del espectáculo. Las compañías seleccionadas formalizarán posteriormente un contrato de actuación con L’Altre Festival.

La participación en esta convocatoria es compatible con la presentación de propuestas a las convocatorias del festival dirigidas a compañías aficionadas o no binarias, según decida cada compañía.

Plazo de presentación: hasta el 5 de noviembre de 2026.


Comunicación de las propuestas seleccionadas: a partir del 9 de diciembre de 2026.

La edición 2027 del festival se celebra del 28 al 30 de mayo de 2027 en Barcelona.

El Festival de Teatro de Santurtzi celebrará su 47.ª edición del 31 de octubre al 3 de diciembre con una programación integrada por 19 espectáculos, siete de los cuales se presentan por primera vez en Euskadi. El Serantes Kultur Aretoa volverá a ser el escenario principal de una cita que reúne compañías y creadores vascos y estatales junto a una propuesta internacional.ç

La edición de este año apuesta por una programación diversa en géneros, lenguajes y formatos, con presencia de cinco compañías vascas, trece estatales y una internacional. Entre los intérpretes que pasarán por el festival figuran nombres como Sergi López, José Sacristán, Imanol Arias, María Barranco, Anabel Alonso, Joseba Apaolaza, Miriam Gallego, Amaia Lizarralde y Diana Pla Solina.

La programación incorpora asimismo trabajos de destacados directores y directoras de escena como Claudio Tolcachir, Natalia Menéndez, María Goiricelaya, Juan Carlos Rubio, Juan Carlos Fisher, Heidi Steinhardt, Roger Bernat y Garbi Losada. En el ámbito de la dramaturgia, el festival presenta textos y adaptaciones vinculados a autores y autoras como Jacinto Benavente, Simone de Beauvoir, Alberto Conejero y Salomé Lelouch, combinando repertorio, creación contemporánea y diferentes aproximaciones a la escena.

Uno de los títulos singulares de esta edición será “La consagración de la primavera” (en la imagen), una propuesta de Roger Bernat a partir de la célebre obra de Pina Bausch, programada el 29 de noviembre. La pieza plantea una aproximación participativa a la creación coreográfica, situando al público en un papel activo y ofreciendo la posibilidad de experimentar la propuesta tanto en euskera como en castellano.

El festival incluirá también un homenaje al actor, director y creador Adolfo Fernández, cuya trayectoria mantiene una especial vinculación con el Serantes Kultur Aretoa. El reconocimiento tendrá lugar al comienzo de la programación y servirá para poner en valor su recorrido profesional y su relación con el espacio escénico santurtziarra.

El Ministerio de Cultura ha concedido los Premios Nacionales de Danza 2026 a Amalia Fernández, en la modalidad de Creación, y Marco Flores, en la de Interpretación. Los galardones, dotados con 30.000 euros cada uno, reconocen la trayectoria de dos creadores vinculados a diferentes lenguajes de la danza y a una concepción abierta y contemporánea de la escena.

El jurado ha reconocido a Amalia Fernández por la singularidad de “Familia”, una pieza en la que destaca su mirada personal como creadora, así como su capacidad para innovar en la composición coreográfica y explorar nuevos lenguajes escénicos. El fallo también pone el acento en la delicadeza expresiva de sus trabajos y en su investigación sobre la relación entre cuerpo, espacio y musicalidad.

Nacida en Granada en 1970, Fernández se formó en danza clásica y contemporánea y trabajó durante más de una década con la compañía El Bailadero-Mónica Valenciano. Desde 2005 desarrolla una trayectoria independiente que ha transitado por distintos formatos y lenguajes, desde la pieza escénica hasta el formato expositivo. Entre sus trabajos se encuentran “Matrioshka”, “Maya”, “Shichimi Togarashi”, “Las Perras”, “Souvenir”, “Perrita China” y “Expografía”. Su trayectoria incorpora asimismo una importante dimensión docente y de acompañamiento a nuevos artistas de la escena contemporánea.

En la modalidad de Interpretación, el Premio Nacional de Danza reconoce a Marco Flores por su trabajo en “Tierra virgen” (2025) y en la gira de “Rayuela”. El jurado ha destacado su técnica, su dominio del compás y un virtuosismo que, en sus palabras, transforma el flamenco desde la elegancia y la versatilidad escénica. También ha puesto en valor su trayectoria como creador, su discurso propio y su compromiso con el apoyo a las generaciones más jóvenes.

Nacido en Arcos de la Frontera (Cádiz) en 1981, Flores se formó con maestros como Antonio Canales y Javier Latorre y posteriormente desarrolló parte de su trayectoria junto a compañías como las de Sara Baras y Rafaela Carrasco. Desde 2004 trabaja también en la creación y producción de sus propios espectáculos y en 2010 fundó su propia compañía. A lo largo de su carrera ha presentado sus trabajos en teatros y festivales de España y de numerosos países, y ha recibido, entre otros reconocimientos, el Premio Max al Mejor Intérprete Masculino de Danza en 2020 por “Origen” y el Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez en 2025 por “Tierra virgen”.

Los Premios Nacionales de Danza reconocen anualmente la labor de personas o entidades del ámbito de la danza, a partir de una obra o actuación presentada durante el año anterior, aunque también pueden distinguir una trayectoria profesional. Fernández y Flores toman el relevo de Guillermo Weickert y Janet Novás, galardonados en 2025 en las modalidades de Creación e Interpretación, respectivamente.

La Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa ha abierto la convocatoria de propuestas artísticas (formulario) para su próxima edición, que se celebrará del 6 al 9 de mayo de 2027 en Leioa (Bizkaia). Las compañías interesadas en formar parte de la programación podrán presentar sus propuestas hasta el 11 de octubre de 2026.

La convocatoria está dirigida a compañías y profesionales interesados en participar en uno de los principales encuentros dedicados a las artes de calle. La inscripción se realizará exclusivamente de forma online y la presentación de cada propuesta implica la aceptación de los criterios de selección artística y de las condiciones de participación establecidos por la organización.

Cada espectáculo deberá contar con una ficha de inscripción independiente y aportar la documentación necesaria para su valoración. Entre los materiales solicitados se encuentran el dossier de la compañía y del espectáculo, la documentación técnica y artística, el calendario de representaciones, en el caso de propuestas que no sean estrenos, así como cuatro fotografías y un enlace a material audiovisual promocional. Las compañías podrán incorporar también aquella documentación complementaria que consideren relevante para contextualizar su propuesta.

La organización señala la importancia de que la documentación presentada esté adaptada a cada espectáculo, ya que constituirá la base para el proceso de valoración y selección artística. Las solicitudes presentadas fuera de plazo o que no hayan aportado toda la documentación obligatoria al finalizar la convocatoria serán desestimadas.

Umore Azoka comunicará posteriormente por escrito tanto la selección como la no selección de las compañías participantes.

Plazo de presentación: hasta el 11 de octubre de 2026.


Umore Azoka 2027: del 6 al 9 de mayo de 2027

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro ha abierto este viernes 25 de septiembre el plazo de presentación de propuestas artísticas para la quincuagésima edición del certamen, que se celebrará en julio de 2027.

La convocatoria, que está dirigida a compañías, productoras, distribuidoras, entidades y profesionales de las artes escénicas de cualquier nacionalidad, permanecerá abierta hasta las 14.00 horas del próximo 1 de diciembre y las propuestas deberán presentarse exclusivamente en formato digital a través del formulario habilitado en la página web del festival.

El festival selecciona propuestas de diferentes lenguajes, formatos y disciplinas escénicas, así como adaptaciones, versiones y relecturas que establezcan un diálogo artístico con los clásicos y mantengan una relación significativa con el patrimonio literario, dramático y escénico de los siglos XVI y XVII, con especial atención al Siglo de Oro español.

Pueden concurrir profesionales y entidades de cualquier nacionalidad y los espectáculos podrán representarse en cualquier idioma.

La edición del próximo año estará marcada, además, por la celebración del 50 aniversario del certamen internacional de teatro clásico, que se desarrolla en Almagro desde 1978 y que ha sido declarado Acontecimiento de Excepcional Interés Público con motivo de su aniversario.

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La nueva temporada de SCNAFamiliar del Laboratorio de las Artes de Valladolid (LAVA) reunirá 27 propuestas de teatro, circo, danza, títeres, magia y música entre el 4 de octubre y el 9 de mayo.

La Sala Concha Velasco volverá a acoger una programación que apuesta por acercar las artes escénicas a las nuevas generaciones desde una perspectiva basada en la diversidad de lenguajes, la calidad artística y el reconocimiento de niños y niñas como espectadores. La temporada combinará propuestas de compañías nacionales e internacionales procedentes de países como Canadá, Italia y Francia.

Entre las formaciones españolas presentes en el programa figuran compañías como Marie de Jongh y La Baldufa, ambas reconocidas con el Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud, junto a otras propuestas distinguidas en festivales y ferias como FETEN, la Feria de Títeres de Lleida, MIMOS (Francia) o Puppet is a human too (Polonia).

La temporada comenzará el 4 de octubre con “Nautilus, 20000 leguas de viaje submarino”, de La Negra, una adaptación del clásico de Julio Verne que propone un viaje al mundo marino. El 18 de octubre llegará “Le dernière danse de Brigitte”, de Zero en Conducta, una pieza de teatro y títeres reconocida en distintos festivales internacionales y centrada en la memoria y los pequeños instantes.

La programación internacional continuará el 24 de octubre con la canadiense Snafu Society of Unexpected Spectacles y una propuesta que recrea en directo los mecanismos del cine mudo. En noviembre, Marie de Jongh presentará “Kimu. La casa de todos” (8 de noviembre), mientras que Nacho Diago ofrecerá “Caperucita roja (o para quién es este pastel)” (15 de noviembre), una revisión del conocido cuento popular.

Los días 21 y 22 de noviembre, el LAVA conectará la programación familiar con su temporada de adultos con “Nuova Barberia Carloni”, de la compañía italiana Teatro Necessario. La propuesta combina comedia, acrobacia y música en una particular barbería. El mes concluirá con “Mi pequeño universo”, de Marcel Gros (29 de noviembre), reconocido con el premio al Mejor espectáculo para público familiar en la Feria de Teatro de Castilla y León.

En diciembre, “Fantasmas de guerra”, de La Baldufa, llegará al LAVA el día 13. Premio Drac d’Or a la Mejor Dramaturgia en la Feria de Títeres de Lleida, el espectáculo aborda la amistad y las consecuencias de un conflicto a través del reencuentro de tres amigos.

Durante las vacaciones escolares de Navidad, el LAVA desarrollará una programación especial bajo el lema “Es Navidad en el LAVA”, con diez funciones entre el 26 y el 30 de diciembre.
La programación comenzará con “Cuento de Navidad. Encapsulando a Dickens”, de Coma 14 & La Société de la Mouffette, una propuesta de teatro de objetos, maquetas y recursos audiovisuales reconocida con un premio FETEN a la Mejor Adaptación Literaria. La oferta navideña continuará con “Presente”, de Mireia Miracle; “The Postman”, de Txema Muñoz, y “Ad Libitum”, de Lapso Producciones.

La programación continuará en enero con “Mular (o la gran captura)”, de Cinc Cèntims Teatre, y las propuestas “La maleta”, de Minúcia Teatre, y “Cuentos para niños perVersos”, de Baychimo Teatro.
En febrero, SCNAFamiliar incorporará música, teatro, circo y danza con “Folkids”, de Pep López y Afónix Producciones; “Sopa de piedras”; “Voa!”, de La Gata Japonesa, y “Valse avec Wrondistilblegretralborilatausgavesosnoselchessou”, de la francesa Compagnie Marc Lacourt.

La programación de marzo incluirá “Hilos en el aire. Concha Méndez y su mundo”, de Sinespacio, que acercará al público infantil la figura de la poeta de la Generación del 27. La función se vinculará además al programa LAVA 2.0 mediante una actividad de mediación intergeneracional. El 14 de marzo, coincidiendo con el Día Mundial del Teatro Infantil y Juvenil, La Maquiné presentará “Farö”, una propuesta multidisciplinar centrada en los cuidados.

En abril, “Elara, un viaje a las estrellas”, de Mar-Mar Teatro, abrirá el mes, seguido de “The Incredible Box”, de La Tal, en el marco de la celebración del Día Mundial del Circo. Los días 17 y 18, la compañía eia presentará “Secrets”, propuesta de circo contemporáneo y acrobático que, al igual que “Nuova Barberia Carloni”, formará parte tanto de la programación familiar como de la temporada de adultos.

La celebración del Día Internacional de la Danza se extenderá entre finales de abril y principios de mayo con “Alai en familia”, de Lasala, y “FLORes”, de Milímetro. La temporada concluirá el 9 de mayo con “Hamelín”, de Xip Xap, una revisión del conocido cuento del flautista reconocida en la Feria de Títeres de Lleida.

Oriol Pla i Solina ha sido distinguido con el Premio Nacional de Teatro 2026, que concede el Ministerio de Cultura y que está dotado con 30.000 euros. El jurado ha reconocido al actor y creador teatral por su interpretación y trabajo de creación en “Gula”, una pieza que firma junto a Pau Matas Nogué.

Entre los motivos del reconocimiento, el jurado destaca en Pla “un deslumbrante dominio de diferentes artes y disciplinas con una técnica extraordinaria”, así como su particular integración del lenguaje del clown en el hecho teatral. Asimismo, subraya que “Gula” constituye un “éxito contundente que ha conquistado a la crítica y al público” y que apela al “momento contemporáneo con un esfuerzo, riesgo y originalidad que subliman una propuesta escénica de enorme valor”.

“Gula” fue seleccionada por la Comisión de Teatro de La Red Española de Teatros como espectáculo recomendado en la 61.ª edición de los Cuadernos de Espectáculos Recomendados.

Tras conocer la concesión del premio, Pla ha puesto en valor la dimensión personal que para él tiene el teatro: “El teatro es mi todo. Un premio que engloba algo así me hace muy feliz como reconocimiento”.

En relación con el clown, una de las disciplinas que atraviesa su trayectoria artística, y “Gula”, Pla ha señalado la especial satisfacción que le produce que este trabajo haya sido reconocido: “Llevar una cosa tan de mis padres y que te den un premio por hacer el payaso me hace muy feliz”.

Nacido en Barcelona en 1993, Oriol Pla se inició en el teatro a los seis años, dentro de la compañía familiar Teatre Tot Terreny. Desde entonces, su trayectoria se ha desarrollado estrechamente vinculada al teatro, el circo y la formación en la escuela de Lecoq, y ha explorado disciplinas como el clown, la música, el mimo, la acrobacia, la danza y la escritura teatral.

A lo largo de su carrera ha combinado la interpretación y la creación en teatro, cine y televisión. En los escenarios ha participado en propuestas como “Be God Is”, “Ragazzo”, “Odisseus”, “Santa Joana dels Escorxadors”, “La Calavera de Connemara” y “Falaise”, además de colaborar con creadores y compañías como Àlex Rigola, Iván Morales, Lali Àlvarez, Iago Pericot y Baró d’Evel.

Pla ha desarrollado también una importante faceta como creador y director. En 2018 estrenó “Travy”, una producción del Teatre Lliure coescrita junto a Pau Matas que obtuvo el Premio de la Crítica al mejor espectáculo de pequeño formato.

Durante décadas, su mirada sobre las artes escénicas, caracterizada por el rigor, la erudición y una profunda pasión por el teatro, le convirtió en una de las voces de referencia de la crítica teatral en España.

Nacido en Barcelona en 1957, Ordóñez comenzó a ejercer como crítico teatral con apenas 21 años en las páginas de “Ajoblanco”. Posteriormente colaboró con diferentes medios hasta incorporarse a “El País” en 2000, donde desarrolló durante más de dos décadas una reconocible forma de acercarse al hecho escénico, especialmente a través del suplemento “Babelia”.

Su crítica combinaba el conocimiento profundo de la tradición teatral con la memoria, la experiencia y el entusiasmo por las artes escénicas. Una mirada que no entendía el teatro de manera aislada, sino en diálogo permanente con la literatura, el cine, la música y la cultura popular.

Esa amplitud de intereses quedó reflejada también en una extensa trayectoria literaria. Ordóñez fue autor de una veintena de libros que transitaron por la novela, el relato, las memorias, la crónica y la biografía. Entre sus títulos figuran “Una vuelta por el Rialto”, “Rancho aparte”, “Puerto Ángel”, “Tarzán en Acapulco”, “Juegos reunidos” y “Una cierta edad”, además de trabajos dedicados a figuras como Ava Gardner, Núria Espert y Alfredo Landa.

Su primer libro, “Gato Pérez, la rumba como ética” (1987), ya anticipaba una de las características de su trayectoria: el interés por tender puentes entre la llamada alta cultura y las expresiones populares. El teatro ocupó, sin embargo, un lugar central en su obra. A él dedicó buena parte de sus críticas, ensayos y textos de carácter autobiográfico, desde los que también dejó testimonio de varias generaciones de creadores y profesionales de la escena.

Ordóñez compaginó además su actividad periodística y literaria con la docencia. Fue profesor de guion cinematográfico y dirección de actores en la Universitat Pompeu Fabra, donde desarrolló una labor vinculada a la formación de nuevas generaciones de profesionales.

En 2021 publicó “Una joven pareja”, su última novela, mientras que en 2026 apareció “Alfredo el Grande. Vida de un cómico”, una nueva aproximación a la trayectoria de Alfredo Landa.

La Comisión Internacional de La Red mantuvo el jueves 17 de septiembre encuentros de trabajo con Acción Cultural Española (AC/E) y el Instituto Cervantes, en el marco de las líneas de colaboración e internacionalización que La Red viene desarrollando para favorecer la presencia y el intercambio de las artes escénicas españolas en el ámbito internacional.

La actividad continuó por la tarde en Lisboa, donde las representantes de la Comisión que han desarrollado esta actividad –Marta Monfort, presidenta de La Red, y Elisenda Farré, de Fira B!– mantuvieron una reunión con Cristina Planas, de Materiais Diversos, asociación cultural portuguesa dedicada a la investigación, la creación y la experimentación en las artes escénicas, con especial atención a la danza contemporánea.

La comisión acudía a Lisboa para participar, el 18 de septiembre, en el encuentro profesional “¿Quién puede partir hacia Marte? Movilidad, instituciones y futuros culturales”, organizado por Materiais Diversos en colaboración con el Institut français du Portugal y en alianza con Culturgest-Fundação Caixa Geral de Depósitos y el Festival Alkantara. En una de las mesas de debate participaba Paz Santa Cecilia Aristu, Directora General del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM).

El encuentro forma parte de “Coreografias de Cooperação — Ecologias de Cooperação no Sul da Europa” (“Coreografías de cooperación — Ecologías de Cooperación en el Sur de Europa”), un ciclo de tres encuentros profesionales que reúne a agentes culturales de Portugal, España y Francia para abordar las redes de colaboración, la movilidad artística, las políticas culturales y la sostenibilidad de los ecosistemas culturales del sur de Europa.

El encuentro de Culturgest propone utilizar la imaginación y la creación artística como herramientas para pensar los posibles futuros de las instituciones culturales europeas y explorar nuevas formas de cooperación a largo plazo. Entre las cuestiones planteadas se encuentran el papel de las instituciones culturales en la Europa actual, las políticas públicas, la responsabilidad institucional y las condiciones que permiten o dificultan la movilidad de artistas y proyectos.

La cita reunió a profesionales y responsables de instituciones culturales de Portugal, Francia y España, y se integra en una estrategia de cooperación destinada a fortalecer los ecosistemas artísticos vecinos de los tres países mediante el intercambio de conocimientos, recursos y experiencias.

Como parte de esta agenda en Lisboa, la Comisión Internacional de La Red mantuvo también un encuentro de trabajo con Américo Rodrigues, director general de las Artes de Portugal, y con el equipo de la Rede de Teatros e Cineteatros Portugueses (RTCP).

La reunión da continuidad a los contactos que La Red y la RTCP vienen desarrollando para establecer puentes de colaboración entre ambas entidades públicas y reforzar la cooperación entre España y Portugal en el ámbito de las artes escénicas.

La RTCP constituye uno de los principales instrumentos de articulación de la exhibición pública portuguesa y trabaja, entre otros objetivos, en la cooperación entre equipamientos, la cualificación de sus estructuras y la relación de los espacios culturales con sus territorios. En sus encuentros profesionales, la red portuguesa aborda también cuestiones relacionadas con las políticas culturales municipales y los modelos de cooperación entre equipamientos.

Por la tarde, las integrantes de la Comisión Internacional mantuvieron también una reunión con Anne-Cécile Sibué, Directora adjunta de L'Office national de diffusion artistique (ONDA), organismo francés encargado del fomento y la difusión de artes escénicas contemporáneas, y que participaba en el encuentro “¿Quién puede partir hacia Marte?…”

Esta agenda internacional se enmarca en la voluntad de La Red de consolidar relaciones estables con instituciones, redes y profesionales de otros países y generar nuevos espacios de intercambio para el sector de las artes escénicas. En el caso de Portugal, estos contactos contribuyen a profundizar en una cooperación ibérica que permita compartir experiencias, detectar oportunidades de colaboración y favorecer la movilidad de artistas, proyectos y profesionales a ambos lados de la frontera.

En estos encuentros, las integrantes de la Comisión Internacional han estado acompañadas por la directora gerente de La Red, Elvira Gutiérrez, y la coordinadora de la comisión, María Valls.

La Bienal Estatal de Circo (BEC!), impulsada por CircoRED, reunirá durante cuatro jornadas en Santiago de Compostela a artistas, compañías, programadores, distribuidores y representantes institucionales vinculados al circo. El encuentro, que se celebrará del 23 al 26 de noviembre de 2026, plantea un espacio de intercambio en torno a la creación, la exhibición, la circulación y el desarrollo profesional del sector circense.

BEC! contará con ocho espectáculos, seis showcases y cinco propuestas de work in progress, además de un programa específico de actividades profesionales. La programación incluye propuestas de compañías procedentes de diferentes territorios y formatos, tanto de sala como de calle, junto a presentaciones breves y muestras de procesos de creación en desarrollo.

El programa profesional contempla mesas de debate, pitchings, talleres, cafés profesionales, presentaciones de proyectos sectoriales y otros espacios destinados al encuentro y al intercambio entre los diferentes agentes del circo. Entre las actividades previstas figuran una asamblea de representantes, el Punto de Encuentro PRO, cafés y mesas profesionales, un taller, un pitching de proyectos y una visita a Circonove. BEC! se complementará además con D10!, el Encuentro de Formación e Innovación en Circo, organizado por Pistacatro.

Las inscripciones para asistir como profesional a BEC! ya están abiertas. La convocatoria está dirigida a los distintos perfiles profesionales vinculados al sector y permitirá participar en las actividades y espacios de encuentro programados durante la Bienal.

El objetivo del encuentro es favorecer el contacto entre creadores, compañías, programadores, distribuidores e instituciones, generando oportunidades para compartir proyectos, conocer nuevas propuestas y establecer relaciones profesionales en torno a la circulación del circo.

Esta convocatoria se suma a la programación artística y profesional de BEC! y refuerza una de las principales líneas de la Bienal: poner en contacto los procesos de creación con los agentes encargados de su exhibición, distribución y circulación.

Con esta nueva edición, CircoRED continúa desarrollando un espacio de encuentro para el circo contemporáneo estatal, recuperando la experiencia de iniciativas anteriores como Circo Presente Continuo y apostando por una programación que combine exhibición, reflexión y relación profesional.

BEC! 2026 cuenta con la colaboración de la Dirección General de Artes Escénicas y Música del Ministerio de Cultura, la Xunta de Galicia, el Concello de Santiago de Compostela – Compostela Cultura y la Asociación de Profesionales de Circo de Galicia (APCG).

El Teatro Bretón acogerá este otoño la 47.ª edición del Festival de Teatro de Logroño, que se desarrollará del 9 de octubre al 28 de noviembre. La programación reúne 18 espectáculos y 21 funciones de teatro, danza, circo y nuevos formatos escénicos, con una destacada presencia de creadores e intérpretes de la escena nacional e internacional.

La nueva edición contará con nombres como José Sacristán, José María Pou, Aitana Sánchez-Gijón, Carolina Yuste, Eneko Sagardoy, Coque Malla o María Velasco, además de compañías y artistas de trayectoria internacional. Entre las propuestas programadas figuran también dos espectáculos incluidos en el programa PLATEA 2026-2027: “Gigante” y “Constelaciones”.

El festival arrancará los días 9 y 10 de octubre con “Gigante”, una producción dirigida por Josep María Mestres y protagonizada por José María Pou, Victòria Pagès y Pep Planas. Le seguirá, el 11 de octubre, “Todo terminará para Navidad”, una propuesta que aborda el estado actual de una sociedad marcada por el absurdo, la locura y la indiferencia.

La programación continuará con “Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos”, de María Velasco, Premio Nacional de Literatura Dramática 2024, que podrá verse el 17 de octubre con Maricel Álvarez y Carlos Beluga en escena. El 23 de octubre llegará “Fronteras”, de Henry Naylor, protagonizada por Carolina Yuste y Eneko Sagardoy bajo la dirección de Andrés Lima.

Uno de los nombres destacados de esta edición será José Sacristán, que los días 30 y 31 de octubre asumirá la adaptación, dirección e interpretación de “El hijo de la cómica”, una producción de Pentación.

Durante el mes de noviembre, el festival ofrecerá “Constelaciones”, de Barco Pirata, el 6 de noviembre, y “La ópera de los tres centavos”, de Bertolt Brecht, el 13 de noviembre, con un reparto que incluye a Coque Malla, Carmen Barrantes, Paula Iwasaki, Miquel Mars y Cristina García. La programación continuará con “Teoría King Kong”, de La Virguiería, “Violencia”, de Ysarca, y concluirá el 28 de noviembre con “Malquerida”, de Jacinto Benavente, protagonizada por Aitana Sánchez-Gijón.

La diversidad de lenguajes escénicos constituye otro de los ejes de la programación. El 15 de octubre, Tao Dance Theater, una de las compañías de danza contemporánea de mayor reconocimiento internacional, presentará “13&14”, con coreografía de Tao Ye y música de Xiao He.

La danza regresará al festival el 8 de noviembre de la mano de la Compañía Nacho Duato, que ofrecerá un programa integrado por “Gnawa”, “L’Amoroso” y “Jardí Tancat”.

El circo estará representado el 15 de noviembre por “Ara”, de la compañía Andrea Ríos, mientras que “Desiderata”, de Mama Crea, llevará al Bretón el 21 de noviembre una propuesta de instalación teatralizada e inmersiva desarrollada en colaboración con La Gota de Leche.

La programación incorpora además el ciclo “Universo Shakespeare”, que reúne cuatro aproximaciones contemporáneas a la obra del dramaturgo inglés a través de la adaptación, la reinterpretación y la combinación de teatro y música.

El ciclo comenzará el 24 de octubre con “R & J”, de La Dramática Errante. El 1 de noviembre será el turno de “Sueño”, de la Compañía Criolla, que contará además con una función escolar el 2 de noviembre.

El 20 de noviembre llegará una de las propuestas internacionales de la programación: “Los dos hidalgos de Verona”, dirigida por Declan Donnellan y producida por LaZona & Cheek by Jowl. El ciclo se cerrará el 27 de noviembre con “A Macbeth Song”, de La Perla 29 & The Tiger Lillies, dirigida y versionada por Oriol Broggi y con canciones originales de Martyn Jacques.

Las artes escénicas vuelven a convertir a Badajoz en punto de encuentro para la creación contemporánea. Del 10 al 23 de octubre de 2026, la ciudad acogerá la 49.ª edición del Festival Internacional de Teatro de Badajoz, que reunirá un total de 13 funciones en una programación marcada por la diversidad de lenguajes, la innovación y el compromiso artístico.

Teatro, danza, propuestas visuales, comedia y creación contemporánea conforman un programa que invita a acercarse a algunas de las grandes cuestiones de la experiencia humana desde perspectivas muy diferentes. La emoción, el conflicto, la memoria, la identidad, el paso del tiempo o las relaciones de poder atraviesan una edición que apuesta por la pluralidad de miradas y por el diálogo entre artistas y espectadores.

La programación se abrirá con la presencia internacional de la portuguesa Quorum Dance Company, que presentará “Hashtag#Free”, una pieza de danza contemporánea que reivindica la libertad creativa y la capacidad del movimiento para superar los límites entre estilos y lenguajes.

Entre las propuestas de esta edición se encuentra “Caos”, de Teatre de L'Abast, que establece un paralelismo entre las leyes que gobiernan el universo y la fragilidad de las relaciones humanas. La pieza explora conceptos como el azar, el destino y la incertidumbre para trasladarlos al ámbito de los vínculos personales.

Desde Uruguay llegará Compañía Coriolis con “Manual”, una creación visual sin palabras en la que el cuerpo y los objetos adquieren protagonismo para construir una metáfora sobre las tensiones, contradicciones y desequilibrios de la sociedad contemporánea.

El espacio público y las relaciones cotidianas estarán presentes en “A la fresca”, de Anna Confetti, una propuesta que recupera con humor y cercanía la tradición de compartir la vida en los espacios comunes y reivindica el encuentro como forma de convivencia.

La programación también pone el foco en las diferentes etapas de la vida y en la construcción de la identidad. “No estoy de frente”, de María Paz Sayago, aborda la madurez femenina y el paso del tiempo desde la ironía, el humor y una mirada crítica sobre los roles y expectativas asociados a esta etapa.

Por su parte, “Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá”, de Las Ignífugas, plantea una experiencia de carácter sonoro y emocional para denunciar distintas formas de opresión y explorar las relaciones de poder que atraviesan la vida cotidiana.

En un registro diferente, Teatro de las Esquinas presentará “El funeral”, una comedia musical que utiliza el absurdo y el humor para abordar la muerte y, paradójicamente, celebrar la vida.
Los grandes textos, revisados desde nuevas miradas

La programación reserva también un espacio destacado para algunos de los grandes nombres de la dramaturgia contemporánea. La compañía Atalaya, una de las formaciones históricas de la escena española, llevará a Badajoz “El rey se muere”, de Eugène Ionesco, una obra que reflexiona sobre la muerte, la fragilidad del poder y la condición humana, con Carmen Gallardo al frente del reparto.

El universo de Ionesco estará igualmente presente en “Rinoceronte”, una producción del Taller de Fin de Estudios de la ESAD de Extremadura que plantea una reflexión sobre el conformismo, la pérdida del pensamiento crítico y la capacidad del individuo para resistirse a las dinámicas colectivas.

La programación dirigida a todos los públicos contará con “Camuñas”, de Katua & Galea Teatro, una historia que reivindica la imaginación y el valor como herramientas para enfrentarse a los propios miedos.

La última parte del festival reunirá varias propuestas que abordan de manera directa diferentes cuestiones sociales y políticas. “Dysphoria”, escrita y dirigida por María Goiricelaya para Histrión Teatro, se aproxima a la identidad de género y a las consecuencias que los procesos de transición pueden generar en el entorno familiar.

La danza volverá a adquirir protagonismo con “Halley”, de la compañía navarra Led Silhouette, una pieza que reflexiona sobre el paso del tiempo y sobre los ciclos que se repiten a lo largo de la historia.

El cierre de esta 49.ª edición correrá a cargo de Animasur con “Color”, una creación que analiza las relaciones de poder y dominación entre amo y siervo y que utiliza el lenguaje escénico para cuestionar las estructuras de desigualdad.

Junto a la programación de espectáculos, el Festival Internacional de Teatro de Badajoz incorpora diferentes actividades paralelas destinadas a favorecer el encuentro entre profesionales, creadores y públicos.

Entre ellas se encuentra la presentación en Badajoz de APEDEX (Asociación de Profesionales de Danza de Extremadura) y la celebración de la III Jornada UAPEX (Unión de Actores y Actrices Profesionales de Extremadura). El programa se completa con un taller de danza contemporánea impartido por Daniel Cardoso, director de Quorum Dance Company, y un taller infantil a cargo de Katua & Galea Teatro en la Fundación CB.

Con esta nueva edición, el Festival Internacional de Teatro de Badajoz alcanza sus 49 años de trayectoria reafirmando su vocación de acercar a la ciudad propuestas nacionales e internacionales y de convertir las artes escénicas en un espacio de reflexión sobre el presente, pero también de encuentro, emoción y participación.

Gijón volverá a convertirse este otoño en punto de encuentro para la danza y las artes del movimiento con la celebración de la XXVI edición de Danza Xixón, una iniciativa organizada por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón/Xixón. El festival desarrollará su programación del 1 al 29 de octubre.

La programación combina la exhibición de espectáculos con talleres, encuentros con artistas, actividades de mediación y propuestas dirigidas a diferentes perfiles de público, desde espectadores habituales hasta jóvenes, familias y público escolar.

El Centro de Cultura Antiguo Instituto volverá a desempeñar un papel destacado como espacio de encuentro y programación. A él se suman otros equipamientos y espacios de la ciudad, dentro de una concepción del festival que busca sacar la danza de los escenarios convencionales y generar nuevas posibilidades de relación con el público.

La edición de 2026 contará, entre otras propuestas, con la participación del creador y bailarín Eduardo Vallejo/Ogmia, que presentará “Spira” el 18 de octubre en el Centro de Cultura Antiguo Instituto y ofrecerá además un taller en el marco del festival. También está prevista la presencia de “Bloodmoon”, el 17 de octubre en el Teatro Jovellanos.

El festival mantiene asimismo su conexión con el tejido profesional y formativo de Asturias, estableciendo colaboraciones con agentes como la Asociación Profesional de Danza de Asturias, el Conservatorio Profesional de Música y Danza de Gijón/Xixón, la Escuela Superior de Arte Dramático y diferentes escuelas y academias de danza de la comunidad.

Junto a la programación para adultos, el festival incorpora propuestas familiares y escolares y diferentes iniciativas destinadas a facilitar el contacto de niños y jóvenes con la creación contemporánea.

La mediación y la formación de nuevos públicos tienen así un papel relevante dentro del proyecto. El festival cuenta, además, con iniciativas impulsadas junto a jóvenes que participan en la selección y valoración de espectáculos de la programación, generando espacios de reflexión sobre las nuevas tendencias de la escena y sobre la propia experiencia como espectadores.

Un año más, el Mercat de Música Viva de Vic (MMVV) convierte la capital de Osona en uno de los principales puntos de encuentro de la industria musical. Del 16 al 20 de septiembre, su 38.ª edición reunirá a artistas, profesionales, programadores y agentes del sector en torno a una programación que combina conciertos, encuentros profesionales, conferencias y espacios de intercambio.

Desde su creación en 1989, el Mercat se ha consolidado como una cita de referencia para la música en directo y como un espacio especialmente relevante para la presentación de nuevos proyectos y la generación de oportunidades profesionales. La programación de esta edición se desplegará en diferentes espacios de la ciudad, con una amplia presencia de propuestas procedentes de la escena catalana y de otros territorios.

Entre los nombres que protagonizarán esta edición figuran Marina Herlop, Lia Kali, Queralt Lahoz, Ginestà, Nacho Vegas, Baiuca, Dan Peralbo i El Comboi, Mama Dousha y Quimi Portet, junto a una extensa nómina de artistas y proyectos emergentes.

La jornada inaugural, el miércoles 16 de septiembre, estará protagonizada, entre otras propuestas, por Playgrxvnd, proyecto liderado por Klaus Stroink, y por la música experimental de Marina Herlop. Durante las siguientes jornadas se sucederán las actuaciones en espacios como L’Atlàntida, la iglesia dels Dolors, la Jazz Cava, la plaza de la Catedral o la plaza Major, uno de los escenarios más emblemáticos del Mercat.

El jueves 17 de septiembre, la programación incluirá las actuaciones de Mar Pujol, Dressed Like Boys, Giorgio Poi, Lluki Valverde, Badiola, Datzira, Soraya Zozaya y Ke Lepo, entre otras propuestas.

La actividad profesional tendrá también un papel destacado durante toda la cita. En este contexto, la Comisión de Música de La Red celebrará una reunión de trabajo el 17 de septiembre en el marco del Mercat de Música Viva de Vic, reforzando así la participación de La Red en uno de los encuentros profesionales de referencia para el sector musical.

A partir del viernes 18 de septiembre, la programación ampliará el número de escenarios y propuestas, con artistas como Nacho Vegas, Irnini Mons, Marte Lasarte, Sereias, Parquesvr, Dan Peralbo i El Comboi, Mama Dousha y Lia Kali. El fin de semana continuará con actuaciones de Baya Baye, Del Gesù, Mujeres, Crim, Queralt Lahoz, Ginestà y Baiuca, entre muchos otros nombres.

La 38.ª edición llegará a su fin el domingo 20 de septiembre con las actuaciones de Ambauka y Quimi Portet, encargado de cerrar el Mercat tras la reciente gira de regreso de El Último de la Fila y con un recorrido por los principales temas de su trayectoria en solitario.

Con una programación que combina la exhibición artística con la actividad profesional y el encuentro entre los diferentes agentes del sector, el Mercat de Música Viva de Vic vuelve a reivindicar su papel como espacio de conexión, descubrimiento y promoción de la música en directo.

El Festival de Teatro de Palencia celebrará del 11 al 29 de septiembre su 47ª edición con una programación que reúne seis propuestas en su sección oficial y que plantea el escenario como espacio para abordar algunos de los conflictos, inquietudes y emociones presentes en la sociedad contemporánea.

“El Nudo Gordiano”, “Sahara. La Barca del Desierto”, “Las Gratitudes”, “Cucaracha”, “UBÚ” y “Rompientes” conforman una programación que transita por cuestiones como la salud mental en la infancia, el conflicto del Sáhara Occidental, la memoria, la guerra, el poder o las migraciones.

La sección oficial comenzará con “El Nudo Gordiano”, de la dramaturga estadounidense Johnna Adams, con dirección de Israel Elejalde y adaptación de Paula de Paz. María Morales y Eva Rufo protagonizan este duelo dialéctico entre una madre y una profesora a partir de un caso de suicidio infantil. La propuesta sitúa en primer plano cuestiones como el acoso escolar, los límites de la autoridad educativa y la responsabilidad sobre la salud mental de niños y adolescentes.

El conflicto del Sáhara Occidental llegará al festival el 18 de septiembre con “Sahara. La Barca del Desierto”, una producción de Una hora menos que articula la historia personal de una enfermera canaria con la memoria y la realidad política y social del pueblo saharaui. La representación estará precedida, el día 17, por la mesa de debate “La Visibilidad de un conflicto”, en la que participarán la periodista de RTVE y especialista en información internacional Ebbaba Hameida, el abogado y activista de Derechos Humanos Sidi Talebbuia y Fati Jadad.

La programación continuará el 19 de septiembre con “Las Gratitudes”, adaptación de la novela de Delphine de Vigan a cargo de PTC y dirigida por Juan Carlos Fisher, con Gloria Muñoz como protagonista. La pérdida del lenguaje y de la memoria sirven como punto de partida para una obra que reflexiona sobre la dificultad de expresar el agradecimiento y sobre la necesidad de hacerlo antes de que sea demasiado tarde.

El 23 de septiembre será el turno de “Cucaracha”, de Sam Holcroft, dirigida por Julián Fuentes Reta. Hiba Abouk, Julio Peña, Lucía Díez, Miriam Queba, Nakarey y Javier Amann integran el reparto de una propuesta que explora el impacto de la guerra sobre la adolescencia y la juventud. Su puesta en escena apuesta por un espacio y una iluminación minimalistas para concentrar toda la atención en el trabajo interpretativo.

La farsa política llegará al Principal el 25 de septiembre con “UBÚ”, escrita por María Folguera a partir de Ubú rey, de Alfred Jarry, y dirigida por Hugo Nieto. Antonio Pagudo, Cristina Gallego, Dani Llull, Eduardo Mayo y Elena Lombao protagonizan una adaptación que traslada el universo absurdo de Jarry a la política contemporánea y combina humor, música y situaciones desbordadas para construir una mirada crítica sobre el poder.

Cerrará la sección oficial “Rompientes”, del dramaturgo belga Paul Verrept, traducida por Ronald Brouwer y dirigida por José María Esbec. Fernando Mercé y Rebeca Hernando interpretan a un matrimonio acomodado cuya relación se ve alterada cuando aparecen cuerpos sin vida en la playa de la ciudad en la que viven. La obra sitúa así una crisis humanitaria en el centro de un conflicto personal y plantea una reflexión sobre la empatía y nuestra respuesta ante aquello que amenaza nuestro entorno de bienestar.

Entre las novedades de esta edición destaca la incorporación del festival al proyecto Teatro Accesible, con el objetivo de avanzar en la accesibilidad y la inclusión de las personas con discapacidad en las artes escénicas. En esta ocasión, “El Nudo Gordiano” y “Las Gratitudes” contarán con sesiones adaptadas para personas invidentes.

El festival pondrá también en marcha el Club de Espectadores 360, una iniciativa gratuita que se extenderá durante toda la temporada del Teatro Principal. La propuesta busca favorecer una participación más activa del público y acercarlo a los distintos procesos que forman parte de la creación y producción escénica, desde la iluminación y la escenografía hasta la producción o la lectura y comentario de textos. Los grupos estarán limitados a 30 participantes y la inscripción se realizará en la taquilla del teatro.

La inauguración oficial tendrá lugar el 14 de septiembre, con una gala en la que se entregarán los premios de la 46ª edición. Aitziber Garmendia y Telmo Irureta recibirán los galardones a Mejor Actriz y Mejor Actor, respectivamente, por “Sabes que las flores de plástico nunca han vivido, ¿verdad?”, mientras que Lucía Miranda será reconocida como Mejor Dirección por “Caperucita en Manhattan”. El montaje recibirá asimismo el premio a la Mejor Escenografía, realizada por Alessio Meloni.

La programación se completa con “Off The Record”, una propuesta paralela que vuelve a llevar las artes escénicas al espacio público a través de diferentes espectáculos de calle.
El ciclo arrancará el 11 de septiembre con “Maletas de Tierra”, una pieza itinerante de teatro físico y movimiento que recorrerá la Plaza Mayor, Cuatro Cantones y la Plaza San Francisco y que pone el foco en la historia y en las voces de las mujeres.

El 12 de septiembre, la Plaza Mayor acogerá “Shibumi”, propuesta de danza reconocida con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010. Cinco bailarines exploran, sin personajes definidos ni una narración lineal, la belleza de las pequeñas cosas y dejan espacio para que cada espectador construya su propia interpretación.

Por último, el 29 de septiembre, el Teatro Principal ofrecerá dos pases escolares de “Calle Rebaño, 14”, un espectáculo de títeres que aborda los prejuicios y que cerrará la programación de esta edición.

Foto: Espectáculo “El Nudo Gordiano”

FiraTàrrega ha presentado la programación de su 46.ª edición, que se celebrará del 10 al 13 de septiembre de 2026. El festival, consolidado como uno de los principales encuentros de las artes escénicas de calle, reunirá este año 57 espectáculos, con la participación de 11 compañías internacionales procedentes de nueve países. Una veintena de las propuestas serán estrenos absolutos y el 60 % de la programación podrá disfrutarse de forma gratuita.

La edición de este año volverá a prestar especial atención al talento emergente. Un total de 33 compañías participarán por primera vez en FiraTàrrega, una apuesta orientada a descubrir nuevos creadores y ampliar las miradas y lenguajes presentes en el festival.

El lema de esta edición será «Celebrem», una propuesta que pone el foco en la celebración como espacio compartido y en la capacidad de las artes de calle para generar encuentros entre personas diversas.

La propuesta parte de la idea de que celebrar implica compartir espacios y experiencias con personas que, aunque sean desconocidas, participan de un mismo acontecimiento. Desde esta perspectiva, el festival reivindica la celebración como una forma de superar diferencias, derribar barreras y reforzar el carácter accesible de las artes escénicas de calle.

Además de su programación artística, FiraTàrrega mantiene su importante dimensión como mercado profesional de las artes escénicas, con la previsión de reunir a alrededor de 1.200 profesionales del sector procedentes de diferentes países.

La programación artística se estructura en diferentes bloques temáticos que reúnen propuestas de compañías y artistas consolidados junto a creadores emergentes.

Uno de los ejes estará dedicado a la celebración, la participación y la conexión, con propuestas como “WAZAC”, de la compañía surcoreana A-run crew; “Una brillant imperfecció (o mort d’un pianista)”, de Vero Cendoya; “Aquí”, de Llum de Fideu, y “Laralaila”, de Sound de Secà.

Otro de los bloques abordará cuestiones de actualidad y diferentes realidades sociales. Entre las propuestas destaca “Incontinuo”, de la compañía catalana Kamchàtka, encargada de inaugurar esta edición con una propuesta inmersiva de gran formato en el Hort del Barceloní. El espectáculo reflexionará sobre los procesos migratorios y contará con la participación de personas recién llegadas a Tàrrega.

Este apartado incluirá también “Dominaire”, de la compañía valenciana Maduixa; “Bo Família”, de Marie de Jongh; “Mètode rosa”, de Pere Faura & Niels Bekius, y “Andábamos maravillados”, de Violeta Gil.

La comedia y el entretenimiento tendrán igualmente presencia en la programación con propuestas como “Securitas Service”, de Trasla2; “Alboroto”, de Truca Circus, y “Entre la pell i la màscara”, de Penique Productions.

FiraTàrrega volverá además a reservar un espacio destacado para los públicos familiares e infantiles, con espectáculos como “El viatge de la Lua”, de Alba Sarraute; “Mala herba sempre creix”, de Pagans, e “INUIT”, de Festuc Teatre.

La programación se completará con la celebración de IN SITU FOCUS #1, una iniciativa destinada a apoyar y dar visibilidad al talento europeo emergente en el ámbito de las artes de calle.

En esta primera edición participarán siete propuestas de diferentes compañías europeas, que presentarán creaciones de distintas disciplinas y formatos. La iniciativa refuerza así la dimensión internacional de FiraTàrrega y su papel como plataforma para el descubrimiento de nuevos lenguajes y artistas de la escena contemporánea.

Con esta nueva edición, FiraTàrrega vuelve a situar la creación contemporánea, el espacio público, la internacionalización y el descubrimiento de nuevos talentos en el centro de su propuesta, consolidando su doble dimensión como festival y mercado profesional de las artes escénicas.

El dramaturgo y guionista Joan Yago García ha sido distinguido con el Premio Nacional de Literatura Dramática 2026 por su obra en catalán “La brama del cérvol (una experiència única en un marc incomparable)”, publicada por Editorial Comanegra. El galardón, concedido por el Ministerio de Cultura y dotado con 30.000 euros, reconoce una trayectoria vinculada a la creación escénica contemporánea y una escritura caracterizada por el humor, la crítica social y la exploración de las contradicciones del presente.

El jurado ha destacado la “potencia de un texto sorprendente, arriesgado y deliberadamente delirante que dialoga con nuestro presente desde una profunda crisis existencial y política”. La obra se construye como un relato coral en el que diferentes historias aparecen entrelazadas a través de unos personajes marcados por sus contradicciones morales.

Para el jurado, “La brama del cérvol (La berrea del ciervo)” combina un “tono sarcástico” con momentos de metateatralidad y plantea “una forma arriesgada de gran alcance popular”. El acta también pone en valor la capacidad del autor para observar las fracturas de la sociedad contemporánea y abordarlas desde el humor.

Nacido en Barcelona en 1987, Joan Yago es graduado en Dirección y Dramaturgia por el Institut del Teatre de Barcelona y miembro fundador de La Calòrica, una de las compañías de teatro independiente más reconocidas del panorama catalán.

A lo largo de su trayectoria ha escrito y estrenado títulos como “Els Ocells”, “Sis Personatges - Homenatge a Tomàs Giner”, “Fairfly”, “You say tomato”, “Un lloc comú”, “Bluf”, “Sobre el fenómeno de los trabajos de mierda”, “Aneboda-The Show”, “La Nau dels Bojos”, “L'Editto Bulgaro”, “Martingala”, “No soy Dean Moriarty” o “Feísima enfermedad y muy triste muerte de la reina Isabel I”

Con este reconocimiento, Joan Yago se incorpora a la nómina de autores y autoras distinguidos con el Premio Nacional de Literatura Dramática, entre ellos Victoria Szpunberg, Paula Carballeira, Pablo Remón, Guillem Clua, Alberto Conejero, Yolanda García Serrano, Alfredo Sanzol, Juan Mayorga o Angélica Liddell.

Fira Mediterrània de Manresa mantiene abierta la convocatoria de acreditaciones profesionales hasta el 9 de octubre. La Fira celebrará del 15 al 18 de octubre su 28ª edición, consolidada como uno de los principales puntos de encuentro del sector profesional de las artes escénicas, la música y la cultura popular.

El mercado reúne propuestas de diferentes disciplinas, artes visuales, circo, danza, exposiciones, música, narración oral y teatro, y ofrece un espacio para la presentación, promoción, compra y venta de espectáculos.

La convocatoria para obtener la acreditación profesional permanece abierta hasta el 9 de octubre. Las personas acreditadas tendrán acceso a las distintas actividades profesionales programadas durante la Fira, entre ellas jornadas profesionales, presentaciones de proyectos, reuniones rápidas, showcases y encuentros entre profesionales.

La acreditación también permite acceder gratuitamente a los espectáculos, previa reserva y siempre en función de la disponibilidad, así como disponer de un espacio personal en la intranet de la Fira con acceso al listado de contactos de las personas inscritas.

La Fira ofrece distintas vías de participación para el sector profesional. Además de tramitar la acreditación profesional, cuya convocatoria está actualmente abierta, los profesionales de la comunicación pueden acreditarse como periodistas. Asimismo, las compañías y artistas tienen la posibilidad de formar parte de la programación artística de la Fira.

La acreditación profesional tiene un coste de 60 euros e incluye a dos profesionales. Cada profesional adicional tiene un coste de 25 euros.

El Ministerio de Cultura, a través de la Dirección General de Artes Escénicas y Música-DGAEM, ha abierto la convocatoria de la XIV edición del Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales, una iniciativa destinada a apoyar la investigación y creación de nuevos textos dramatúrgicos teatrales y circenses y a fomentar la innovación en los lenguajes escénicos contemporáneos.

La convocatoria (más detalles aquí) contempla la concesión de cinco ayudas de 5.000 euros cada una, con una dotación total de 25.000 euros. Las ayudas están destinadas a financiar procesos de investigación orientados a la creación de textos dramatúrgicos, con libertad de género, temática y estilo, siempre que las propuestas se sitúen en el ámbito de la innovación y el desarrollo de los lenguajes escénicos actuales.

Podrán optar a estas ayudas las personas físicas que no hayan cumplido 36 años a 1 de enero de 2026, que tengan nacionalidad española o de algún Estado miembro de la Unión Europea o de los Estados signatarios del Acuerdo sobre el Espacio Económico Europeo. También podrán participar quienes, sin cumplir este requisito de nacionalidad, dispongan de residencia legal en España en el momento de la percepción efectiva de la ayuda.

Entre los requisitos establecidos figura la necesidad de acreditar al menos dos obras dramatúrgicas que hayan sido estrenadas profesionalmente, publicadas en colecciones de reconocido prestigio en el ámbito teatral o circense —excluida la autoedición— o que hayan recibido un premio teatral o circense de ámbito autonómico o nacional.

El programa busca impulsar procesos de creación que permitan explorar nuevos modos de generación de propuestas escénicas. En este sentido, la convocatoria contempla tanto la experimentación dramatúrgica como el cruce entre distintas disciplinas escénicas y la investigación desarrollada en la sala de ensayos, con el objetivo de que los textos resultantes puedan servir como base para futuros espectáculos de teatro y circo.

El plazo de presentación de solicitudes permanecerá abierto hasta el 24 de septiembre de 2026.

El Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales está promovido por la Dirección General de Artes Escénicas y Música en colaboración con la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos Guillermo Heras.

El programa forma parte de las iniciativas del Ministerio de Cultura destinadas a favorecer la creación dramatúrgica y el desarrollo de nuevos lenguajes escénicos. En ediciones anteriores, las obras resultantes se han incorporado a una colección que reúne ya decenas de textos de autores y autoras participantes, entre ellos nombres como Alberto Conejero, Paco Bezerra o Lola Blasco.

El Laboratorio de las Artes de Valladolid (LAVA) presenta su nueva temporada bajo el lema “Volverte a ver”, una invitación al reencuentro con las artes escénicas y con su dimensión colectiva. La programación 2026/27 reunirá 39 espectáculos de teatro, danza, circo contemporáneo y música, con propuestas que abordan cuestiones como la identidad, la memoria, el territorio, los vínculos familiares o la relación con la tradición desde lenguajes contemporáneos.

La nueva temporada será, además, la más internacional de la historia del LAVA. Un total de 37 compañías pasarán por la Sala Concha Velasco, nueve de ellas procedentes de Argentina, Canadá, Reino Unido, Bélgica, Francia, Italia y Croacia. Creadores de reconocida trayectoria compartirán cartel con artistas emergentes y propuestas que llegan por primera vez a España.

La programación arrancará el 3 de octubre con “Doncellas (juerga permanente)”, de Rafael Estévez y Valeriano Paños, una pieza que establece uno de los diálogos que atraviesan la temporada: el encuentro entre tradición y creación contemporánea. Esta mirada estará presente también en el apartado musical, donde el folclore se encuentra con la electrónica y otras sonoridades actuales.

Una programación que mira al presente

El teatro ocupará buena parte de la temporada con propuestas que utilizan la escena para interrogar el presente. “Yo nací en un surco de judías”, de Laura Santos - Almealera, abordará la situación de la mujer y el futuro del medio rural; “Lengua de vaca”, estreno en España fruto de un proyecto internacional entre centros superiores de arte dramático de París y Castilla y León, reflexionará sobre la herencia que reciben las nuevas generaciones, y “Teoría de King Kong”, de La Virgueria y Cassandra Projectes, llevará al escenario el pensamiento de Virginie Despentes en torno al poder, el deseo y la identidad.

La creación internacional tendrá una presencia destacada con compañías como SNAFU Dance Theatre Society, Familie Flöz, Teatro Necessario o El Eje. Entre las propuestas figura también “Teatro Delusio”, de Familie Flöz, y “Nuova Barberia Carloni”, de Teatro Necessario, que recupera el espacio de la barbería como lugar de encuentro y conversación.

La danza contemporánea recorrerá igualmente la temporada con trabajos de artistas y compañías como Osa+Mujika, YellowBitz Art Collective, Siberia Danza, Manuel Liñán y Peeping Tom. El circo tendrá su propio protagonismo con compañías como Gandini Juggling, Eia y Circus Ronaldo.

Más allá de la exhibición

Uno de los ejes de la temporada será la voluntad de ampliar la experiencia escénica más allá de la representación. El LAVA mantendrá sus encuentros con compañías, talleres y actividades formativas y de mediación dirigidas tanto a profesionales como a aficionados.

A estas iniciativas se suma esta temporada “El Suelo es LAVA”, un nuevo proyecto desarrollado junto a El Silo Casa de Cultura y que forma parte del Circuito Ornitorrinco desarrolla por la Red Española de Teatros y financiado por la Fundación Daniel y Nina Carasso. La iniciativa busca reforzar los procesos de mediación con la ciudadanía y convertir la experiencia escénica en un espacio de diálogo, participación y reflexión colectiva.

La temporada incorpora así una programación que combina la dimensión internacional con el apoyo a los procesos creativos y la participación de la ciudadanía. Una apuesta por un LAVA entendido no solo como espacio de exhibición, sino como lugar de encuentro entre artistas, públicos y comunidades, donde las artes escénicas pueden generar nuevas miradas sobre el presente.

El Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Gasteiz regresa este otoño, del 25 de septiembre al 13 de diciembre, con una programación de 34 espectáculos y 47 funciones. El certamen vuelve a apostar por una combinación de creación internacional, apoyo a las compañías locales, danza, nuevos lenguajes escénicos, propuestas en euskera y actividades destinadas a favorecer una relación más activa entre artistas y espectadores.

Entre los 34 espectáculos figuran siete propuestas internacionales, seis estrenos absolutos de creación local, seis obras que se presentan por primera vez en Euskadi dentro del festival y siete espectáculos en euskera. A ello se suman siete propuestas de danza y cuatro espectáculos familiares.

Entre las propuestas de teatro destaca “Fronteras”, de Henry Naylor, dirigida por Andrés Lima e interpretada por Carolina Yuste y Eneko Sagardoy. La obra entrelaza las historias de una adolescente grafitera siria que huye de la represión y un fotógrafo de guerra británico para abordar la crisis migratoria y la responsabilidad de Occidente ante las tragedias que suceden lejos de sus fronteras. Ambos intérpretes se enfrentan además al reto de asumir numerosos personajes a lo largo del montaje.

También llegará “Gigante”, con José María Pou convertido en Roald Dahl, mientras que Carlos Hipólito encabezará “Largo viaje hacia la noche”, dirigido por Ernesto Caballero. Sergio Peris-Mencheta dirigirá “Constelaciones”, una historia que utiliza la física cuántica y la teoría de los universos paralelos para explorar las posibilidades de una relación amorosa.

La programación reunirá asimismo a Malena Alterio y Carmen Ruiz en “La vida extraordinaria”, una obra sobre la amistad, y a Javier Cámara, Israel Elejalde, Marta Nieto y Emilio Tomé en “Verborrea”, donde varios antiguos integrantes de una banda punk vuelven a encontrarse años después.

El festival cerrará su programación con “Leonora”, protagonizada por Natalia Huarte y centrada en la figura de la artista Leonora Carrington. La función del 12 de diciembre incorporará además medidas de accesibilidad.

La dimensión internacional será otro de los ejes de esta 51ª edición. El programa reúne propuestas procedentes de diferentes países y lenguajes escénicos, desde el teatro hasta la danza contemporánea o el teatro musical.

La compañía argentina El Rayo Misterioso protagonizará el espectáculo inaugural internacional con “Todo terminará para Navidad”, mientras que la compañía china TAO Dance Theater presentará “Numerical Series”, una de las propuestas de danza contemporánea de la programación.

También llegará desde Italia “Teatro da mangiare?”, de Teatro delle Ariette, una experiencia que difumina las fronteras entre representación y encuentro: la compañía prepara una comida que después comparte con el público durante la función.

El teatro musical estará representado por The Tiger Lillies y La Perla 29 con “A Macbeth Song”, una aproximación a la tragedia de Shakespeare desde la estética oscura y particular de la formación británica.

El festival reserva un espacio específico a las compañías y artistas de Vitoria-Gasteiz a través de Off Lokal, que reunirá seis estrenos absolutos.

Entre el 25 y el 27 de septiembre se presentarán “Liberalia”, “Clinofilia” y “Winnipeg 1939”, mientras que del 2 al 4 de octubre será el turno de las propuestas en euskera “Nora, nora ezean”, “Etorkizunak dio” y “II. koadroa: Ukondoa”.

La apuesta por el contexto escénico más cercano se extiende además a nombres como Kepa Errasti, Mireia Gabilondo, Dorleta Urretabizkaia, Aizpea Goenaga y Joseba Apaolaza, así como a compañías como Tanttaka, Txalo Producciones y Teatro Paraíso.

La danza ocupa también un lugar destacado en esta edición, con siete espectáculos de compañías y creadoras de procedencias y lenguajes diversos: Tao Dance Theater, La Veronal, Taiat Dansa, Poliana Lima, Brodas Bros, DA.TE Danza y Paula Quintana.

Junto a ellas, el Teatro Jesús Ibáñez de Matauco volverá a funcionar como espacio especialmente abierto a los nuevos lenguajes. Allí convivirán teatro, circo, clown, máscaras y teatro físico, con propuestas como “Rojo nieve”, de Musaloka Kolektiboa, y trabajos procedentes de Argentina e Italia.

La edición 2026 incorpora ocho acciones de mediación y programación expandida bajo el paraguas de “Teatro abierto”: Off Lokal, Proyecto bebés, Imaginarios imposibles, encuentros con equipos artísticos, una función accesible, teatro para leer y encuentros de mediación escénica con EDADEI y Larrua Lab.

La novena edición de “Rincones y Recovecos, el Festival de Artes Escénicas en Espacio Singular” se celebrará del 17 al 19 de septiembre en Laboral Ciudad de la Cultura y distintos espacios del centro de Gijón, con una programación de 23 espectáculos y actividades de teatro, danza, música, circo, títeres y objetos dirigida a públicos de todas las edades.

El festival volverá a explorar espacios no convencionales para acercar las artes escénicas al público. En Laboral Ciudad de la Cultura, las propuestas ocuparán 16 localizaciones, entre ellas la Caja Escénica, la Sala de Pinturas, la Iglesia, diferentes patios y la Escuela Superior de Arte Dramático del Principado de Asturias. La programación arrancará en el Museo de la Ciudadela “Celestino Solar” con “Uco. Un paisano diferente”, del cántabro Nando Caneca, con entrada gratuita.

Entre las novedades de esta edición figuran estrenos como “Marceline”, coproducción de Producciones Kinser y Teatro del Cuervo, y “Las olvidadas”, de Mondomeraki.

El festival volverá además a poner el foco en la creación asturiana con propuestas como “El atrapacuentos”, de Mar Rojo Producciones; “Mímesis” (en la imagen), de Zig Zag Danza; “Del chigre al auditorio”, de Brassica Trío; “Hebras. La caja de la memoria”, de Teatro del Cuervo y Pájaros Pintados, o “Kanpai”, de Teatro del Cuervo, encargada de clausurar el certamen.

La programación familiar incluirá espectáculos como “Bromas dulces como la miel”, “¡Que viene el lobo!”, “¡Qué buen día!”, “Conservando memoria” y “La sencillez de mirar luciérnagas”, ampliando la oferta del festival para públicos de diferentes edades.

Un año más, “Rincones y Recovecos” colaborará con el festival “Escenario Insólito” de La Rioja a través de “Recovecos Insólitos”. El público podrá elegir, ejerciendo como jurado, la propuesta que representará a Asturias en la próxima edición del certamen riojano. Las candidatas serán “Marianne, naturaleza en un lienzo”, de Soy Semilla; “Piel de mujer”, de Mario Le Bihan, y “Glimpse”, de Silvia Bango. Además, desde La Rioja llegará “¿Bene?”, de Mon Teatro, ganadora de la edición 2026 de “Escenario Insólito”.

El programa se completará con la instalación gratuita “Juegos Tradicionales”, de la compañía asturiana Vuelta y Media, que recuperará juegos populares durante las jornadas del viernes y el sábado.

El Festival Internacional Outono de Teatro (FIOT) celebrará su 34ª edición del 25 de septiembre al 31 de octubre con una programación formada por 45 propuestas, entre las que se incluyen 11 estrenos absolutos de compañías gallegas y otros 11 espectáculos que llegarán por primera vez a Galicia.

Carballo volverá así a convertirse durante más de un mes en uno de los principales puntos de encuentro de las artes escénicas en la comunidad. El festival mantiene su compromiso con la creación gallega a través de una programación que, bajo el lema “Raíz viva, memoria colectiva”, reivindica la tradición, la memoria y la identidad cultural como elementos esenciales de la escena contemporánea.

El Centro Dramático Galego colaborará en dos de los estrenos programados en esta edición: “Territorio regueifa”, de Ainé Producciones, y “Berenguela na gaiola” (en la imagen), una producción de Galeatro y Xarope Tulú. Ambas propuestas parten de elementos vinculados a la tradición oral y a la cultura gallega para plantear nuevas aproximaciones dirigidas al público actual.

La programación se completa con una amplia representación de la escena estatal. El FIOT contará con nombres como María Galiana, Sergio Peris-Mencheta, Juan Diego Botto, Lucas Escobedo y Andrea Jiménez, además de compañías y artistas gallegos de reconocida trayectoria, entre ellos Contraproducións, Pistacatro, Paula Carballeira y Evaristo Calvo.

La dimensión internacional estará presente también en el cartel con “Medida por medida (La culpa es tuya)”, del creador argentino Gabriel Chamé Buendia, y “Un sublime error”, de la compañía belga Needcompany.

Las propuestas ocuparán distintos espacios de Carballo, desde el Pazo da Cultura y la plaza del Ayuntamiento hasta otros escenarios no convencionales. Teatro de sala, microteatro, propuestas de calle, circo y música convivirán en una programación que busca ampliar los formatos y acercar las artes escénicas a diferentes públicos.

Entre las iniciativas que regresan al festival se encuentra el Certamen Micro-Escenas M², una ventana para descubrir nuevos creadores y proyectos emergentes dentro del panorama escénico.

La Fundación SGAE pone en marcha la primera edición del Premio SGAE de textos teatrales Federico García Lorca, 2026, una nueva convocatoria destinada a reconocer la creación dramatúrgica y favorecer la incorporación de nuevos textos al repertorio teatral español. El certamen nace cuando se cumplen 90 años del asesinato de Federico García Lorca.

El premio contempla una dotación económica global de 30.000 euros, repartida entre un primer galardón de 20.000 euros y dos accésits de 5.000 euros cada uno. Las candidaturas podrán presentarse hasta el 30 de septiembre de 2026.

La convocatoria está dirigida a autores y autoras que sean socios de SGAE, que podrán concurrir individualmente o en régimen de coautoría. Las obras deberán ser originales y no haber sido publicadas ni estrenadas previamente. Se aceptarán textos escritos en cualquiera de las lenguas oficiales del Estado español.

Además del reconocimiento económico, el certamen busca contribuir a la difusión de las obras seleccionadas. Los tres textos premiados pasarán a formar parte de la colección editorial TeatroAutor, publicada por la Fundación SGAE, y tendrán una posterior adaptación en formato de lectura dramatizada dentro del ciclo Teatro en la Berlanga 2027, que se desarrolla en la Sala Berlanga de Madrid.

La creación del nuevo galardón coincide con el 90º aniversario del asesinato de Federico García Lorca y pretende rendir homenaje a una de las figuras fundamentales de la literatura española del siglo XX y con él se quiere ofrecer un homenaje a la dimensión de Lorca como creador y como figura comprometida con la difusión del teatro.

Los interesados en participar pueden consultar las bases y formalizar su inscripción hasta el 30 de septiembre de 2026 a través de la convocatoria de la Fundación SGAE.

El Festival Internacional de Teatro, Música y Danza Temudas conmemorará este año su 30ª edición con una programación integrada por 53 compañías, 95 representaciones y una destacada presencia de producciones canarias. La cita se desarrollará entre el 10 y el 26 de septiembre en distintos espacios de Las Palmas de Gran Canaria, con una oferta mayoritariamente gratuita.

La inauguración tendrá lugar el 10 de septiembre en el Teatro Pérez Galdós con “Afanador”, la aclamada producción del Ballet Nacional de España inspirada en la obra del fotógrafo Ruven Afanador y galardonada en los Premios Max 2025.

El certamen volverá a convertir el entorno del parque de Santa Catalina en su principal escenario, aunque también incluirá otros espacios emblemáticos de la ciudad. El cierre correrá a cargo del tradicional concierto de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, que volverá a celebrarse en la Terminal de Contenedores de Boluda Corporación Marítima.

Uno de los rasgos más destacados de esta edición será la amplia representación del talento local. En total participarán 17 producciones canarias, trece de ellas elegidas mediante convocatoria pública, junto a 26 propuestas nacionales y diez internacionales.

Entre las compañías que formarán parte del programa, la japonesa Toy Toy Toy debutará en Canarias con “Gear”, un espectáculo centrado en la técnica del yoyó. La programación internacional se completa con las francesas Minuit Compagnie y Compagnie Adhok, que presentarán “Sodade” y “Le Nid”, respectivamente; los británicos Gandini Juggling con “You Too Can Tutu”; los portugueses ConCorda con “ConCorda” y Teatro Só con “Sorriso”; la alemana Theater Titanick con “Kipppunkt”; la coproducción belga-irlandesa de Maleta Company & Cie. Balancetoi con “Claudette”; además de Duo Kaos, con “Time to Loop”, y Mano a Mano, con “Noso3”.

En el apartado nacional, además de “Afanador”, el público podrá disfrutar de otras producciones distinguidas en los Premios Max, como “Gota”, de Txema Muñoz, y “Juancaballo”, de la Compañía Juan Berlanga.

La programación incluye asimismo funciones únicas de “Mover montañas”, de Alberto Velasco; “Áspid” y “La reina del metal”, de Vanesa Aibar; “Famulus”, de Iron Skulls; la propuesta de danza vertical “Sacred”, de La Glo Circo; “Prometeo”, de OtraDanza; “Selva”, de Daniel Abreu; “Liebe”, de Titoyaya Dansa; “Baleya”, de Ararí Danza; “Desanuda”, de Maitane Sarralde; “Ultimatum”, de Led Silhouette; y “Un hilo cae de mi mano”, de Antonella D’Ascenzi.

El circo y el clown también tendrán un papel protagonista con una decena de montajes nacionales. A “Gota” se sumarán “La piedra de madera”, de Eia Compañía de Circo; “Domte”, de Cía. Nacho Flores; “Maletas de tierra”, de Visitants; “Sísifos”, de Cía. Uparte; “Unics”, de Colectivo MUR; “Play Time”, de Producciones Chisgarabís; “La crisis de la imaginación”, de Rauxa; “Só”, de Xampatito Pato; y “Mahmud y no solo Mahmud”, de Puntocero Company.

La música estará presente de forma transversal en numerosas propuestas, entre ellas “Babel”, de Xarxa Teatre, además de los espectáculos de la Banda Sinfónica de Las Palmas de Gran Canaria y Ananda The Violin Band.

La programación teatral se completa con “Buenas noches Europa”, de Animasur; “Artilusio”, de Markeliñe; y la experiencia inmersiva “Desiderata. El hospital para libros”, de Mama Crea, que podrá visitarse en varias sesiones durante el primer fin de semana del festival en los soportales del Edificio Miller.

Entre las producciones canarias seleccionadas mediante convocatoria pública figuran “Plumáticas”, de El Jablero Compañía de Danza; “Selva”, de Daniel Abreu; “Salapalipa”, de Watones Lokos; “Ananda”, de The Violin Band; “Paraíso II”, de Virginia Arencibia; “El último tren”, de Cía. Comedia De Sastre; “Choriza”, de Aurora Jara; “La batalla de Don Carnal y Doña Cuaresma”, de la Asociación Cultural Salsipuedes; “En el ojo de la ballena”, de Travesía Asociación Sociocultural; además de los estrenos de “Esperando a Godot”, “La Srta. Popis & Pupas, agentes de la ITV del Universo”, “Cenadefindeaño, Resonare” y “Rebambaramba la película”.

La programación se completa con la coproducción “Liberté, el despertar del ser”, protagonizada por la compañía de Rocío Pozo, y “30MUDAS, Performance Delicatessen”, de Clapso Producciones, concebida como una metáfora sobre la trayectoria del propio festival.

Antes de que el cine lo convirtiera en uno de los rostros más reconocibles de su generación, Manolo Solo había forjado una extensa y respetada trayectoria sobre los escenarios. El actor gaditano acaba de fallecer a los 62 años a causa de un cáncer. Fue durante décadas uno de los grandes intérpretes del teatro español, combinando su trabajo en escena con una carrera cinematográfica que le valió un Premio Goya y el reconocimiento de la profesión.

Nacido en Algeciras en 1964 con el nombre de Manuel Jesús Fernández Serrano, desarrolló buena parte de su formación y de sus primeros trabajos teatrales en Sevilla, ciudad desde la que comenzó una carrera marcada por la interpretación de grandes textos clásicos y contemporáneos. Sobre las tablas trabajó en montajes de autores como Shakespeare, Calderón de la Barca, Lope de Vega, Chéjov o Brecht, consolidándose como un actor versátil.

Su prestigio en el ámbito teatral fue el cimiento sobre el que más tarde construiría una carrera en el cine.

En la gran pantalla participó en más de medio centenar de películas, entre ellas "La isla mínima", "El buen patrón", "Cerrar los ojos", "Anatomía de un instante", "Una quinta portuguesa" y "La desconocida", esta última pendiente de estreno. Su interpretación en "Tarde para la ira", dirigida por Raúl Arévalo, le valió el Premio Goya al Mejor Actor de Reparto en 2017, además de acumular otras cuatro nominaciones a los galardones de la Academia.

Sin embargo, quienes compartieron escenario con él siempre destacaron que su auténtico hogar artístico fue el teatro. Durante décadas defendió la escena como un espacio de creación y búsqueda interpretativa, manteniendo un firme compromiso con las artes escénicas incluso cuando el éxito cinematográfico multiplicó su popularidad.

El Consejo de Ministros del martes 21 de junio ha aprobado el nuevo Estatuto del Artista, una reforma largamente demandada por el sector cultural que actualiza el marco laboral de los profesionales de las artes escénicas, audiovisuales y musicales, así como del personal técnico y auxiliar que participa en estas actividades. Entre las principales novedades figuran el reconocimiento de nuevas garantías laborales, una mayor protección de los menores y la incorporación como tiempo de trabajo efectivo de tareas como los ensayos, la preproducción, la postproducción o las acciones de promoción.

La norma, impulsada conjuntamente por los ministerios de Trabajo y Economía Social y de Cultura tras meses de negociación con representantes del sector, sustituye una regulación considerada obsoleta y adapta la legislación a las actuales formas de creación y producción cultural.

Durante la presentación del real decreto, la vicepresidenta segunda y ministra de Trabajo y Economía Social, Yolanda Díaz, destacó que el texto es fruto de un año de diálogo con los principales agentes culturales y subrayó que la reforma amplía la protección laboral a cerca de 771.000 personas, incluyendo por primera vez en igualdad de condiciones a los profesionales técnicos y auxiliares.

Uno de los aspectos más relevantes del nuevo Estatuto es la definición más precisa de qué actividades forman parte de la jornada laboral. A partir de ahora se consideran tiempo de trabajo efectivo todas aquellas tareas sujetas a la dirección de la empresa, entre ellas los ensayos, la preparación previa de las producciones, la postproducción y las actividades promocionales.

La reforma también introduce medidas destinadas a mejorar la transparencia retributiva. Las empresas deberán reflejar de forma clara y diferenciada en las nóminas los distintos conceptos salariales y no salariales, así como las cantidades correspondientes a la cesión de derechos de propiedad intelectual cuando estos no sean gestionados de forma colectiva. Además, el Estatuto incorpora expresamente la protección de los derechos de imagen, de propiedad intelectual y de otros derechos digitales de los artistas.

En materia de protección de los menores, la nueva regulación establece por primera vez un marco común para todo el territorio nacional sobre su participación en actividades artísticas. Solo podrán desarrollar estas actividades mediante una relación laboral por cuenta ajena y con la correspondiente autorización administrativa, garantizando en todos los casos la protección de sus derechos. Asimismo, desaparece la posibilidad de que estas actividades se desarrollen en el ámbito privado o familiar al margen de dichas garantías.

Otra de las novedades es la creación obligatoria de la figura de la coordinación de intimidad en aquellas producciones que incluyan escenas íntimas o de contenido sexual. Su función será asegurar el consentimiento de los intérpretes y prevenir situaciones de acoso o abuso, con especial atención cuando participen menores de edad.

La regulación del uso de la inteligencia artificial ha quedado finalmente fuera del texto aprobado. Aunque el Gobierno pretendía reforzar la protección de la imagen, la voz y la interpretación de los artistas frente a las tecnologías generativas, el Ejecutivo ha explicado que esta materia afecta a derechos fundamentales y, por tanto, requiere una ley orgánica, por lo que no puede abordarse mediante un real decreto.

Tras la aprobación de la norma, las organizaciones sindicales CCOO y UGT, junto con la Unión de Actores y Actrices (UAA) y Conarte (Confederación de Artistas Trabajadores del Espectáculo), valoraron positivamente la entrada en vigor del nuevo Estatuto al considerar que supone un avance significativo en los derechos laborales del sector cultural.

No obstante, lamentan que la reforma no haya podido incorporar límites específicos al uso de la inteligencia artificial, una de las principales reivindicaciones planteadas durante la negociación.

Más que una propuesta artística, “Ser joven” nació como un proyecto educativo que aborda la adolescencia como un territorio en transformación dentro de un mundo atravesado por la crisis climática, la incertidumbre y la necesidad de imaginar nuevas formas de convivencia. Desde esa mirada, el teatro se convirtió en un laboratorio donde pensar el presente a través del cuerpo, la escucha y la creación colectiva.

La propuesta partía de una idea sencilla y poderosa: establecer un paralelismo entre el proceso de rewilding —la restauración de ecosistemas para que recuperen su estado salvaje— y el acompañamiento de las personas jóvenes en su crecimiento. Si la naturaleza necesita tiempo, cuidados y espacio para regenerarse, también la adolescencia requiere contextos donde experimentar, equivocarse, escuchar y construir comunidad.

La creadora del proyecto, Teresa Ases, explica que esa metáfora apareció como una forma de acercarse a la juventud desde el propio territorio. “Pensar el rewilding como una práctica de cuidado nos permitió hablar de cómo sostener a la juventud), señala. Desde el inicio, el objetivo fue que el alumnado asumiera un papel protagonista en el proceso, dejando que fueran ellos quienes impulsaran las propuestas y tomaran decisiones dentro de la creación.

Uno de los ejes del proyecto fue el cuidado de una planta por pequeños grupos durante tres meses. Lo que comenzó como un sencillo reto terminó convirtiéndose en el centro simbólico de toda la experiencia. Observarla, atenderla y responsabilizarse de ella permitió trabajar conceptos como el cuidado mutuo, la paciencia, la responsabilidad compartida y la construcción de vínculos.

A partir de esa experiencia cotidiana, el grupo fue trasladando sus aprendizajes al lenguaje escénico mediante la palabra, la imagen, la música y el movimiento. El teatro dejó de ser únicamente una disciplina artística para convertirse en una herramienta desde la que expresar emociones, construir relatos y pensar colectivamente.

La metodología, de carácter interdisciplinar, combinó creación contemporánea, artes visuales, mediación artística y pedagogía. Todo el proceso se construyó desde la participación activa del alumnado y del profesorado, favoreciendo un modelo de aprendizaje horizontal donde escuchar resultaba tan importante como crear.

La experiencia dejó también una huella evidente en los centros educativos. El profesorado destaca el entusiasmo con el que el alumnado recibió el proyecto desde el primer día y subraya que uno de los principales aprendizajes ha sido la importancia de los cuidados: cuidar de uno mismo, cuidar de los demás y no dejar a nadie atrás. Del mismo modo, consideran que el trabajo realizado ha incrementado la conciencia ambiental de los participantes, conectando la reflexión ecológica con las relaciones humanas.

El proyecto contó además con la implicación de distintas instituciones y entidades culturales que actuaron como puente entre la comunidad educativa y la creación artística. Para los equipos de mediación, iniciativas como esta permiten abrir los espacios culturales a nuevos lenguajes y entender teatros y centros culturales no solo como lugares de exhibición, sino como escenarios donde también se investiga, se aprende y se generan procesos colectivos.

El impacto fue especialmente visible entre los propios estudiantes. Muchos destacan que la experiencia les permitió salir de su zona de confort, descubrir cómo funciona un teatro desde dentro y experimentar formas distintas de aprender. Otros subrayan que las actividades favorecieron nuevas relaciones personales y les ayudaron a conocer mejor a compañeros con quienes apenas habían hablado antes. El contacto con la naturaleza y el trabajo compartido sirvieron, en muchos casos, para fortalecer el sentimiento de grupo y construir un espacio de confianza.

Todo este recorrido encontró su cierre el 4 de mayo en el Teatro José María Rodero, donde el proyecto celebró un encuentro final que reunió a los participantes para compartir el proceso desarrollado durante los meses anteriores. Más que una representación al uso, el acto fue la culminación de una experiencia colectiva que puso en valor el camino recorrido, los aprendizajes compartidos y la capacidad del arte para generar comunidad.

Ser joven o cómo dejar que la naturaleza recupere su estado salvaje forma parte de las líneas de acción de NAVEL, organización que impulsa proyectos de profesionalización artística joven, mediación cultural y acompañamiento pedagógico desde una perspectiva cooperativa, diversa y feminista. La iniciativa deja una idea clara: en un contexto marcado por la emergencia climática y la transformación social, el arte puede convertirse en un espacio donde aprender a cuidar, imaginar futuros posibles y recuperar, como la naturaleza, aquello que aún permanece vivo y salvaje.

La organización internacional La Nuit du Cirque ha abierto la convocatoria para la edición de 2026 en España, invitando a compañías, teatros, escuelas de circo, administraciones públicas y espacios culturales a sumarse a una de las mayores celebraciones del circo contemporáneo en Europa.

El evento, coordinado en España por CircoRed, se celebrará durante los días 13, 14 y 15 de noviembre y permitirá incorporar espectáculos, talleres, performances urbanas, proyecciones, conferencias y otras actividades abiertas al público relacionadas con las artes circenses contemporáneas.

La iniciativa nació en Francia impulsada por Territories de Cirque con el apoyo del Ministerio de Cultura francés y cuenta actualmente con la colaboración de organizaciones de más de una veintena de países europeos, entre ellas la propia CircoRED en España.

Según los datos recogidos por la propia organización, la edición de 2025 reunió más de 440 eventos en Francia y el extranjero y atrajo a 75.115 espectadores, consolidándose como un escaparate internacional para el sector circense y una herramienta para ampliar públicos y reforzar la relación entre artistas, espacios culturales y comunidades locales.

La organización subraya que cualquier propuesta abierta al público que muestre artes circenses contemporáneas puede formar parte del programa. Los participantes deberán tramitar su inscripción a través de CircoRED, que se encargará de validar las solicitudes y facilitar los materiales oficiales de comunicación.

Además de la programación artística, La Nuit du Cirque desarrolla una amplia campaña de difusión en medios especializados y redes sociales con el objetivo de aumentar la visibilidad del circo contemporáneo tanto entre profesionales como entre el público general.

Los responsables del proyecto destacan que la cita pretende convertir el circo en “un espacio vivo, popular y exigente, sensible y político”, reforzando su papel como disciplina artística en constante evolución y conectada con los debates culturales y sociales actuales.

Las propuestas ser podrán presentar a través del acceso al programa EXCENARIO -previo registro-, siempre que cumplan los requisitos exigidos. 
 
El Catálogo AECID de artes escénicas y música es la principal herramienta de promoción, difusión y programación cultural del Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación.

El Catálogo se elabora cada dos años por un Comité de Expertos e incluye una selección de propuestas de calidad de todos los géneros musicales y escénicos.

Las Embajadas, Consulados y Centros Culturales de España (CCE), toman como referencia EXCENARIO, el catálogo de la AECID, para nutrir de contenido su programación anual, y para dar respuesta a promotores, festivales y otros agentes interesados por artistas españoles.

El Comité de Expertos que elabora el Catálogo es independiente, representativo de diversas instituciones o entidades, rotatorio, interdisciplinar y atiende a la diversidad territorial.

El comité priorizará, junto a la calidad artística, propuestas representativas de la cultura española y que traten, directa o indirectamente, temas prioritarios para la Cooperación al Desarrollo: derechos humanos, mujer e igualdad de género, diversidad sexual y temática LGTB+, cultura de paz, ecología y medio ambiente, recuperación de patrimonio cultural, protección del menor, inclusión social y diversidad funcional.

También valorarán que la propuesta pueda ser entendida en contextos culturales diversos, que promueva una imagen plural, diversa y actual de España, o que incluya un taller formativo, entre otros criterios.

+ Información y registro, en la web de EXCENARIO.

Las Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas ya trabajan en la preparación de su edición de 2027, que se celebrará en Vitoria-Gasteiz del 7 al 9 de abril y estará organizada por el Ayuntamiento de la ciudad junto al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM).

La próxima edición pondrá el foco en el bienestar y en el papel que las artes escénicas y la música pueden desempeñar en la construcción de vidas y comunidades más habitables. El encuentro abordará cuestiones como los vínculos, los cuidados, la participación cultural, la salud comunitaria y la creación de espacios de encuentro y sentido compartido.

Con el objetivo de enriquecer tanto la programación artística como los contenidos de las Jornadas, la organización ha lanzado una convocatoria abierta para identificar proyectos, investigaciones, publicaciones, metodologías, prácticas artísticas y experiencias relacionadas con la temática de esta edición.

La invitación está dirigida a profesionales, entidades y colectivos que desarrollen iniciativas vinculadas a las artes escénicas, la música, la inclusión, los derechos culturales, los cuidados, la salud comunitaria, la participación cultural o cualquier otro ámbito afín. Las personas interesadas pueden presentar propuestas artísticas, experiencias profesionales, investigaciones, publicaciones o cualquier otra iniciativa que consideren relevante.

Las aportaciones podrán enviarse a través del formulario habilitado por la organización en este enlace. 

El plazo de recepción permanecerá abierto hasta principios de octubre. Todas las propuestas serán estudiadas por la comisaria y la comisión organizadora, tanto para la edición de 2027 como para futuras convocatorias.

El Proyecto Casa, integrado en el programa social artístico “Ánima Lliure” del Teatro Lliure, es una iniciativa que sitúa en el centro a las personas en situación de sinhogarismo y que ha formado parte del Circuito Ornitorrinco, un circuito de mediación artística que cuenta del apoyo de la Fundación Daniel & Nina Carasso.

El proyecto, desarrollado en el Centro Residencial de Primera Acogida (CPA) del barrio de Sant Gervasi en Barcelona, nace con la voluntad de cuestionar las dinámicas de exclusión social a través de la cultura y de generar espacios de creación compartida donde las personas participantes puedan expresar sus experiencias, construir relatos propios y ocupar un lugar activo en la vida cultural de la ciudad.

La iniciativa ha contado con el liderazgo artístico del director y creador francés Mohamed El Khatib, una de las figuras más reconocidas de la ficción documental contemporánea, junto a la fotógrafa Yohanne Lamoulère, el ilustrador Bonnefrite y la guionista Elsa Broclain.

Durante varios días de residencia artística, del 9 al 12 de junio, el equipo desarrolló talleres de fotografía, creación gráfica, pintura, conversación y experimentación colectiva con residentes del centro, convirtiendo temporalmente el CPA Sant Gervasi en un espacio de producción cultural y circulación de historias.

Más allá de una intervención artística puntual, Proyecto Casa plantea una reflexión profunda sobre los derechos culturales de las personas sin hogar. La propuesta parte de la idea de que el acceso a la cultura no es un elemento accesorio, sino una dimensión fundamental de la dignidad humana y del reconocimiento social.

Desde esta perspectiva, la participación en procesos creativos se entiende como una herramienta de empoderamiento individual y colectivo capaz de fortalecer la autoestima, reconstruir vínculos comunitarios y generar narrativas alternativas a los estereotipos que suelen asociarse a la pobreza y la exclusión residencial.

La experiencia se inspira en proyectos desarrollados previamente por El Khatib en la red de residencias para mayores francesas EHPAD–Établissement d'hébergement pour personnes âgées dépendantes. Sin embargo, tras un proceso de análisis conjunto con los Servicios Sociales del Ayuntamiento de Barcelona, el Teatre Lliure decidió adaptar la iniciativa al contexto local y trasladarla a un equipamiento especializado en la atención a personas sin hogar. El objetivo era trabajar con historias especialmente significativas para comprender algunas de las realidades sociales más complejas presentes hoy en la ciudad.

El resultado de este proceso colectivo se materializó en una exposición abierta al público en el CPA de Sant Gervasi, inaugurada el pasado 12 de junio, donde se mostraron las creaciones surgidas de los talleres. La muestra permitió visibilizar experiencias habitualmente ausentes de los espacios culturales y ofrecer una mirada más humana y diversa sobre las trayectorias vitales de las personas participantes.

Paralelamente, en el Teatre Lliure de Gràcia, y como parte de la programación escénica “Ánima Lliure”, se ponía en escena, del 10 al 13 de junio, el espectáculo de teatro documental “La vie secrète des vieux”, un montaje escénico creado por el propio El Khatib. Para realizar este documental, Mohamed El Khatib ha entrevistado a ancianas y ancianos de toda condición, tejiendo un relato que refleja un amplio abanico de experiencias amorosas.

Para el Teatre Lliure, Proyecto Casa supone además un paso importante en el desarrollo de nuevas prácticas de mediación artística crítica y transformadora. La iniciativa ha permitido explorar metodologías de trabajo en un ámbito poco habitual para las instituciones culturales, integrando arte y cuidado en el entorno cotidiano de una residencia social y fortaleciendo la colaboración entre agentes culturales y servicios públicos.

Fotos ©Ajuntament de Barcelona

Está abierta hasta el 23 de julio la convocatoria de IBERESCENA de ayudas 2026-2027 para el apoyo económico de proyectos de artes escénicas (teatro, danza, circo, artes vivas e interdisciplinarias) en los países que forman parte del programa*.

La convocatoria incluye tres modalidades de apoyo:

Ayudas a la Creación en Residencia
Dirigidas a proyectos de investigación y creación artística que se desarrollen en residencias. Estas residencias deben favorecer el encuentro y la colaboración entre artistas de diferentes países miembros de IBERESCENA. El objetivo es impulsar el intercambio de ideas, la experimentación y el desarrollo de nuevos lenguajes escénicos. La ayuda puede alcanzar hasta 10.000 euros por proyecto.

Ayudas a la Coproducción de Espectáculos de Artes Escénicas
Destinadas a proyectos realizados conjuntamente por organizaciones, compañías o agentes culturales de al menos dos países miembros de IBERESCENA. Buscan fomentar la colaboración internacional en la creación y producción de espectáculos. La financiación máxima es de 15.000 euros por proyecto.

Ayudas a la Programación de Espacios Escénicos, Festivales y Mercados
Pensadas para apoyar la programación de espectáculos iberoamericanos de teatro, danza, circo, artes vivas e interdisciplinarias en teatros, festivales y mercados profesionales.
Para optar a esta ayuda, la propuesta debe incluir al menos dos espectáculos procedentes de dos países miembros distintos al del solicitante. La financiación puede llegar hasta 20.000 euros. Como novedad en esta convocatoria, los mercados escénicos también podrán solicitar apoyo para la contratación de showcases o presentaciones profesionales de espectáculos.

* Los países miembros del programa Iberescena son Argentina Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Ecuador, El Salvador, España, Guatemala, Honduras, México, Panamá, Paraguay, Perú, Portugal y Uruguay.

+ Más información en la web de IBERESCENA.

IBERESCENA (Fondo de Ayudas para las Artes Escénicas Iberoamericanas) es un programa de cooperación internacional que financia el fomento, la coproducción, la creación en residencia y la programación de espectáculos de teatro, danza, circo y artes vivas.

MADferia-Feria de Artes Escénicas de Madrid mantiene abierta hasta el 30 de junio la convocatoria artística para su XXIII edición, que tendrá lugar del 25 al 29 de enero de 2027 en San Lorenzo de El Escorial y Madrid.

La convocatoria está dirigida a compañías profesionales de teatro, danza, circo y artes vivas en general, que podrán presentar propuestas de pequeño y mediano formato dirigidas tanto a público adulto como a la infancia y la juventud.

En esta edición, la feria pondrá especial atención en aquellas producciones que hayan tenido una circulación limitada en el territorio estatal, con un máximo de seis actuaciones fuera de su comunidad autónoma de origen, así como en los espectáculos que no hayan formado parte de la programación de otras ferias generalistas del Estado.

Asimismo, se valorarán especialmente las propuestas estrenadas a partir del 1 de junio de 2025.

Cada compañía podrá presentar una única propuesta y deberá adjuntar, entre la documentación requerida, un enlace a la grabación íntegra del espectáculo, accesible online y disponible, al menos, hasta el 31 de enero de 2027.

Las bases completas de participación y el formulario de inscripción pueden consultarse en la página web de MADferia.

La resolución de la convocatoria se comunicará a partir del mes de octubre de 2026.

Palma del Río volverá a convertirse en el epicentro de las artes escénicas andaluzas con la celebración de la 43ª edición de la Feria de Artes Escénicas de Andalucía-Teatro en el Sur, que tendrá lugar del 29 de junio al 3 de julio. La programación oficial reunirá 31 espectáculos de teatro, danza, circo, performance y artes de calle, consolidando a este encuentro como uno de los principales escaparates del sector en la comunidad autónoma.

La edición de este año destaca por su apuesta por la creación andaluza y por la incorporación de nuevas voces de la escena contemporánea. Compañías procedentes de Sevilla, Cádiz, Málaga, Granada y Córdoba compartirán programación con propuestas llegadas desde Madrid, Cataluña y Baleares, reforzando el intercambio artístico entre territorios.

Uno de los ejes principales de la feria será el protagonismo femenino en los distintos ámbitos del proceso creativo. La presencia de mujeres se hará notar no solo sobre los escenarios, sino también en la dramaturgia, la dirección, la coreografía y la producción. Entre las creadoras participantes figuran Vanesa Aibar, Laura Morales, Helena Martos, Ana G. Morales, Judith Mata, Bea Lamadrid y Rosa Romero, además de colectivos como La Imbuición, Las Lunas Teatro, La Castañeda, Nómadas Sensoriales y Rebe al Rebés.

La renovación generacional será otro de los rasgos distintivos de esta edición. Más de la mitad de las propuestas seleccionadas, un total de 16, corresponden a compañías y artistas que actuarán por primera vez en Palma del Río. Además, el certamen acogerá varios estrenos absolutos, entre ellos los de Animasur Teatro, Nómadas Sensoriales, Compañía David Montero y La Suite.

La programación incluirá también el estreno en España del nuevo montaje de la compañía catalana Carlos Mô, el estreno en Andalucía de la propuesta de Circ Bover, procedente de Baleares, y el reestreno de "Debut", de Rosa Romero.

Entre los espectáculos seleccionados destacan "Lorca’s Indómitas", de Atalaya Teatro (en la imagen); "El caballo de Adela se llama Federico", de Animasur Teatro; "Conserveras del tiempo", de La Misma Tara y Factoría Echegaray; "Invisible", de LaJoven; "Return", de Carlos Mô; "Hecatombe", de La Castañeda; "Ética para pollos", de La Suite; "Ser pastora", de Laura Morales; "Aibar-Rabia", de Vanesa Aibar; "Gaze", de Bea Lamadrid; "Danzas blancas", de Helena Martos; "Confidencias de un prestidigitador", de la Compañía Mago Migue; "Somos oro", de La Imbuición; "Mariposas de carretera", de Ana G. Morales, Judith Mata y Carlos Guerrero; y "Tierra bendita", del Ballet Flamenco de Andalucía, que actuará el viernes de la feria.

Como principal novedad, la edición de 2026 incorporará el formato showcase, concebido como una herramienta profesional para dar visibilidad a proyectos en desarrollo y reforzar la función de la feria como espacio de encuentro entre creación y exhibición. La organización plantea esta iniciativa como parte de una estrategia para actualizar formatos, ampliar el impacto del evento y responder a los nuevos retos del sector.

La convocatoria artística ha vuelto a registrar una elevada participación, con 872 propuestas recibidas, entre ellas 150 estrenos y otros 150 proyectos internacionales procedentes de países como Argentina, Brasil, Italia, Chile, Colombia, Alemania, México, Francia, Portugal, Bélgica, Ecuador, Suiza, Turquía, Canadá y Kenia. Andalucía lideró la participación con 186 propuestas, seguida de Cataluña, con 139, y Madrid, con 120.

Por disciplinas, el teatro volvió a ocupar el primer lugar con 344 propuestas presentadas, seguido de la danza (166), las piezas multidisciplinares (92), el circo (82) y los espectáculos de títeres, objetos y formas animadas (72). Los montajes de sala fueron mayoritarios, con 515 propuestas, mientras que los espectáculos para todos los públicos encabezaron la clasificación por destinatarios, con 399 proyectos.

La Feria de Artes Escénicas de Andalucía está organizada por el Ayuntamiento de Palma del Río, la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Junta de Andalucía y la Diputación de Córdoba. Además, cuenta con la colaboración de entidades como la Fundación SGAE, el Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, FITA del Alentejo, Circada, PAD, Adgae y La TIJA, entre otras. El encuentro forma parte asimismo de la Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado Español (Cofae).

La ciudad de Cádiz ha sido escenario esta semana del primer focus group del circuito estatal Danza a Escena, una iniciativa impulsada por La Red en colaboración con la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) para reforzar los mecanismos de evaluación y mejora continua de este programa dedicado a la difusión de la danza contemporánea.

La sesión, dirigida por Alba Colombo y Vera Renau, investigadoras de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC), reunió a distintos agentes vinculados al sector con el objetivo de generar un espacio de reflexión colectiva sobre el funcionamiento del circuito y los retos que afronta la danza en el territorio español.

Los grupos focales constituyen una herramienta de análisis cualitativo que La Red viene incorporando a sus procesos de evaluación para recoger experiencias, opiniones y propuestas de programadores, compañías, distribuidores, responsables institucionales y otros profesionales implicados en el desarrollo de Danza a Escena. Las conclusiones extraídas de estas sesiones contribuyen a la revisión de los criterios de selección, los modelos de funcionamiento y las estrategias de crecimiento del programa.

Durante el encuentro celebrado en Cádiz se abordaron cuestiones clave para el sector, entre ellas la circulación de las compañías por el territorio, la relación entre programadores y creadores, la captación y fidelización de públicos, la diversidad de lenguajes y formatos presentes en el catálogo, así como el impacto económico y cultural del circuito en las distintas comunidades autónomas.

Participaron en este focus group Elena Carmona, del Teatro Central de Sevilla, Pau Estrem, de la plataforma profesional CataLANDance; Tatiana Clavel, directora artística del espacio La Mutant, en Valencia; Lucía de Franchi, distribuidora, y las coreógrafas y bailarinas Luna Sánchez, Ana F. Melero y Lucía Vázquez, cuyas compañías han formado parte en ediciones anteriores del circuito Danza a Escena.

Danza a Escena nació en 2010 con el propósito de incrementar la presencia de la danza en los espacios escénicos públicos, favorecer la movilidad de las compañías profesionales y acercar las artes del movimiento a nuevos públicos. Actualmente está promovido por la Dirección General de Artes Escénicas y Música (DGAEM) y gestionado por La Red junto a sus espacios asociados.

La relevancia de este proceso de evaluación cobra especial importancia en la edición de 2026, en la que participan 28 compañías y se desarrollan más de un centenar de funciones por todo el país. En este contexto, la celebración del primer focus group en Cádiz supone un paso significativo para fortalecer el diálogo entre los distintos agentes del sector y contribuir a la evolución de uno de los principales circuitos estatales de exhibición de danza.

La Concejalía de Igualdad del Ayuntamiento de Torrejón de Ardoz, en colaboración con la Asociación de Directoras y Directores de Escena de España y con el apoyo del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), ha convocado el XXIX Certamen Nacional de Teatro para Directoras de Escena Ciudad de Torrejón de Ardoz, una iniciativa consolidada que busca impulsar la presencia y el reconocimiento de las mujeres en la dirección teatral.

El certamen tiene como objetivo promover y favorecer la realización de espectáculos teatrales cuya puesta en escena esté dirigida por mujeres, contribuyendo así a la igualdad de oportunidades en el ámbito de las artes escénicas.

La convocatoria está dirigida a personas físicas, jurídicas, grupos o compañías españolas de teatro profesional que cuenten en su repertorio con proyectos escénicos dirigidos por una directora residente en territorio español.

Las compañías interesadas deberán presentar en una primera fase una solicitud normalizada, junto con diversa documentación, entre la que se incluye un enlace al vídeo completo de la obra, una sinopsis argumental, la biografía de la directora, la ficha técnica y artística y un resumen de las necesidades técnicas y de montaje.

El plazo de presentación de solicitudes permanecerá abierto hasta el próximo 16 de junio de 2026.

Tras la evaluación de las propuestas por parte del Comité de Selección, las obras finalistas deberán aportar una segunda serie de documentos acreditativos relacionados con la constitución legal de la compañía, los derechos de autor, la fecha y lugar de estreno de la obra y las declaraciones responsables exigidas por la normativa vigente.

Las solicitudes podrán presentarse de forma presencial, a través de la sede electrónica municipal, mediante el sistema SIR GEISER-ORVE o por cualquiera de los medios contemplados en la Ley 39/2015 del Procedimiento Administrativo Común de las Administraciones Públicas.

Con casi tres décadas de trayectoria, este certamen se ha convertido en una referencia nacional para la promoción del talento femenino en la dirección escénica, consolidando el compromiso de Torrejón de Ardoz con la igualdad y el desarrollo cultural.

El Teatro Victoria de Blanca ha lanzado la segunda edición de su programa de residencias artísticas MAE Teatro Victoria, una iniciativa destinada a apoyar la creación de nuevos espectáculos de artes escénicas dirigidos al público infantil y juvenil durante el año 2026.

La convocatoria está dirigida a creadores y compañías profesionales que desarrollen proyectos orientados a la infancia y la juventud, con especial atención a aquellas entidades que tengan su sede en la Región de Murcia. El objetivo del programa es impulsar la creación artística, fortalecer el tejido profesional del sector y facilitar espacios y recursos adecuados para el desarrollo de procesos de investigación y producción escénica.

La residencia seleccionada contará con la cesión de las instalaciones del Teatro Victoria durante un periodo máximo de un mes, previsto para septiembre de 2026. Además, el teatro ofrecerá apoyo técnico en iluminación y sonido siempre que la programación del espacio lo permita. En caso de necesidad, el Ayuntamiento de Blanca podrá facilitar alojamiento a los integrantes de la compañía seleccionada.

El programa no contempla una dotación económica directa, por lo que los gastos derivados de la producción, contratación de artistas y obligaciones fiscales y laborales correrán a cargo de la compañía residente.

Más allá de la creación artística, la convocatoria apuesta por la mediación cultural y la generación de nuevos públicos. Por ello, la compañía seleccionada deberá desarrollar actividades con alumnado de los centros educativos del municipio, realizar una apertura pública de su proceso creativo al finalizar la residencia y ofrecer una representación gratuita del espectáculo dentro del último trimestre de 2026.

La selección se realizará mediante concurrencia competitiva y solo se elegirá un proyecto. Entre los criterios de valoración figuran la calidad e innovación de la propuesta, la trayectoria de la compañía y el valor de las actividades de mediación planteadas. El jurado estará integrado por representantes de la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia, ASSITEJ, TEVEO, el Ayuntamiento de Blanca y el propio Teatro Victoria.

Las solicitudes podrán presentarse durante los 15 días hábiles posteriores a la publicación oficial de la convocatoria en el tablón de edictos del Ayuntamiento de Blanca. Las compañías deberán aportar información sobre su trayectoria, la propuesta artística, las actividades de mediación previstas, las necesidades técnicas del proyecto y los datos de las personas participantes.

Con esta iniciativa, el Teatro Victoria consolida su apuesta por la creación contemporánea para la infancia y la juventud, promoviendo espacios de trabajo, encuentro y experimentación artística que contribuyan al desarrollo cultural del territorio.

El plazo de presentación de proyectos está abierto hasta el 17 de junio. La inscripción deberá realizarse a través de una instancia dirigida al Ayuntamiento de Blanca, Teatro Victoria, en el Registro general de este Ayuntamiento adjuntando la documentación que se relaciona a continuación:

–Datos de la compañía y de su representante.

–Trayectoria de la compañía.

–Propuesta artística de residencia incluyendo objetivos y propuesta de trabajo, descripción resumen de la temática de trabajo y síntesis de la propuesta artística destacando los aspectos innovadores de la misma.

–Propuesta de actividades de mediación en el entorno a realizar por la compañía.

–Número de personas participantes en el proyecto y datos de las mismas.

–Necesidades de espacios y técnicas para su desarrollo.

En un máximo de un mes, a partir de la finalización del plazo de inscripción, se comunicará a las compañías seleccionadas el resultado del concurso.

Entre los grandes triunfadores de la noche destacaron los espectáculos “1936” y “La tercera fuga” y la compañía de danza La Venidera, mientras que el Centro Dramático Nacional (CDN) y el Teatre Nacional de Catalunya (TNC) concentraron buena parte de los reconocimientos teatrales.

En la categoría de teatro, “La tercera fuga” llegaba como una de las favoritas gracias a sus cinco nominaciones. La producción del TNC terminó obteniendo tres premios: mejor elenco teatral, mejor autoría para Victoria Szpunberg y Albert Pijuan, y mejor actor protagonista para Ton Vieira.

El Max a mejor espectáculo teatral fue para “1936”, una ambiciosa producción estrenada en 2024 que regresó a la competición tras su recorrido por distintos escenarios.

La danza tuvo como principal protagonista a La Venidera. La compañía dirigida por Irene Tena y Albert Hernández conquistó tres de los premios más relevantes con su espectáculo “No” –que forma parte de la programación del circuito Danza a Escena 2026–, reconocido como mejor espectáculo de danza, mejor coreografía y mejor interpretación femenina para Tena. Por su parte, “Faula”, creación de Roser López Espinosa, obtuvo el premio al mejor elenco de danza.

El TNC y el CDN se repartieron cinco premios cada uno. Entre los reconocimientos destacados figuró el de mejor dirección de escena para Lucía Carballal por “Los nuestros”, mientras que Mona Martínez se impuso en la categoría de mejor actriz protagonista. El CDN también fue premiado por “Orlando”, que recibió los galardones a mejor diseño de vestuario y mejor espacio escénico y videoescena.

Entre los restantes galardones sobresalió “Hacia ecos de lo sagrado”, de Nao de Amores, que se alzó con el premio a mejor espectáculo musical o lírico. “Fuenteovejuna”, otra de las producciones favoritas, obtuvo el reconocimiento a la mejor composición musical, mientras que Pedro Yagüe fue premiado por el diseño de iluminación de “Blaubeeren”.

La gala estuvo dirigida por la coreógrafa extremeña Cristina D. Silveira.

En el apartado de reconocimientos especiales, la bailaora y coreógrafa Sara Baras recibió el Premio Aplauso, mientras que el Premio Max de Honor fue concedido al productor Jesús Cimarro, director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

Principales ganadores de los Premios Max

Mejor espectáculo de teatro: 1936

Mejor dirección de escena: Lucía Carballal

Mejor espectáculo de danza: No

Mejor coreografía: No

Mejor autoría teatral: Victoria Szpunberg y Albert Pijuan

Mejor espectáculo revelación: Zorra dorada

Mejor espectáculo de calle: Gota

Mejor espectáculo infantil, juvenil o familiar: La maestra

Mejor espectáculo musical o lírico: Hacia ecos de lo sagrado

Mejor composición musical: Fuenteovejuna

Mejor elenco de teatro: La tercera fuga

Mejor actor protagonista: Ton Vieira

Mejor actriz protagonista: Mona Martínez

Mejor elenco de danza: Faula

Mejor intérprete femenina de danza: Irene Tena

Mejor intérprete masculino de danza: Juan Berlanga

Premio especial Aplauso: Sara Baras

Premio Max de Honor: Jesús Cimarro.

El Festival Circada celebrará su 19ª edición entre el 28 de mayo y el 25 de junio con más de 40 funciones repartidas entre Sevilla y otros seis municipios de Sevilla y Córdoba. Bajo el lema “la utopía de las cosas pequeñas”, el certamen volverá a convertir el circo contemporáneo en protagonista de calles, teatros y espacios públicos, con una programación que combinará espectáculos, formación y encuentros profesionales.

La edición arrancará el 28 de mayo en El Viso del Alcor y finalizará el 25 de junio en Montoro, aunque el grueso de la programación se desarrollará en Sevilla capital del 4 al 21 de junio. Según Gonzalo Andino, fundador y director del festival, esta edición pone el foco en “la capacidad del circo y la cultura para transformar la ciudad, generar convivencia y reivindicar el espacio público como lugar de encuentro”.

Circada ofrecerá este año más de veinte espectáculos diferentes entre propuestas de calle y sala, además de dos galas en el Teatro Alameda, showcases de proyectos en creación, actividades formativas, encuentros profesionales y acciones sociales. A ello se suman otras dieciséis funciones en municipios como La Rinconada, Utrera, Mairena del Alcor, Lebrija y Montoro.

Uno de los momentos destacados llegará con Panorama Circada, del 4 al 7 de junio, un espacio concebido como plataforma para compañías emergentes y nuevos lenguajes del circo contemporáneo. Durante esos días se celebrarán 22 funciones, cinco showcases y la tradicional Gran Gala Circada en el Teatro Alameda, que este año contará con una mayor presencia internacional y un homenaje al veterano artista Tinga Tinga.

La programación reunirá compañías nacionales e internacionales como Lolo Fdez, Labsurda, La Buffa, Retina, El Cruce, Colectivo Bislacco o Foehn, además de propuestas en proceso de creación impulsadas por el propio festival mediante coproducciones y residencias artísticas.

La Sección Oficial arrancará el 11 de junio con espectáculos consolidados y estrenos recientes. Entre las propuestas más esperadas figuran “Der Lauf”, de la compañía belga Les Vélocimanes, “Kairós”, de la francesa Fika, o los nuevos trabajos de Jean Philippe Kikolas, Bucraá Circus y Zumbido Coletivo.

El tramo final del festival incluirá funciones en el Centro TNT y en Artillería, donde actuarán compañías como Escarlata Circus, Euonia Kolektiva y Xampatito Pato, combinando humor, acrobacias, teatro físico y propuestas inmersivas.

Circada mantendrá además su dimensión social y pedagógica con la participación de escuelas de circo de Sevilla, proyectos educativos en centros escolares y una nueva colaboración con la ONG Solidarios para el Desarrollo, que llevará un cabaret circense al Centro Penitenciario Sevilla I.

Imagen: Eunoia Kolektiva

El Consejo de Ministros ha aprobado la declaración de la 50ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro como Acontecimiento de Excepcional Interés Público, una distinción contemplada en el Real Decreto-ley 8/2025, de 8 de julio. La iniciativa, promovida por los ministerios de Cultura y Hacienda, reconoce la relevancia cultural, patrimonial y social del certamen coincidiendo con la celebración de su medio siglo de historia.

Desde su creación en 1978, el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro se ha consolidado como el principal referente internacional del teatro del Siglo de Oro español. Cada mes de julio, la localidad manchega se convierte en epicentro de las artes escénicas gracias a una programación que reúne más de medio centenar de espectáculos distribuidos en más de veinte espacios, entre ellos el emblemático Corral de Comedias.

El festival congrega anualmente a más de 70.000 espectadores y a compañías llegadas de distintos países, reforzando la proyección internacional de Almagro como capital mundial del teatro clásico. La declaración aprobada por el Ejecutivo subraya, además, el impacto económico y social que el evento genera tanto en Castilla-La Mancha como en el conjunto del país.

La conmemoración del 50º aniversario supone una fecha especialmente significativa para el patrimonio escénico español y permitirá impulsar un programa conmemorativo de mayor alcance gracias al respaldo institucional y fiscal del Estado.

Con esta consideración, el Festival podrá acogerse a los máximos incentivos fiscales previstos por la legislación española para este tipo de acontecimientos. Empresas, entidades y particulares que colaboren mediante patrocinios, donaciones u otras aportaciones podrán beneficiarse de importantes deducciones fiscales en el Impuesto sobre Sociedades y en el IRPF.

La directora del Festival, Irene Pardo, ha valorado la decisión como “una noticia extraordinaria” que reconoce la trayectoria cultural del certamen y, al mismo tiempo, facilita la incorporación de nuevos apoyos privados para continuar impulsando la creación artística, la conservación del patrimonio escénico y el acceso de la ciudadanía a la cultura.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro cuenta con el impulso y la colaboración de distintas instituciones, entre ellas el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, la Universidad de Castilla-La Mancha y la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Está en marcha desde el pasado mes de marzo la 5ª edición del Circuito Ornitorrinco, un proyecto de mediación cultural de La Red que tiene como objetivo expandir y fortalecer las prácticas de mediación en las entidades escénicas asociadas compartiendo conocimientos, herramientas y modelos de proyectos entre todos los espacios asociados. 

El Proyecto Ornitorrinco nació en 2020 de un diagnóstico compartido: la falta de recursos y de imaginarios en torno a la mediación artística en los espacios escénicos, la escasa capacitación de equipos y la necesidad de herramientas jurídicas y metodológicas específicas.

A partir de 2025, el proyecto pasó a convertirse en un circuito y los proyectos seleccionados cuentan con asesoramiento, acompañamiento y formación, con apoyo económico en forma de pago de honorarios a los/as profesionales de la mediación que participan en los proyectos elegidos por convocatoria.

El objetivo de estos acompañamientos es que los procesos se adapten a las realidades de cada territorio, evitando recetas únicas y fomentando la participación activa de la ciudadanía.

El proyecto se desarrolla en alianza con Pedagogías Invisibles y Almazuela, entidades con amplia experiencia en educación artística y mediación, y cuenta con la cofinanciación de la Fundación Daniel y Nina Carasso

En esta edición participan diez entidades escénicas:

– El Teatre Lliure desarrolla en el marco de Ornitorrinco el proyecto “Ánima Lliure”, que consiste en adaptar al contexto de Barcelona una metodología de trabajo desarrollada por colectivos artísticos centrada en intervenciones en espacios de personas mayores y personas en situación de vulnerabilidad social.

La implementación piloto tendrá lugar en junio y contempla el trabajo con un centro de día y un recurso residencial para personas sin hogar. Actualmente el acompañamiento se centra en tres líneas:

-El desarrollo de materiales y estrategias de comunicación.
-El diseño de un marco básico de evaluación con indicadores
-La elaboración de un kit metodológico que permita la transferibilidad del proyecto a otros contextos y espacios culturales.

– El Laboratorio de las Artes de Valladolid-LAVA participa con el proyecto “El Suelo es LAVA”, que tiene como finalidad articular y consolidar una red de vínculos estables entre el LAVA y los barrios colindantes (Cuatro de Marzo, La Farola y La Rubia), utilizando como eje central la programación de Artes Escénicas contemporáneas del centro.

–  “Atlántico Negro” es el nombre del proyecto que desarrolla el Ajuntament de Girona, un ciclo interdisciplinar que propone una revisión crítica y sensible sobre las huellas afrodescendientes en tres grandes tradiciones musicales y escénicas: flamenco, fado y tango.

– El Ayuntamiento de El Genovés (Valéncia) desarrolla un proyecto de creación colectiva en escena denominado “Poéticas de la diversidad”, una pieza escénica contemporánea que surge de un proceso de creación colectiva con jóvenes del territorio. Esta creación parte de relatos personales que se transforman en material poético y dramatúrgico.

– El Teatro Barakaldo Antzokia participa en el circuito con “Singulares”, un proyecto de mediación cultural que reúne alumnado, profesorado y artistas en una experiencia de creación, con la participación de las compañías Alodeyá Circo y Marie de Jongh.

– La diputación de Málaga se suma al circuito Ornitorrinco con el único acompañamiento con contin uidad plurianual; actualmente se encuentra en su tercer año consecutivo. El trabajo gira en torno al proyecto “Territorio Incandescente”.

Durante este año se trabajará con grupos mixtos en lugar de grupos exclusivamente de mujeres. Actualmente se está realizando un proceso de adaptación y transferencia de aprendizajes acumulados en años anteriores hacia este nuevo contexto de intervención.

– El Área de Artes Escénicas del Ayuntamiento de Murcia cuenta desde 2023 con un programa de educación, mediación y participación denominado “Pensamiento a escena”, que en esta ocasión formará parte del Circuito Ornitorrinco. “Pensamiento a escena” es un ciclo de conversatorios en torno a propuestas artísticas que plantean debates sobre temas de calado social como la inmigración, la identidad femenina, la memoria histórica…

– El Ayuntamiento de San Fernando de Henares participa en el circuito con un proyecto dirigido a personas con discapacidad intelectual y psicosocial y a personas mayores con deterioro cognitivo. A través de sesiones de mediación artística y de un trabajo colectivo, se busca que estas personas exploren el espacio escénico de referencia en la ciudad, el Teatro Federico García Lorca, construyan nuevas formas de relacionarse con él y elaboren una guía y un vídeo que reflejen una visión más inclusiva y accesible de la cultura.

– El Teatre des Born (Ciutadella de Menorca) forma parte del circuito con su línea de trabajo “Teatre a les Escoles”, un programa estable de mediación artística que introduce la práctica teatral en los centros educativos y utiliza el teatro para mejorar la convivencia y la resolución de conflictos en el entorno escolar.

Además, las sesiones han derivado hacia una línea de trabajo considerada muy relevante por ambas partes: la soledad no deseada en personas mayores dentro del contexto demográfico y turístico de Menorca. El equipo ha detectado esta problemática a través de trabajadoras sociales y experiencias previas no sistematizadas.

A través de Ornitorrinco se trabajará en organizar metodológicamente estas intervenciones, definir el papel de la institución cultural frente a problemáticas sociales y diseñar estrategias de acompañamiento y compromiso comunitario desde el teatro

– El Consorcio Cultural de Albacete desarrolla en el marco de “Ornitorrinco” un programa de mediación concebido como una estrategia orientada a incorporar público joven a los equipamientos escénicos de las localidades de Caudete, Tarazona de la Mancha y Almansa bajo la denominación de “Azogue”.

El próximo 30 de junio, Tarragona acogerá una nueva edición del Festival Ressonàncies, una iniciativa que apuesta por las artes escénicas y la mediación artística como herramientas de transformación educativa y social. La jornada reunirá a docentes, equipos educativos, mediadoras culturales, artistas y profesionales de los ámbitos de la cultura y la educación en un espacio pensado para el intercambio, la reflexión y la experimentación colectiva.

La programación incluirá laboratorios prácticos adaptados a las diferentes etapas educativas —infantil, primaria y secundaria—, además de espacios de creación compartida y charlas con profesionales nacionales e internacionales que actualmente trabajan en nuevas formas de relación entre educación, cultura y participación ciudadana.

El festival combinará práctica artística, pensamiento pedagógico e intercambio de experiencias con el objetivo de conectar centros educativos, equipamientos culturales y agentes del territorio. La propuesta quiere ofrecer herramientas, metodologías y referencias para incorporar las artes en vivo en los contextos educativos desde una mirada contemporánea y vinculada a las prácticas culturales actuales.

Más allá de su dimensión formativa, Ressonàncies aspira a convertirse en un espacio vivo de encuentro entre personas que entienden la cultura y la educación como ámbitos de aprendizaje compartido y transformación social. En este sentido, la programación también abrirá actividades dirigidas a la ciudadanía, con dos laboratorios para público familiar y un espectáculo participativo infantil en el espacio público que pondrá el broche final al festival.

Las inscripciones se abrirán el próximo lunes 1 de junio y la jornada contará con reconocimiento oficial para docentes a través del Centre de Recursos Pedagógics del Tarragonès del Deaprtamento de Educación de la Generalitat de Catalunya. La organización anunciará próximamente la programación completa y los distintos itinerarios de participación.

El Festival Ressonàncies está impulsado por DC2 Cultura y Tarragona Cultura – Ajuntament de Tarragona, con el apoyo de la Direcció General de Drets Culturals, Creació i Biblioteques y la Diputació de Tarragona, además de la colaboración de Fundación Carasso y la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá.

La cuarta edición de los Premios Talía, organizados por la Academia de las Artes Escénicas de España, dejó como grandes vencedores al musical "Los Miserables" y al montaje de danza "Calentamiento", creado por Rocío Molina. Ambos espectáculos destacaron en una gala celebrada en los Teatros del Canal de Madrid.

"Los Miserables" consiguió pleno de premios al imponerse en las cuatro categorías en las que competía: mejor espectáculo de teatro musical, mejor actor y actriz de musical para Adrián Salzedo y Teresa Ferrer, respectivamente, y mejor dirección musical para Enric García. En cambio, "Wicked", que también aspiraba a cuatro galardones, no obtuvo ningún reconocimiento.

Por su parte, "Calentamiento" acumuló tres estatuillas consecutivas: mejor espectáculo de danza, mejor coreografía y mejor intérprete femenina de danza para Rocío Molina. La bailaora únicamente pudo recoger uno de los premios, ya que el resto del tiempo estuvo atendiendo a los medios de comunicación.

En teatro de texto, "Esencia", protagonizada por Juan Echanove y Joaquín Climent, se llevó el premio al mejor espectáculo. El galardón a la mejor dirección fue para Juan Carlos Rubio por "Música para Hitler", obra inspirada en la vida de Pau Casals durante la ocupación nazi en Francia. Durante su intervención, el director aprovechó para lanzar un mensaje en defensa de “la libertad y la paz” frente a “la barbarie”.

Entre las interpretaciones más reconocidas de la noche estuvieron Nathalie Poza, premiada como mejor actriz protagonista por "Un tranvía llamado deseo", y Ángel Ruiz, distinguido como mejor actor por "El rey de la farándula". También recibieron premios de reparto Luis Bermejo por "Los yugoslavos" y Mamen García por "Caperucita en Manhattan".

La gala estuvo conducida por Carmen Conesa y el mago Jorge Blass.

La presidenta de la Academia de las Artes Escénicas, Magüi Mira, defendió durante su discurso la importancia de la cultura y el diálogo en democracia, y solicitó a las administraciones públicas que mantengan su respaldo a las artes escénicas.

El instante más emotivo de la ceremonia se produjo con la entrega del Premio Talía de Honor a María Galiana. La actriz recibió una larga ovación del público y, emocionada, aseguró que seguirá disfrutando de la profesión “el tiempo que le quede de vida”.

En el apartado lírico, Ruth Iniesta obtuvo el premio a mejor intérprete femenina por "La Traviata", mientras que Xabier Anduaga fue reconocido por "La Sonnambula". Además, la categoría de mejor iluminación dejó un histórico empate entre Pilar Valdevira por "Fuenteovejuna" y Juanjo Llorens por "Godspell".

El director general de Artes Escénicas y Música, Javier Monsalve, y, en representación de La Red, Paco Flor y Mª Ángeles García –ambos integrantes de la Junta Directiva–, presentaron el pasado 15 de mayo en Trapezi-Fira del Circ de Catalunya la firma del nuevo convenio de colaboración entre ambas entidades, publicado en el BOE el día anterior, por el que se asegura la continuidad del circuito Circo a Escena hasta el año 2029.

Gracias a este convenio, el circuito consolida su compromiso con la exhibición, la formación y la profesionalización de las artes circenses. Desde su puesta en marcha en 2021, Circo a Escena ha reunido 116 espectáculos y 342 funciones en sus cinco primeras ediciones, contribuyendo a incrementar la presencia del circo en teatros y auditorios públicos, favorecer la desestacionalización de las programaciones y acercar nuevos públicos a través de actividades de mediación cultural.

El nuevo marco de colaboración permitirá además impulsar acciones formativas específicas dirigidas tanto a profesionales del circo como a equipos técnicos de espacios escénicos públicos.

Entre ellas destaca la celebración, en la próxima edición de la Escuela de Verano de Almagro, del curso “Acogida técnica de espectáculos de circo en sala”, organizado junto a la Escuela Superior de Técnicas de las Artes del Espectáculo-ESTAE para profundizar en las necesidades técnicas y artísticas de las distintas disciplinas circenses.

Paco Flor, miembro de la Junta Directiva de La Red, quiso recordar al público profesional presente que “este convenio no sólo garantiza continuidad administrativa: permite trabajar con tiempo, consolidar programaciones, generar nuevos proyectos, desestacionalizar las exhibiciones y seguir expandiendo el circo y su profesionalización en todo el territorio”.

La renovación del acuerdo coincide con la puesta en marcha de la sexta edición de Circo a Escena, que entre el 6 de junio y el 30 de noviembre de 2026 llevará las propuestas de 17 compañías a otros tanto municipios repartidos en once comunidades autónomas: País Vasco, Andalucía, Comunidad Valenciana, Canarias, Región de Murcia, Galicia, Castilla y León, Comunidad de Madrid, Castilla-La Mancha, Extremadura y Cataluña.

El programa Circo a Escena, impulsado por el Ministerio de Cultura, a través de la Dirección General de Artes Escénicas y Música (DGAEM), y que coordina La Red Española de Teatros, incluye en esta edición un total de 64 funciones que se representarán en espacios de calle y en sala, con propuestas de clown, trapecio, equilibrios y circo contemporáneo.

En la presentación en Trapezi participaron también Sara García, coordinadora del circuito Circo a Escena, y Elvira Gutiérrez, directora gerente de La Red; además, estuvieron en el evento Marisol García, directora del Festival Temudas e integrante de la Comisión de Circo de La Red, y Oriol Nicolau, director gerente del Institut Municipal Reus Cultura; Cristina Cazorla y Alba Sarraute, directoras artísticas de Trapezi, y, por parte de CircoRed –entidad que ha colaborado con La Red para el diseño del circuito–, Rosa Colell, coordinadora, y Paula Gutiérrez, vicepresidenta.

El Departamento de Cultura y Educación del Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz ha abierto el plazo para la presentación de proyectos a la Convocatoria de apoyo a la creación escénica local 2026, dirigida a compañías profesionales de artes escénicas de Álava.

La iniciativa, aprobada por resolución de la Concejala Delegada de Cultura y Educación el pasado 16 de marzo de 2026, se impulsa un año más a través de la Red Municipal de Teatros con el objetivo de fomentar la producción escénica local y apoyar el trabajo de las compañías del territorio.

El plazo de presentación de propuestas permanecerá abierto hasta el próximo 9 de junio.

Podrán optar a esta convocatoria los grupos de teatro que tengan su domicilio fiscal en la provincia de Álava.

El presupuesto total destinado a esta línea de ayudas asciende a 30.000 euros.

La convocatoria prevé la selección de entre dos y tres proyectos, que formarán parte de la programación de la Red Municipal de Teatros entre el otoño de 2026 y el 31 de diciembre de 2027.

Las producciones seleccionadas recibirán una financiación de entre 7.500 y 15.000 euros, IVA incluido. Además, la representación de las obras dentro de la programación municipal contará con una remuneración adicional, con un caché máximo de 4.900 euros más IVA

+ Información 

El Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle–TAC volverá a llenar Valladolid de propuestas escénicas en espacios públicos partir del 20 de mayo.

El festival reunirá a 44 compañías procedentes de seis países, que ofrecerán un total de 194 representaciones durante cinco jornadas. La programación combina diferentes formatos y lenguajes escénicos para llegar a públicos muy diversos.

Una de las principales novedades será la ampliación de escenarios urbanos, ya que el TAC llegará este año a 45 espacios distintos de Valladolid, la mayor expansión territorial de toda su trayectoria.

La edición de este año gira en torno al lema “Si estás, es TAC”, un juego de palabras con el que el festival busca implicar a todos los agentes vinculados a las artes de calle, desde creadores y compañías hasta distribuidores y espectadores.

La programación abordará cuestiones como la soledad contemporánea e incluirá teatro, danza, circo contemporáneo, música, instalaciones, performances y montajes “site-specific”.

Entre las novedades artísticas figuran cuatro estrenos absolutos: “Proyecto NORA”, de XYK Singers; “Verano del 69... El guateque que nunca fue”, de Trío Caracol; “Chakal”, de Elías Aguirre; y “Ultimátum”, de Led Silhouette (en la imagen). Además, el TAC acogerá varios estrenos nacionales de compañías internacionales como Gratte Ciel, NoFit State, Vanhulle Dance Theatre o Cie Krak.

El festival contará con una amplia representación internacional, con compañías llegadas de Francia, Bélgica, Irlanda, Países Bajos o Reino Unido. Entre ellas destacan Gratte Ciel con “Tawa”, Rhizome – Chloé Moglia con “Rouge merveille”, Tall Tales Company con “Droplines” o Jazzville Productions con “El animal más peligroso del mundo”.

La presencia española estará repartida entre once comunidades autónomas y Valladolid aportará cuatro compañías locales, entre ellas XYK Singers y Trío Caracol, cuyos montajes nacen del programa de apoyo a la creación TAC/LAVA.

Otra de las novedades será la participación del TAC y del LAVA en Nouvelle Vague, un proyecto europeo impulsado por Francia y Suiza para respaldar a nuevos talentos de las artes de calle, una iniciativa que supone un paso importante en la internacionalización del apoyo a la creación desde Valladolid.

Asimismo, siete funciones de los espectáculos “Impromptus”, de La Bande À Tyrex, y “U.F.A.”, de Cris Clown, tendrán ubicaciones secretas que solo se desvelarán a través de las redes sociales y la aplicación oficial del festival.

El TAC estrenará además el concurso de crítica “Miradas TAC. Palabras para una mirada”, dividido en tres categorías por edades. Los participantes deberán enviar sus textos por correo electrónico y los ganadores recibirán abonos para la programación del LAVA.

El premio “Comediante de Honor” del TAC recaerá este año en el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco, en homenaje a los veinte años de colaboración mantenida con el festival. Gracias a esta relación, cerca de medio centenar de compañías vascas han participado en el TAC desde 2006.

Cádiz volverá a convertirse en un escenario abierto al movimiento. La ciudad acogerá del 6 al 13 de junio la 24ª edición del Festival Internacional Cádiz en Danza, que reunirá a 38 compañías internacionales y ofrecerá más de 60 actividades entre espectáculos, formación y espacios de reflexión.

El Gran Teatro Falla volverá a ser uno de los epicentros del festival, acogiendo la inauguración a cargo de la reconocida compañía catalana Mal Pelo con “WE” (en la imagen de cabecera), una propuesta coral que reúne a intérpretes de distintas generaciones en torno a un lenguaje poético y físico de gran intensidad.

El cierre del festival correrá a cargo de la bailaora y coreógrafa malagueña Rocío Molina, una de las figuras clave del flamenco contemporáneo, que presenta “Calentamiento”, una pieza que dialoga con la escena desde la investigación y la ruptura de los códigos tradicionales.

Este año en la escena del Gran Teatro Falla se sumará la propuesta “Danzas Románticas” de Montdedutor (Cataluña), un ballet inmersivo inspirado en escenas de los principales ballets del Romanticismo: Giselle, Coppelia, La Sylphide, Raymonda y Scherezade.

Teatro del Títere
El Teatro del Títere se suma en esta ocasión al Festival con los nuevos trabajos de La Venidera (Madrid) presentando “No”; LosInformalls (Cataluña) y su “Perdón”; Olalla Hernández (Andalucía) con “Solo querían bailar”, una adaptación del libro de Greta García, que se presenta como colaboración con la Feria del Libro de Cádiz; Silvia Gribaudi (Italia) que ofrecerá “R.OSA” y Nuria Guiu (Cataluña) con el preestreno nacional de “Pov”, cuyo estreno será en el Grec Festival de Barcelona. Se suma al programa el proyecto escénico “To be show”, de Alberto Lucena (Andalucía) en la Sala Central Lechera.

Entre los nombres que ocuparán los espacios escénicos no convencionales está la andaluza Rosa Romero con un proyecto open studio para acercarnos a su nueva producción, “El Entusiasmo”, en el Centro Flamenco La Merced.

Danza “en lugares insospechados”
Entre los edificios públicos escogidos como escenarios del festival, un año más el selecto marco del Foyer del Gran Teatro Falla acogerá las citas más internacionales del festival, con las italianas Duo Nux–Alice Beatrice Carrino y Oups Dance Company, la eslovena Patricia Crkovic & Tjasa Buscik y la francesa Empty Rooms, antes de su paso por la Casa de Iberoamérica. El ECCO recibirá a Humanhood (Cataluña) y su “Multiverso” y a Maurizio Pérez Fayos (Valencia) con sus “Danzas Vir(Tu)Ales”.

Y en los rincones de la ciudad la danza brotará alcanzando cada extremo. Por el espacio Entre Catedrales pasarán durante el festival Colectivo Glovo (Galicia), Raquel Ferradás & María De Vicente (Galicia), The Concept (Cataluña), Angel Durán (Cataluña) y Los que Faltaban, la Compañía Joven de 180 (Madrid).

En la Plaza de San Antonio se podrá ver a La Cerda (Cataluña) y Elvi Balboa (Galicia). La Alameda Apodaca acogerá los espectáculos “El mundo atrás” de Rolando Salomé (Madrid) y “Otro dúo” de la Cía Laura Morales (Andalucía), que también presentará en el Castillo Santa Catalina la pieza breve “La nueva bestia”.

En el Patio de Levante de la Catedral, como nuevo emplazamiento para la danza, se mostrarán los proyectos de los gallegos Fran Sieira, Andrea Castro y Julia Laport. El Paseo de Santa Bárbara será el espacio para ver las piezas de Jack Bennerman (Alemania) y Alejandro Moya (Madrid).

Por su parte, Alexandra García (Andalucía) mostrará su “Orquesografía” en una acción itinerante que parte de la Plaza Fragela y llega hasta la Playa de la Caleta. Precisamente la Playa de la Caleta será también el marco para disfrutar de Electroverdiales (Andalucía).

Cita con la vanguardia
Cádiz en Danza sigue posicionándose por reforzar el tejido del territorio, y por ello un año más apuesta por los profesionales de la ciudad. El Garaje Danza y el alumnado de Contemporánea del Conservatorio Profesional de Danza Maribel Gallardo compartirán su trabajo en la Plaza de la Catedral en la jornada de inauguración del Festival, como ya es tradición.

También Albacalí ofrecerá en la mañana de apertura del festival, como otros años, su taller de danza para familias en el ECCO; aunque se unirá a varios de los colectivos dancísticos de la ciudad para mostrar el trabajo participativo «V Ensayo de Arqueodanza», este año en el Museo Provincial de Cádiz.

Asimismo, una de las actividades volverá a dedicarse a los mayores, de la mano de Albacalí y la Escuela de Danza de la UCA en el Castillo de Santa Catalina.

Festival expandido
Uno de los ejes fundamentales de Cádiz en Danza es su apuesta por la mediación y la formación. El programa formativo estará integrado este año por el taller participativo “Haz bailar al algoritmo”, que parte de la investigación de Mauricio Pérez Fayos “Coreografías Virtuales: TikTok y Movimientos Futuros”, creadas a partir de hojas de cálculo, indicaciones de IA y tecnología como partituras coreográficas.

Por su parte, Luna Sánchez y Ana F. Melero ofrecerán su taller “Piel de Plomo” para explorar la tensión entre lo racional y lo sensitivo, lo controlado y lo vulnerable; y Alessandra García dirigirá su iniciativa performática “Orquesografia”. Y un año más el Festival pondrá en marcha el taller de “Espectadoras Responsables” de la periodista especializada en danza, Mercedes Caballero.

Dos iniciativas se dirigirán a los más jóvenes de la ciudad: Marta Tejada y su “Aburrimiento” se acercará a alumnos de primaria de diferentes centros escolares; y el dúo formado por Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor trazará una variación de su pieza “Danzas Románticas”, convertida en un «ritual plástico» y «fantasmagórico» que explora la relación entre historias, cuerpos, gestos y música descriptiva de ballets románticos con “Antena Fantasma”.

A ello se suman proyectos como la Escuela del Sur, un espacio de acompañamiento a la creación contemporánea con vocación de permanencia; el proyecto internacional de Escuela de Futuros; las Jornadas Profesionales de Danza; los focus group en colaboración con la Universitat Oberta de Cataluña y la Red Nacional de Teatros; las Cápsulas de Apoyo a la Creación en colaboración con la UCA; o el encuentro “La duda metódica” de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales.

Con esta nueva edición, Cádiz en Danza reafirma su identidad como un festival que trasciende la exhibición escénica para convertirse en un espacio de pensamiento, encuentro y transformación, donde la danza se expande más allá del escenario para crear vínculos, dialogar con la ciudadanía y el contexto contemporáneo.

Desde hoy 30 de abril de 2026 está abierta la convocatoria del circuito de Artes Escénicas “España en Libertad | 50 años” dirigida a entidades públicas asociadas a La Red; el plazo se extiende hasta el 29 de mayo a las 14:00, hora peninsular en ambos casos (+ información completa de la convocatoria).

En esta convocatoria, las entidades asociadas podrán presentar su proyecto de programación a partir de los espectáculos incluidos en el catálogo elaborado por la Comisión de Selección del circuito a partir de las propuestas que han presentado las compañías, artistas o distribuidores/as 

Esta comisión de selección ha estado formada por miembros de las comisiones artísticas de teatro, circo y danza de La Red y por tres profesionales designados por el Comisionado de España en Libertad | 50 años.

El catálogo recoge un total de 38 propuestas (puedes verlo aquí completo)

Sobre el circuito de Artes Escénicas “España en Libertad | 50 años”

El Comisionado de España en Libertad | 50 años, un organismo dependiente del Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, y La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuito y Festivales de titularidad pública han puesto en marcha el “Circuito de Artes Escénicas España en Libertad. 50 años” con el objetivo de fomentar en la programación escénica en todo el país la visibilidad de la memoria histórica y de los valores democráticos y de libertad, en el marco del aniversario de la instauración de la democracia en España.
  

El calendario de realización de las funciones que formen parte del circuito será del 1 de septiembre de 2026 al 30 de junio de 2027, ambos incluidos.

Catálogo en formato online:

Fira Terres ha abierto la convocatoria artística para participar en su tercera edición, que se celebrará del 10 al 14 de febrero de 2027 en Granollers, Canovelles y Les Franqueses del Vallès. La feria, dedicada al teatro de sala, se consolida como uno de los principales puntos de encuentro del sector profesional en Catalunya.

La convocatoria, que está abierta hasta el 24 de mayo, se dirige a compañías profesionales con espectáculos para público adulto. En total, se seleccionarán un máximo de 14 montajes, de los cuales 11 corresponderán a compañías catalanas y 3 al resto del Estado. Las propuestas deberán contar con disponibilidad para girar durante 2027 y 2028.

La selección correrá a cargo de una comisión formada por profesionales del sector, que valorará aspectos como la calidad artística, la trayectoria de la compañía, la diversidad de formatos, la viabilidad técnica y económica y el potencial de circulación de los espectáculos.

En su anterior edición, Fira Terres reunió a más de 200 profesionales acreditados, programó 14 espectáculos en seis espacios y facilitó más de 300 encuentros profesionales, reforzando su papel como plataforma para la dinamización de las artes escénicas.

Además de la exhibición de espectáculos, la feria ofrece un programa de actividades profesionales orientadas al intercambio y la generación de oportunidades. Estas incluyen encuentros entre compañías, distribuidoras y programadores, espacios de presentación de proyectos y actividades de networking.

Las compañías interesadas pueden inscribirse a través del formulario disponible en la web de Fira Terres, donde también se pueden consultar las bases. 

+ Consultar bases

+ Acceder al formulario de inscripción

Fira Terres es una iniciativa impulsada por la Associació de Companyies de Teatre Professional de Catalunya (CIATRE) en el marco del Pla d’impuls del teatre de Catalunya 2023-2026, del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, y con la colaboración de la l’Associació de Professionals de la Interpretació i la Direcció de Catalunya (AADPC), la Associació d’Empreses de Teatre de Catalunya (ADETCA), la Associació Professional de Teatre per a Tots els Públics (TTP), el Col·lectiu de Companyies de Teatre Independents de Catalunya, la Plataforma d’Arts de Carrer (PAC) y UNIMA Catalunya; cuenta con la colaboración del Institut Ramon Llull (IRL), el Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CoNCA) y la complicidad de diversos municipios, entidades y equipamientos escénicos de Cataluña.

El Día Internacional de la Danza se celebra todos los 29 de abril desde que fue establecido en 1982 por el Comité Internacional de la Danza del Instituto Internacional del Teatro (ITI), conmemorando el nacimiento en 1727 de Jean-Georges Noverre, bailarín y maestro  considerado el creador del ballet moderno.

Cada año el ITI encarga a una personalidad conocida del mundo de la danza la redacción de un mensaje que se lee en todo el mundo. El objetivo de esta celebración y de ese mensaje es el de unir todas las danzas en este día, para celebrar esta forma de arte y mostrar su universalidad.

El Mensaje del Día Internacional de la Danza 2026 ha sido encomendado a la coreógrafa canadiense Crystal Pite. 

Mensaje del Día Internacional de la Danza

Por Crystal Pite

+ Descargar mensaje en pdf (castellano)

Los seres humanos se mueven —nuestros brazos se extienden, nuestras rodillas se flexionan, nuestras cabezas asienten, el pecho se repliega, la espalda se arquea; saltamos, encogemos los hombros, apretamos los puños, nos levantamos unos a otros y también nos apartamos. Todo esto es lenguaje, tanto como acción. Es lo que el cuerpo tiene que decir sobre la necesidad, la derrota, el coraje, la desesperación, el deseo, la alegría, la ambivalencia, la frustración, el amor. Estas imágenes irrumpen en la mente cargadas de sentido porque las hemos sentido con una pureza radical en el cuerpo —hemos sido conmovidos.

Somos bailarines, todos nosotros. La vida nos mueve; la vida nos danza. Tan efímera como el aliento, tan concreta como el hueso, la danza está hecha de nosotros. Esculpimos el espacio. Escribimos con el cuerpo en un lenguaje sin palabras que, sin embargo, comprendemos profundamente. Al danzar, habitamos con gracia el espacio interior y el que nos rodea.

Como la vida, la danza se crea y se destruye a cada instante. Como el amor, está más allá de la razón.

Me gusta pensar el cuerpo como un lugar; un territorio donde el ser se sostiene y toma forma. Cuando bailamos, estamos profundamente implicados en ese estar.

Escribo esto a comienzos de 2026, en un tiempo en el que la opresión, la convulsión y el sufrimiento parecen no tener fin en nuestro mundo. Cada día, al contemplar el horror de lo que los seres humanos somos capaces de hacernos unos a otros, y la maquinaria de poder que financia y alimenta una violencia indecible contra las personas y el planeta, la danza puede parecer una respuesta fácil, incluso inútil. Cuesta imaginar qué puede hacer un artista de la danza en un mundo que necesita con urgencia una transformación radical y sanación.

Y, sin embargo el arte, como la esperanza, es una forma de amor. Generativo incluso en la desolación, el arte disuelve la mente que se endurece y actúa como un bálsamo que la repara. Es un espacio donde sostenernos mientras nos enfrentamos a las preguntas —juntos— de un modo distinto al de las noticias, distinto al del documental o la educación, distinto al de la opinión y las redes sociales, distinto al del activismo y la protesta, aunque no incompatible con ellos.

A través de la creatividad, vamos acumulando resistencia y esperanza mediante pequeños actos de valentía, curiosidad, cuidado y colaboración. En la danza, y en el acto de crearla, encontramos la prueba de que la humanidad es algo más que su último fracaso colectivo.

Pero la danza no necesita justificación ni explicación. Está hecha de nosotros y, sin embargo, no nos debe nada. Solo necesita un cuerpo dispuesto a habitarla. Desde ese lugar, puede traducir lo inefable, actuando como mediadora entre nosotros y lo desconocido.

Nos conmueven esas huellas fugaces de belleza en el instante presente. Y al encarnar tanto la danza como su desaparición, recordamos nuestra propia impermanencia. Al mismo tiempo, si estamos atentos, la danza puede ofrecernos, de vez en cuando, un destello del alma.

La comisión encargada de evaluar las propuestas recibidas en la convocatoria a compañías del circuito “España en libertad | 50 años” se reunió el 13 y 14 de abril en la oficina de gestión de La Red, en Madrid, para hacer una selección entre las 450 propuestas recibidas y conformar el catálogo definitivo que se presentará en la convocatoria dirigida a entidades públicas de exhibición asociadas a La Red.

El catálogo, compuesto finalmente por 38 espectáculos, se publicará el próximo 30 de abril.

En la convocatoria para artistas y compañías, que se desarrolló entre el 16 y el 31 de marzo– se recibieron nada menos que 449 propuestas.

La Comisión de Selección ha estado compuesta por tres expertas/os designados/as por el Comisionado “España en Libertad. 50 años” y por dos miembros de cada una de las Comisiones Artísticas (Teatro, Circo y Danza) de La Red.

Los/as tres expertos/as designados por el Comisionado “España en Libertad–50 años” han sido:

–Isla Aguilar, asesora de cultura del Comisionado.

–Marion Betriu, directora artística de Terrasa Noves Tendéncies–TNT Festival de Artes Vivas y Nuevos Formatos

–Pablo Caruana, periodista con 25 años de experiencia especializado en escénicas y gestor cultural

Los miembros de las comisiones artísticas de La Red que han integrado esta comisión de selección han sido:

–Por la comisión de Danza: Toni Valesa, del Paranimf de la Universitat Jaume I de Castelló y Xosé Paulo Rodríguez, del Teatro Rosalía Castro de A Coruña
–Por la comisión de Circo: Xaquín López, del Auditorio de Galicia, y Silvia Feixas i Gras, del Teatre La Garriga
–Por la comisión de Teatro: Paco Flor, del Teatro Chapí de Villena, y Laura Llamazares, del Teatre Auditori de Granaollers.

Por parte de la Oficina de Gestión de La Red, han participado en los trabajos de esta comisión de selección Elvira Gutiérrez, directora–gerente, y Sara García, coordinadora del circuito.

El objetivo general del “Circuito de Artes Escénicas España en Libertad. 50 años” es fomentar e incrementar la visibilidad de la memoria histórica y los valores democráticos y de libertad, en el marco del 50 aniversario de España en democracia, en los programas escénicos existentes de todo el territorio español.

El próximo mes de mayo se lanzará la convocatoria para entidades públicas asociadas a La Red; el circuito comenzará su andadura en el segundo semestre de este año 2026.

El Teatro Circo de Albacete es uno de los espacios escénicos que acogerán los 21 espectáculos programados para los próximos días en esta 30ª edición de la Feria de Artes Escénicas y Música de Castilla-La Mancha. Representaciones de teatro, títeres, danza o música que se extenderán al Teatro de la Paz, la Filmoteca y el Centro Cultural José Saramago.

Los 21 espectáculos han sido seleccionados entre más de 400 propuestas recibidas. Más de 380 profesionales de toda España se han inscrito en este encuentro.

En esta edición de 2026, se ha seleccionado a 9 compañías de ámbito regional. Además, cuatro de los espectáculos programados han sido subvencionados con las ayudas a la producción de Castilla-La Mancha.

En la programación de este año se mezclan teatro, danza, música y artes de calle, reflejando la vitalidad y diversidad del panorama escénico actual. Desde la propuesta íntima a los grandes espectáculos, y tanto en sala como en el espacio público, las propuestas respiran diversidad, memoria y una mirada social.

La Agencia Andaluza de Instituciones Culturales ha abierto la convocatoria para la presentación de proyectos de residencias artísticas correspondientes al año 2026. Esta iniciativa está dirigida a profesionales y creadores del ámbito de las artes escénicas y la música, incluyendo disciplinas como danza, teatro, circo y música.

El objetivo principal de estas residencias es apoyar los procesos de investigación, creación y producción artística. Para ello, se ofrecerán espacios adecuados donde desarrollar los proyectos, además de fomentar su difusión a través de actividades de mediación cultural y exhibiciones públicas.

En esta edición se seleccionarán hasta un máximo de veinte proyectos profesionales. Las personas o entidades elegidas deberán, como parte del programa, realizar actividades formativas o de mediación y presentar públicamente el trabajo desarrollado durante la residencia.

La convocatoria está dirigida a artistas, compañías o formaciones profesionales privadas, tanto personas físicas como jurídicas, que tengan domicilio social en Andalucía y capacidad para contratar.

Las residencias se llevarán a cabo en distintos espacios culturales repartidos por la comunidad autónoma: El Estadio, en Sevilla; El Rey Chico, en Granada; el Teatro de la Axerquía, en Córdoba; La Térmica, en Málaga; y La Rábida, en Huelva. En el caso de los proyectos de dramaturgia, estos solo podrán desarrollarse en la sede de La Rábida.

Cada participante podrá solicitar varios espacios por orden de preferencia, aunque finalmente solo se le asignará uno.

El plazo de presentación de solicitudes estará abierto durante diez días hábiles, desde el 9 hasta el 23 de abril. Las solicitudes deberán presentarse preferentemente de forma telemática a través de la Ventanilla Electrónica de la Junta de Andalucía, aunque también se admite su envío por otras vías oficiales, como oficinas de correos o registros administrativos.

Las candidaturas deberán incluir el formulario de solicitud, un proyecto artístico detallado, un calendario de trabajo, el currículum del solicitante y una propuesta de taller formativo de al menos seis horas relacionada con el proceso creativo.

Más detalle sobre la presentación de las solicitudes
Se presentarán preferentemente por vía telemática a través del portal de la Ventanilla Electrónica de la Junta de Andalucía (más información en este enlace)

También podrán presentarse en las oficinas de correos, en la forma que reglamentariamente se establezca, en las representaciones diplomáticas u oficinas consulares de España en el extranjero, en las oficinas de asistencia en materia de registros, de conformidad con lo establecido en el artículo 16.4 de la Ley 39/2015, de 1 de octubre, del Procedimiento Administrativo Común de las Administraciones Públicas.

Para aquellas candidaturas enviadas por correo y en las presentadas en algún registro oficial en formato papel, deberá comunicarse el envío por correo electrónico a residencias.aaiicc@juntadeandalucia.es, adjuntando justificante de la fecha de imposición del envío en las oficinas de correos o la fecha de entrega en otro centro dentro del plazo.

En estos casos, se entregarán, dirigidas a la persona titular de la Gerencia de la Agencia, en un sobre cerrado, junto con el Formulario de Solicitud (Anexo I) firmado, mencionando en el asunto «Convocatoria Programa de Residencia AAIICC».

Las redes y circuitos escénicos del país reunieron en 2025 a más de 2,2 millones de espectadores en las más de 9.300 funciones programadas a lo largo del año. Así lo revela la segunda edición del informe Radiografía de las Redes y Circuitos, impulsado por la Red Española de Teatros en torno a 15 de los 16 circuitos asociados a la entidad.

El estudio, dirigido por el profesor Javier Gómez González, del Departamento de Sociología y Trabajo Social de la Universidad de Valladolid, y coordinado por la Comisión de Redes y Circuitos de La Red, confirma la consolidación de estas estructuras como pilares fundamentales del sistema público de exhibición cultural en España, quince años después del primer informe, que se publicó en 2010.

+ El informe está disponible en la sección Publicaciones

A pesar de las diferencias en tamaño, gestión o presupuesto, las redes y circuitos escénicos han logrado extender su alcance a cerca de 25 millones de habitantes en 1.318 municipios. En total, las 15 redes analizadas —presentes en comunidades como Andalucía, Cataluña, Comunidad de Madrid o Galicia, entre otras— alcanzan un índice de cobertura poblacional del 63,7 %, reforzando su papel como motor cultural en el territorio.

El informe destaca que allí donde existe una red activa, la programación cultural es más estable, diversa y accesible. Este fenómeno, subraya la investigación, no solo amplía el acceso a la cultura, sino que también contribuye a la cohesión social, el desarrollo educativo y la dinamización económica local.

En un país marcado por la descentralización y la diversidad territorial, estas estructuras se configuran como herramientas clave para reducir desigualdades y garantizar una implantación cultural sostenible. Su relevancia es especialmente notable en zonas con menor densidad de población, donde actúan como instrumentos de gobernanza cultural y cooperación institucional.

La innovación emerge también como uno de los retos y oportunidades señalados por el estudio. En este sentido, se aboga por extenderla no solo a los aspectos organizativos, sino también a los contenidos de la oferta cultural, una línea en la que algunos programas ya han comenzado a trabajar.

El informe concluye destacando la capacidad de las redes y circuitos para sostener la vida cultural en los territorios, facilitar la circulación de espectáculos y apoyar al sector profesional. Asimismo, plantea recomendaciones como mantener la financiación, reforzar la cooperación entre administraciones, avanzar en la digitalización y simplificar los procesos administrativos, además de mejorar los sistemas de evaluación e información.

La gestora cultural Esther Monleón será una de las grandes protagonistas de la 12ª edición de los Premios Lorca. La Academia de las Artes Escénicas de Andalucía ha decidido reconocer su trayectoria con el Premio Lorca a la Gestión Cultural y Programación, poniendo en valor más de 25 años de trabajo al frente de la programación teatral de la Diputación de Málaga, entidad asociada a La Red.

Este galardón destaca especialmente su compromiso sostenido con el desarrollo del tejido escénico andaluz. A lo largo de su carrera, Monleón ha impulsado una forma de entender la cultura como espacio de encuentro, reflexión y pensamiento crítico, promoviendo iniciativas que han marcado la vida cultural de la provincia.

Entre los proyectos que ha liderado figuran propuestas como el Festival Cirkorama, el Torneo de Dramaturgia Andaluza o el Ciclo Autor, además de consolidar una programación estable en el Centro Cultural María Victoria Atencia (MVA), centrada en la creación contemporánea. Su labor ha sido clave para acercar las artes escénicas al público y apoyar a creadores andaluces.

La entrega del premio tendrá lugar el próximo 16 de abril en el Teatro Central de Sevilla, en el marco de una gala que reconocerá también a otras figuras destacadas del sector. Entre ellas se encuentran la figurinista Carmen de Giles y el escenógrafo y arquitecto Juan Ruesga, quienes recibirán sendos Premios Lorca de Honor por sus amplias trayectorias en las artes escénicas.

En esta edición, la Academia, que organiza los galardones con la colaboración de la Consejería de Cultura y la Fundación SGAE, concede además otros dos Premio Lorca de Honor a sendas figuras fundamentales de la creación escénica: la figurinista Carmen de Giles, con una trayectoria que abarca más de cuatro décadas y supera los 150 trabajos en disciplinas como teatro, danza, flamenco y grandes eventos, y el escenógrafo y arquitecto Juan Ruesga, figura clave de la escena en Andalucía y que ha participado en proyectos como “Esperpento” o “Teatro del Mediodía”, además de dirigir el Centro Andaluz de Teatro.

El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música–INAEM  ha convocado la segunda edición de las residencias artísticas del Castillo Palacio de Magalia, una iniciativa que este año amplía significativamente su alcance al pasar de siete a un máximo de veinte proyectos seleccionados.

El programa, que se desarrollará entre el 29 de junio y el 4 de octubre en la localidad abulense de Las Navas del Marqués, está dirigido a creadores y compañías de danza, teatro, circo, música y propuestas interdisciplinares. Los participantes contarán con alojamiento gratuito y espacios de trabajo, entre ellos estudio de danza, sala de música, salas de ensayo y gimnasio.

Las residencias tendrán una duración de entre dos y tres semanas consecutivas, sin interrupciones, y el plazo de presentación de solicitudes permanecerá abierto hasta el próximo 26 de abril.

Como parte del programa, los artistas seleccionados deberán ofrecer una actividad abierta al público vinculada a su proceso creativo. Estas muestras, de acceso libre y formato flexible, estarán orientadas a fomentar la relación con el entorno local. Por esta actividad, los participantes recibirán una compensación económica que oscila entre los 3.400 y los 4.100 euros, en función de la duración de la estancia.

Requisitos de participación
Los solicitantes deberán acreditar residencia fiscal y legal en España, disponer de NIF español y ser mayores de edad en el momento de inicio de la residencia. Asimismo, no podrán haber sido beneficiarios de otros programas de residencias o creación del INAEM en 2025 y 2026.

Entre los requisitos también figura haber estrenado al menos dos proyectos artísticos de carácter profesional o haber participado en dos residencias artísticas previas, ya sea en instituciones públicas o privadas.

La convocatoria de 2025 marcó el inicio de esta nueva etapa del espacio de Magalia y registró un notable interés, con un total de 164 propuestas recibidas de toda España. La selección final incluyó siete proyectos, muchos de ellos caracterizados por la hibridación de lenguajes y disciplinas.

Las bases completas de la convocatoria pueden consultarse en la web oficial del programa.

Con Moviments Urbans (movimientos urbanos), el Festival Dansa València llevará la danza contemporánea a distintos puntos de la ciudad mediante cerca de 40 pases en espacios públicos y patrimoniales.

La agenda arrancará el 11 de abril en el Museu de Belles Arts con una doble cita protagonizada por talento valenciano. El coreógrafo Jacob Gómez abrirá el programa con “Quema”, seguido por Cristina Reolid con “Carne de bronce”, dos piezas que exploran el cuerpo y la emoción desde perspectivas contemporáneas.

Ese mismo día por la mañana, el Pont de la Trinitat acogerá una actividad dirigida al público familiar con la compañía Hermanas Picohueso, que presentará “AHNI” (Accions Humanes No Identificades), una propuesta participativa que reflexiona sobre el cuerpo y el movimiento en la sociedad actual.

La programación continuará el sábado por la tarde en la plaza del Patriarca, donde tendrá lugar el “All Styles Battle” de Valencia City Cypher. Este evento de danzas urbanas incluirá música en directo y dinámicas de improvisación, además de actividades paralelas como clases gratuitas y encuentros con jurados internacionales.

El 12 de abril, la compañía Fil d’arena desarrollará una pieza itinerante que partirá desde las Torres de Serranos y recorrerá distintas calles de Ciutat Vella, integrando danza y espacio urbano en un formato de travesía escénica.

El cierre del ciclo llegará en el Antiguo Cauce del Río Turia, donde la compañía Titoyaya Dansa presentará el preestreno de “Liebe”, una propuesta coreográfica dirigida por Gustavo Ramírez.

A lo largo de todo el programa, plazas, parques, jardines y enclaves históricos funcionarán como escenarios abiertos, configurando un recorrido artístico que busca diversificar los espacios escénicos y ampliar el acceso del público a la danza contemporánea.

Dansa València, el festival de danza y artes del movimiento de la Comunitat Valenciana organizado por la Conselleria de Educación, Cultura y Universidades e impulsado por el Institut Valencià de Cultura (IVC), contará con un total de 37 propuestas que podrán verse del 11 al 19 de abril.

El festival es una cita ineludible con una programación que reúne compañías nacionales e internacionales en teatros, espacios patrimoniales y enclaves urbanos y naturales.

Foto: “Calentamiento”, de Rocío Molina

Como sabes, la Escuela de Verano de La Red es un encuentro formativo abierto a todo el ecosistema cultural, seas o no socio/a de La Red, si bien nuestros/as asociados/as tienen preferencia en la inscripción, así como descuentos en la matrícula. 

Las inscripciones están abiertas del 6 al 29 de abril.
 
Puedes consultar el programa completo y otros detalles en la web de la Escuela de Verano de La Red.

Programa formativo

Herramientas sobre nuevas prácticas y retos contemporáneos.

Seis talleres agrupados en tres itinerarios formativos aplicados para la gestión cultural

Del martes 2 al jueves 4 de junio
 
Dirigido a profesionales de las artes escénicas con perfiles profesionales iguales o similares a gestores y gestoras de todos los ámbitos (equipamientos culturales, compañías, distribuidoras, colectivos artísticos...).
 
Se configuran tres itinerarios formativos que combinan cuatro talleres de entre los siguientes:
 

–Artes participativas
–Taller de calle I 
–Taller de calle II
–Contratación pública y Artes Vivas
–Derechos culturales: Método DÃD y Diversidad Cultural
–Inteligencia Artificial

Acogida técnica de espectáculos de circo en sala

Del lunes 1 al viernes 5 de junio
 
La acción formativa que presentamos se dirige al personal de los teatros de acogida que se ocupa de las tareas de planificación y realización de montajes escénicos y desea adquirir o mejorar las competencias para la gestión de las operaciones de la escenotecnia en relación con la acogida de representaciones de arte circense en teatros, una disciplina que  en los últimos años ha cobrado una mayor presencia en salas. Encontrar las soluciones técnicas adecuadas, dentro de los actuales estándares de seguridad, requiere el conocimiento de las disciplinas circenses, de sus necesidades técnicas y de las posibilidades y limitaciones del escenario de acogida. Y de eso es de lo que trataremos en este curso.

Regiduría en diversos contextos escénicos

Del lunes 1 al viernes 5 de junio
 
Este curso de Regiduría surge como continuación del taller impartido el año anterior, en el que se abordaron las competencias del regidor dentro de una gran producción teatral y un evento.
En esta edición se amplía el análisis del oficio, profundizando en su aplicación práctica en distintos contextos del espectáculo en vivo.
El curso está dirigido a personas vinculadas al ámbito de las artes escénicas interesadas en conocer o profundizar en el trabajo de regiduría y en los procesos de coordinación del espectáculo en vivo.

El Día Mundial del Teatro 2026 se celebrará el próximo viernes 27 de marzo. Este año el mensaje oficial corre a cargo del actor estadounidense y director artístico de la Bienal de Teatro de Venecia Willem Dafoe.

La celebración del Día Mundial del Teatro es una iniciativa impulsada por el Instituto Internacional del Teatro (ITI).

Uno de los actos más importantes de la celebración es la circulación de Mensaje del Día Mundial del Teatro, donde figuras de renombre internacional son invitadas por el ITI para compartir sus pensamientos sobre el teatro y la cultura de paz.

En el mensaje de este año, Willem Dafoe reflexiona sobre el poder transformador del teatro y de las relaciones interpersonales por encima de la espiral de tecnologización.

El primer mensaje del Día mundial del Teatro fue escrito por Jean Cocteau en 1962. 

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2026

A cargo de Willem Dafoe

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Soy un actor conocido principalmente como actor de cine. Pero mis raíces están profundamente en el teatro. Fui miembro del Wooster Group desde 1977 hasta 2003, creando e interpretando piezas originales en The Performing Garage en Nueva York y de gira por todo el mundo. También he trabajado con Richard Foreman, Robert Wilson y Romeo Castellucci. Ahora soy el Director Artístico de la Bienal de Teatro de Venecia. Este nombramiento, los acontecimientos en el mundo y mi deseo de regresar al trabajo teatral han reforzado profundamente mi creencia en el poder positivo único del teatro y su importancia.

En los humildes comienzos de mi etapa en The Wooster Group, la compañía teatral con sede en Nueva York, a menudo teníamos muy poco público en algunas de nuestras funciones. Muchas veces la regla era que, si había más intérpretes que espectadores, podíamos decidir cancelar. Pero nunca lo hicimos. Muchos de los miembros de la compañía no estaban formados en teatro, sino que provenían de distintas disciplinas y se reunían para hacer teatro; por eso, “el espectáculo debe continuar” no era realmente nuestro lema y, sin embargo, sentíamos la obligación de mantener nuestro encuentro con el público.

También ensayábamos a menudo durante el día y por la noche mostrábamos el material como un trabajo en proceso. A veces pasábamos años trabajando en un espectáculo, manteniéndonos gracias a las giras de producciones anteriores. Trabajar durante años en una pieza a menudo se volvía tedioso para mí, y encontraba los ensayos algo difíciles, pero estas presentaciones de trabajos en proceso siempre eran emocionantes, incluso si el reducido público era un juicio contundente sobre el nivel de interés que despertaba lo que estábamos haciendo. Esto me hizo comprender que, sin importar cuántas personas haya, el público como testigo es lo que da sentido y vida al teatro.

Como dice el cartel en una sala de apuestas: “DEBES ESTAR PRESENTE PARA GANAR”. La experiencia compartida en tiempo real de un acto de creación, que puede estar estructurado y diseñado pero que siempre es diferente, es sin duda la gran fortaleza del teatro. Social y políticamente, el teatro nunca ha sido tan importante y vital para nuestra comprensión de nosotros mismos y del mundo.

El “elefante en la habitación” son las nuevas tecnologías y las redes sociales, que prometen conexión pero aparentemente han fragmentado y aislado a las personas entre sí. Yo uso el ordenador a diario, aunque no tenga redes sociales; incluso me he buscado en Google como actor y también he consultado la inteligencia artificial para obtener información. Pero hay que estar ciego para no reconocer que el contacto humano corre el riesgo de ser reemplazado por relaciones con dispositivos. Aunque cierta tecnología puede servirnos bien, el problema de no saber quién está al otro lado del círculo de comunicación es profundo y contribuye a una crisis de la verdad y de la realidad. Aunque internet puede plantear preguntas, muy pocas veces logra captar ese sentido de asombro que crea el teatro. Un asombro basado en la atención, el compromiso y una comunidad espontánea de quienes están presentes en un círculo de acción y respuesta.

Como actor y creador teatral, sigo creyendo en el poder del teatro. En un mundo que parece volverse más fragmentado, controlador y violento, nuestro desafío como creadores teatrales es evitar la corrupción del teatro como una empresa meramente comercial dedicada al entretenimiento por distracción, o como un mero instrumento institucional para conservar tradiciones; en cambio debemos fomentar su capacidad para conectar a personas, comunidades y culturas, y sobre todo para cuestionar hacia dónde vamos…

El gran teatro consiste en desafiar nuestra manera de pensar y en animarnos a imaginar aquello a lo que aspiramos.

Somos animales sociales y estamos biológicamente diseñados para relacionarnos con el mundo. Cada órgano sensorial es una puerta de entrada al encuentro, y a través de este encuentro logramos una mayor definición de quiénes somos. A través de la narración, la estética, el lenguaje, el movimiento y la escenografía, el teatro como forma de arte total puede hacernos ver lo que fue, lo que es y lo que nuestro mundo podría ser.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida celebrará su 72ª edición del 3 de julio al 30 de agosto de 2026 con una programación que reunirá 35 espectáculos y más de 150 funciones repartidas entre distintos espacios escénicos. El Teatro Romano y el Teatro María Luisa volverán a ser las principales sedes, a las que se suman extensiones en Madrid, Medellín, Cáparra y Regina.

La cita contará con la participación de numerosos intérpretes conocidos como Fernando Tejero, Lydia Bosch, Pepe Viyuela, Toni Acosta o Carlos Hipólito, entre otros. Además, el festival refuerza su carácter internacional con propuestas procedentes de otros países, como la portuguesa “A Paz”.

El Teatro Romano de Mérida acogerá nueve producciones, todas ellas estrenos absolutos, que abarcan distintos géneros como la tragedia, la comedia, la danza o el musical. La inauguración correrá a cargo de "Spartacus", del Düsseldorf Ballet Theater. A lo largo de julio y agosto se sucederán montajes como "Electra Jonda", "Timón de Atenas", "Bacanal", "La comedia de la olla", "Cómicos de Roma", "Fedra en los infiernos" y "El viaje de Edipo". El cierre del festival llegará con "Las 9 musas", un espectáculo musical de producción extremeña.

Por su parte, el Teatro María Luisa ofrecerá siete propuestas de diversos lenguajes escénicos, entre ellas "Penélope", "Medea", "Prometeo" y "Antígona", junto a la ya mencionada "A Paz", procedente de Portugal.

El festival ampliará su alcance con sus tradicionales extensiones. Madrid acogerá una programación especialmente amplia entre junio y julio, mientras que Cáparra regresará al circuito tras un año de ausencia con seis espectáculos. También habrá actividades en Medellín y Regina.

Además de la programación escénica, la cita incluirá una intensa agenda paralela con talleres, cursos, exposiciones, pasacalles y ciclos de cine. Entre las novedades de esta edición destacan la creación del Premio Odiseo y Penélope para textos teatrales inéditos de temática grecolatina y nuevas iniciativas formativas.

El Comisionado de España en Libertad | 50 años, un organismo dependiente del Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, y La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuito y Festivales de titularidad pública ponen en marcha el “Circuito de Artes Escénicas España en Libertad. 50 años”, con el objetivo de fomentar en la programación escénica en todo el país la visibilidad de la memoria histórica y de los valores democráticos y de libertad, en el marco del aniversario de la instauración de la democracia en España.

Desde hoy mismo se abre una convocatoria dirigida a compañías y artistas para seleccionar propuestas escénicas (puedes ampliar aquí la información) que aborden temas relacionados con:

– El derecho a conocer la verdad histórica sobre la violencia y represión del franquismo, así como la resistencia democrática de sus víctimas.
– La promoción de la cohesión y solidaridad entre generaciones en torno a los valores constitucionales, derechos y libertades.
– El reconocimiento del desarrollo de la democracia en España desde el final de la dictadura hasta convertirse en un estado moderno que consolida los derechos ciudadanos.
– El reconocimiento y puesta en valor de la diversidad territorial, cultural y lingüística del país, atendiendo a las distintas realidades que conforman el Estado y a su aportación a la convivencia democrática.

Podréis inscribir vuestros espectáculos hasta el martes 31 de marzo de 2026, a las 12:00h. (horario peninsular), a través de vuestros perfiles profesionales en redescena.net. 

Cada compañía podrá presentar un máximo de dos propuestas cuyo caché individual esté comprendido entre los 1.500 euros y los 18.000 euros + IVA.

 
La realización del circuito queda supeditado a la concesión por parte del Comisionado España en libertad | 50 años de la financiación destinada a este fin.
 
El calendario de realización de las funciones que formen parte del circuito será del 1 de septiembre de 2026 al 30 de junio de 2027, ambos incluidos. 

El mundo de la cultura española despedía ayer en Madrid, ciudad en la que se instaló la capilla ardiente, a Gemma Cuervo, una de las actrices más queridas y respetadas de la escena nacional, cuya trayectoria dejó una huella imborrable especialmente en el ámbito del teatro. Con una carrera que abarcó más de seis décadas, Cuervo fue una figura fundamental para entender la evolución de la interpretación teatral en España desde la segunda mitad del siglo XX.

Nacida en Barcelona, Gemma Cuervo encontró en los escenarios su verdadero hogar artístico. Aunque el gran público la conoció por sus trabajos en televisión y cine, fue sobre las tablas donde desarrolló gran parte de su talento y donde construyó un legado interpretativo de enorme prestigio. Su presencia escénica, su precisión en el trabajo con el texto y su capacidad para transitar entre la comedia y el drama la convirtieron en una actriz imprescindible para varias generaciones de espectadores.

A lo largo de su carrera participó en más de un centenar de montajes teatrales y trabajó con algunos de los textos más relevantes del repertorio clásico y contemporáneo. Debutó profesionalmente en los años cincuenta con la obra “Harvey”, dirigida por Adolfo Marsillach, y durante los años sesenta formó parte de compañías que llevaron a escena títulos como “El avaro” de Molière, “Un soñador para un pueblo” de Antonio Buero Vallejo, “A puerta cerrada” de Jean-Paul Sartre o “En Flandes se ha puesto el sol” de Eduardo Marquina.

Posteriormente, junto a su marido, el actor Fernando Guillén, fundó su propia compañía teatral, con la que apostó por dramaturgia moderna e internacional. En aquellos años interpretó obras como “El malentendido” de Albert Camus, “Los secuestrados de Altona” de Sartre o “Todo en el jardín” de Edward Albee, consolidando una trayectoria marcada por el compromiso artístico y la renovación del panorama teatral español.

Entre los títulos más recordados de su carrera escénica figuran también “Los hijos de Kennedy”, “La herida del tiempo”, “Bodas de sangre”, “La importancia de llamarse Ernesto”, “¡Hay motín, compañeras!” o “Sones de almendra amarga”. En una etapa más reciente regresó a los escenarios con el clásico “La Celestina”, uno de los personajes más complejos de la literatura española, al que dio vida en 2012 con gran reconocimiento de crítica y público.

Compañeros de profesión destacan de Cuervo su disciplina, su generosidad en escena y su capacidad para sostener personajes complejos con naturalidad y profundidad emocional. Para muchos actores jóvenes, fue también una maestra informal del oficio, un referente de profesionalidad y amor por el teatro.

Aunque en las últimas décadas su popularidad creció gracias a la televisión, Gemma Cuervo nunca se desligó del teatro, al que siempre consideró su verdadera vocación. Incluso en etapas avanzadas de su carrera continuó vinculada al mundo escénico, defendiendo la importancia del teatro como espacio de encuentro cultural y humano.

Con su fallecimiento desaparece una de las grandes voces de la interpretación española.

Desde este mismo jueves 12 de marzo está disponible el programa completo (+ consúltalo aquí) de las 17ª Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas, que se celebran en Tenerife del 22 al 24 de abril.

También desde hoy mismo y hasta el 9 de abril se puede formalizar la reserva de plaza en los espacios paralelos y/o de aforo limitado. Para ello, una vez rellenado el formulario de inscripción, la organización enviará a los inscritos un segundo formulario para diseñar su itinerario y reservar plaza en las actividades con aforo limitado.

Te recordamos que la inscripción de carácter general está abierta desde el pasado 16 de febrero.

Sobre las Jornadas de Inclusión 2026

Desde una perspectiva interseccional, bajo el lema “Desplazamientos” y teniendo como marco el desarrollo de los Derechos Culturales, las Jornadas abordarán la complejidad de la temática de los desplazamientos y las migraciones con rigor, sensibilidad y perspectiva, vinculándola con las artes escénicas y la música.

Las Jornadas contarán con cinco espectáculos destacados en los que personas y colectivos desplazados de sus lugares de origen asumen el protagonismo y con espacios para compartir pensamientos y acciones titulados Del ensayo al acto.

La participación activa del sector de las artes escénicas se canaliza a través de los apartados En el foco (antes Comunicaciones), donde seis proyectos seleccionados presentan sus proyectos relacionados con la temática de las Jornadas, y Mentorías, un espacio reducido donde reconocidos agentes del sector se reunirán con los proyectos seleccionados para asesorarlos de forma personalizada.

Las Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas, lideradas por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas-INAEM junto al Cabildo de Tenerife y su Auditorio, cuenta con la colaboración del Gobierno de Canarias y la Red Española de Teatros en calidad de coorganizadores.

La compañía leridana La Baldufa ha culminado el proceso de creación de “Fantasmes de Guerra” (“Fantasmas de Guerra”), una nueva producción escénica centrada en la memoria histórica y concebida para un público intergeneracional. El proyecto se ha construido a partir de una investigación prolongada y de un proceso participativo con el territorio, impulsado por el Consorcio Transversal, Xarxa d’Activitats Culturals, que agrupa a diez ciudades de tamaño medio de Cataluña.

El punto de partida del espectáculo se encuentra en el libro “Érem Feres”, del historiador Oriol Riart, que recoge diarios reales de combatientes de la Guerra Civil Española (1936-1939). A partir de estos testimonios, la compañía ha llevado a escena una historia de ficción que sigue la trayectoria de tres amigos inseparables cuya relación se ve truncada por el estallido del conflicto.

La obra aborda la Guerra Civil desde una perspectiva que combina el humor con la reflexión, poniendo el foco en la amistad, la reconciliación y el absurdo de la guerra. Bajo la premisa de hacer teatro para todos los públicos, la propuesta invita especialmente a niños, jóvenes y adultos a compartir una experiencia escénica que interpela sobre el perdón y los fantasmas del pasado.

La dirección del montaje ha estado a cargo de Lucía Miranda, cuya mirada externa ha acompañado el proceso creativo de la compañía. El proceso creativo ha incluido residencias artísticas y periodos de trabajo en varios teatros, orientados a profundizar en la creación y reforzar los vínculos con el territorio.

El espectáculo se estrenó en la Fira Mediterrània de Manresa en 2025 y se acompaña de un amplio programa de mediación cultural. Estas acciones, dirigidas especialmente al público joven, exploran la relación entre teatro y memoria histórica mediante actividades paralelas a las funciones.

El trabajo de mediación comenzó en noviembre de 2025 en Sant Cugat del Vallès y continuó en febrero en Granollers, Reus y Figueres. Próximamente, el proyecto hará parada en Olot (1, 2 y 3 de marzo), Vilanova i la Geltrú (15 de marzo), Girona (22 y 23 de marzo), Manresa (11 de abril), Mataró (19 de abril) y Tortosa (noviembre).

+ Este proceso se ha compendiado en una publicación (+descargar)

Estas actividades han sido desarrolladas por el Consorcio Transversal, Xarxa d’Activitats Culturals, un consorcio público que agrupa diez ciudades de tamaño medio de Cataluña para colaborar en el ámbito cultural. Su objetivo es promover y optimizar iniciativas culturales, apoyar nuevas propuestas en disciplinas como las artes visuales, escénicas, musicales o literarias, e incentivar el intercambio y la cooperación entre municipios.

En el marco de este proyecto participan los siguientes equipamientos teatrales: el Teatre Municipal El Jardí (Figueres), el Teatre Principal d’Olot, el Teatre Principal de Vilanova i la Geltrú, el Teatre Kursaal, el Teatre Monumental de Mataró, el Auditori Felip Pedrell (Tortosa), el Teatre Auditori Emma Vilarasau (Sant Cugat), el Teatre Auditori de Granollers, el Teatre Fortuny (Reus) y el Teatre Municipal de Girona, estos cuatro últimos, espacios asociados a La Red.

Desde hoy mismo, lunes 2 de marzo, a las 10:00 h, está abierta la convocatoria de presentación de proyectos por parte de entidades asociadas a La Red para la sexta edición del Circuito Circo a Escena, 2026. El plazo se cerrará el miércoles 1 de abril a las 14:00 h. (horario peninsular).
 
Las entidades públicas asociadas a La Red pueden presentar sus proyectos en este plazo seleccionando, como mínimo, dos de los espectáculos que contiene el Catálogo de Espectáculos elaborado por la Comisión de Circo de La Red a partir de las propuestas que han presentado las compañías, artistas o distribuidores/as. 
 
Este catálogo recoge 22 propuestas de diferentes estilos y formatos, cuya información también puedes consultar en este enlace.

En esta edición se establecen dos modalidades de participación, cada una con una dotación económica distinta, en función de si la entidad asociada ha sido beneficiaria de Circo a Escena en tres ediciones consecutivas o menos o si lo ha sido en más de tres ediciones consecutivas.   

Nuestros/as asociados/as pueden consultar la Normativa de Circo a Escena 2026 y descargar toda la documentación asociada en la web de Circo a Escena.

La 35ª edición de FETEN, la Feria Internacional de Artes Escénicas para niños, niñas y familias, que se ha celebrado del 21 al 27 de febrero de 2026 en Gijón/Xixón, entregró sus premios 2026 el 27 de febrero en una ceremonia que transcurrió en el Centro de Cultura Antiguo Instituto.

El Premio al Mejor Espectáculo FETEN 2026 fue para la compañías castellano leonesa Almealera por “Yo nací en un surco de judías” y el de Mejor Espectáculo de Danza recayó en DA.TE por “Únicos”.

El Premio al Mejor Espectáculo de Calle fue para Txema Muñoz por su espectáculo “Gota”, mientras que el Mejor Espectáculo de Noche recayó en Nacho Flores por “Domte”. El premio a la Mejor Instalación fue para Cris Clown por “U.F.A.”, y el de Mejor Escenotecnia para La menuda por “Lumiero”.

El Premio Compromiso Social fue otorgado a Luz de Gas Teatro por “Dibújame una palabra”, y el de Mejor Escenografía y Caracterización a Cinc Cèntims Teatre por “Mular (o la gran captura)”.

El galardón a Mejor Elenco fue para Marea Danza por “¿Dónde está Alicia?”, y el de Mejor Interpretación para Alba Vergne López, de Luna Teatro-Danza, por “Bambi”.

En la categoría de Mejor Autoría, el premio fue para Dora Cantero por “Cosas que caen del cielo”.

El Premio ex aequo al Mejor Espectáculo de Comedia y Humor reconoció a La Pera Llimonera por “RUCS, El maleficio del brujo” y a Corral de García por “En el viento (Libros con Alas)”.

El Mejor Espectáculo de Teatro Documento fue para La Loquace Compagnie por “VIVA!”, mientras que el Mejor Espectáculo de Títeres y Objetos fue para El que ma queda de teatre por “SÒMION. La ciudad de los oficios imposibles”.

En Primera Infancia, el premio fue para Inspira Teatre por “Nallar”.

El galardón ex aequo al Mejor Espectáculo de Circo Contemporáneo fue para Eunoia Kolektiva por “Tenet” y UpArte por “Sísifos”.

El jurado, formado por profesionales del sector, estaba integrado por Charo Arconda (Festival Internacional de teatro y artes de calle de Valladolid - TAC), Javier Torres Ochandiano (productor escénico y miembro de la Academia de las Artes Escénicas), Paula Gutiérrez Pelayo (vicepresidenta de la Federación de Asociaciones de Profesionales de Circo en España - Circored), Alberto Muyo García (distribuidor y socio de ASSITEJ), Grego Navarro de Luis (directora gerente del Teatro Gayarre de Pamplona, en representación de La Red), Daniel Galindo Frías (director y presentador del programa La Sala de RNE), Juan Valeriano Villafruela Zuñiga (programador del Teatro Alameda de Sevilla, en representación de ASSITEJ), Ana Isabel Gallego Redondo (Asociación de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud, en representación de TE VEO), Manuel Álvarez Lobo (profesor de interpretación de la Escuela Superior de Arte Dramático de Asturias) y Elena Reales Reales.

La XXIX Edición de FAEM CLM (Feria de Artes Escénicas y Música de Castilla-La Mancha) se celebra del 13 al 16 de Abril de 2026 en Albacete.

Las inscripciones para acreditarse como profesional están abiertas hasta el jueves 12 de marzo. El formulario de inscripción, junto con la información de la programación, está ya disponible en este enlace.

Un total de 21 espectáculos formarán la programación de la Feria de Artes Escénicas y Música en 2026. De ellos, nueve corresponden a compañías de Castilla-La Mancha, todos en la modalidad de teatro. En cuanto a las compañías de fuera de la región, han sido seleccionados doce espectáculos: seis de teatro, dos de música, tres de danza y uno de circo.

La organización de las 17ª Jornadas ha abierto las convocatorias para participar en los espacios “En el foco” y “Mentorías”, dirigidos a profesionales del ámbito de las artes escénicas y la música con enfoque inclusivo y comunitario.

El plazo para presentar propuestas a “En el foco” permanecerá abierto hasta el 24 de febrero, mientras que las solicitudes para el nuevo espacio de “Mentorías” podrán enviarse hasta el 1 de marzo.

“En el foco” es un espacio de presentaciones breves, de diez minutos, destinado a dar visibilidad a proyectos, experiencias, metodologías o investigaciones vinculadas a la inclusión interseccional en las artes escénicas y la música. Se seleccionarán seis propuestas, que serán expuestas durante las Jornadas. La organización cubrirá los gastos de desplazamiento y alojamiento de los proyectos elegidos.

+ Puedes presentar aquí tu solicitud

Por su parte, “Mentorías” se estrena en esta edición como un espacio de acompañamiento personalizado para proyectos inclusivos. Cada mentoría consistirá en una sesión de dos horas en la que profesionales especializados ofrecerán asesoramiento y retoalimentación cualificada. En esta edición participarán Sonia Gainza y Claudia Torner (Apropa Cultura), Diego Salazar (Connectats), Alia Alzougi (Festival Shubbak) y Susana Rubio (ADGAE).

+ Consulta aquí las bases de participación

Las Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas, lideradas por el INAEM junto al Cabildo de Tenerife y su Auditorio, cuenta con la colaboracion del Gobierno de Canarias y la Red Española de Teatros en calidad de coorganizadores.

El Institut d’Estudis Baleàrics (IEB) abre convocatoria para formar parte de la edición 2026 de Fira B!, el mercado profesional dedicado a la música y las artes escénicas de las Illes Balears. Las compañías y artistas interesados podrán presentar sus propuestas hasta el próximo 28 de febrero de 2026 a las 23:59 horas, a través del formulario habilitado por la organización.

La feria, que se celebrará en Palma, volverá a estructurar su programación en dos bloques diferenciados. Las artes escénicas tendrán lugar del 30 de septiembre al 3 de octubre, mientras que la música se desarrollará los días 4, 5, 6 y 7 de noviembre. El evento está impulsado por el Govern de les Illes Balears mediante el IEB, con la colaboración del Consell de Mallorca y el Ayuntamiento de Palma.

Requisitos para artes escénicas
Podrán concurrir compañías y profesionales que acrediten al menos tres funciones en circuitos profesionales fuera de su lugar de origen desde enero de 2024. En el caso de Baleares, dichas actuaciones deberán haberse realizado fuera de la isla de residencia. No se admitirán espectáculos programados en ediciones anteriores y se priorizarán propuestas inéditas en la feria.

La convocatoria abarca disciplinas como teatro, danza, circo, artes de calle, títeres, performance y nuevos lenguajes escénicos, entre otras. Los montajes deberán estar ya producidos y contar con posibilidades de proyección exterior.

Las compañías seleccionadas percibirán una compensación económica equivalente a un porcentaje del caché artístico, que se acordará con la coordinación del evento. Asimismo, se contemplan ayudas para desplazamiento y alojamiento en determinados supuestos.

Condiciones para el apartado musical
En el ámbito musical, podrán presentarse proyectos originarios o residentes en Europa que hayan publicado —o tengan previsto publicar— un álbum o EP entre el 1 de enero de 2025 y el 31 de diciembre de 2026, y que acrediten al menos cinco conciertos en directo desde enero de 2025.

Los showcases tendrán una duración de 30 minutos y deberán basarse mayoritariamente en repertorio original. Quedan excluidas la música clásica y contemporánea. Los artistas seleccionados recibirán un caché de 150 euros por persona —incluidos hasta dos técnicos— además de posibles compensaciones por desplazamiento y alojamiento, según las condiciones establecidas por la organización.

Documentación y resolución
Las solicitudes, tanto para artes escénicas como para música, deberán incluir descripción del proyecto y currículum en catalán, castellano o inglés, material fotográfico, grabaciones en vídeo —al menos una en directo— y dossier explicativo. En el caso de música, se exige también material sonoro disponible en plataformas digitales y presencia en web o redes sociales.

La resolución se comunicará a lo largo del segundo trimestre de 2026, entre abril y junio, y se hará pública en el sitio web oficial del certamen.

Para más información, las personas interesadas pueden dirigirse al IEB a través del correo electrónico info@firab.org o consultar la página oficial del evento.

Desde su puesta en marcha en 2015, Fira B! se ha consolidado como una plataforma de proyección para los creadores de las islas. Inicialmente centrada en las artes escénicas, la feria amplió su alcance en 2016 con la incorporación de la música, reforzando así su vocación de mercado profesional y punto de encuentro entre artistas, programadores y agentes culturales.
Más allá de las representaciones, el encuentro incluye jornadas profesionales con conferencias y reuniones sectoriales destinadas a fomentar la colaboración, el intercambio de experiencias y la contratación de espectáculos.

Más información:

Email info@firab.org
Teléfono 971 17 89 96
Sitio web https://www.firab.org/
Convocatoria abierta hasta el 28 de febrero del 2026

DFeria contará este año con una programación integrada por 31 compañías, 31 espectáculos y 42 funciones que se desplegarán en distintos espacios de Donostia. El encuentro consolida una apuesta decidida por la novedad: el 74% de las propuestas se estrenarán en la feria, ya sea a nivel internacional, estatal o en Euskadi.

Bajo el leit motiv “LEGADO”, la cita de artes escénicas articulará una programación que reflexiona sobre la memoria histórica, los cuerpos y sus luchas, la transmisión cultural y la revisión crítica de los relatos heredados. En esta edición, Dinamarca será el país invitado, con una presencia destacada de compañías gracias a la colaboración de la Danish Arts Foundation y la Embajada de Dinamarca.

La inauguración correrá a cargo de “Bloody Moon”, de Marina Mascarell, al frente del Danish Dance Theatre. Se trata de un espectáculo de danza de gran formato que celebra el exceso, el deseo y la liberación a partir de la figura de Dionisio, y que supondrá además el estreno mundial de Mascarell como directora artística de la compañía nacional danesa.

Entre los estrenos más destacados figura “Cantando bajo las balas”, de Luna Hiena, con Ane Gabarain en el papel de Millán-Astray en un monólogo con tintes de cabaret oscuro y esperpento. La pieza dialoga con la actualidad al poner en escena la glorificación de la violencia y los discursos de odio desde una mirada crítica e incómoda.

La presencia danesa y el carácter internacional de la feria también se reflejan en “Samba”, de Uppercut Danseteater, una propuesta vibrante y sensorial que convierte el espacio escénico en un ritual colectivo, y en “La carta”, de Paolo Nani, referente del teatro gestual contemporáneo que despliega humor físico y complicidad con el público sin necesidad de palabras.

El teatro contemporáneo ocupará un lugar central en la programación con montajes que abordan conflictos íntimos y políticos. “440 Hz”, de Nacho Diago, explora la percepción, la sobreprotección y la identidad; “El Brote”, de la Compañía Criolla, llega desde Argentina como uno de los fenómenos teatrales recientes, jugando con los límites entre ficción y realidad; y “Desobedientes 18/98”, de Tanttaka Teatroa, pone el foco en la desobediencia civil como práctica histórica y herramienta vigente en las democracias actuales.

La feria también reservará espacio para propuestas que combinan teatro, imagen y reflexión escénica. “Historia del amor”, de Agrupación Señor Serrano, entrelaza tecnología, narración y pensamiento contemporáneo; “Un país sin sueños”, de la compañía danesa Fix+Foxy, imagina un futuro posible para reivindicar la necesidad de volver a soñar colectivamente; y “Sáhara. La barca del desierto” aborda, desde la investigación y el testimonio, la memoria y el exilio del pueblo saharaui. El programa se completa con montajes como “Sisifos”, que amplían el mapa estético y temático de esta edición.

El cartel de dFERIA 2026 estará protagonizado por el legado de la artista fallecida Mai Egurza, en consonancia con el eje temático que vertebra esta nueva edición.

La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública celebra el miércoles 25 de febrero de 2026 su primera Asamblea General de 2026, en la Escuela de Comercio de Gijón , en el marco de FETEN-Feria Internacional de artes escénicas para niños, niñas y familias de Gijón/Xixón.
 
En esta primera asamblea que se celebra bajo el mandato de la nueva Junta Directiva –salida de las elecciones del pasado mes de diciembre– se tratarán los siguientes asuntos:

– Organización interna de la Junta Directiva y reparto de responsabilidades.
– Presentación del Plan de Acción 2026.
– Presentación de la edición 2026 de los circuitos artísticos Danza a Escena y Circo a Escena y del Circuito Ornitorrinco.
– Avance sobre el desarrollo de las 17ª Jornadas de Inclusión Social impulsadas por el INAEM –en cuya organización participa La Red–, que se celebran en Tenerife del 22 al 24 de abril (+ información e inscripciones).

El Institut Valencià de Cultura abre mañana la convocatoria para la presentación de proyectos artísticos para el catálogo del Circuit Cultural Valencià, para su programación por parte de los municipios adheridos al programa durante el ejercicio 2026.

La convocatoria se dirige a compañías y grupos profesionales de teatro, danza, circo, música y cine que desarrollen su actividad en las artes escénicas, la música y el audiovisual. Las compañías interesadas podrán inscribirse desde el 10 de febrero al 1 de marzo, ambos inclusive, por vía exclusivamente telemática (debes acceder a tu área privada o registrarte en la web del IVC)

La elaboración del catálogo del Circuit Cultural Valencià se realizará en dos fases, una primera donde las compañías o artistas se darán de alta, y una segunda donde podrán presentar sus propuestas artísticas a incluir en el catálogo, hasta un máximo de cuatro. Finalizadas ambas fases, las comisiones de valoración evaluarán las propuestas y se publicarán los listados de espectáculos aceptados y excluidos en el catálogo del CCV. 

La selección de las propuestas presentadas se realizará mediante un proceso de evaluación cualitativa, para lo que se constituirá una comisión de valoración que tendrá en cuenta los criterios de profesionalidad y trayectoria, calidad artística, interés cultural y viabilidad técnica de los espectáculos. Además, se tendrán especialmente en cuenta los elementos de innovación, contribución a la cultura y el apoyo a espectáculos de nueva creación y a compañías emergentes. 

El Circuit Cultural Valencià es un programa público, impulsado por el Institut Valencià de Cultura con la colaboración de la Federació Valenciana de Municipis i Províncies, para difundir y acercar las artes escénicas, la música y los audiovisuales a toda la ciudadanía, fomentando al mismo tiempo el desarrollo y la consolidación de los sectores profesionales valencianos y dando visibilidad a todas las disciplinas artísticas. Se articula a través de una red de municipios adheridos, que pueden programar espectáculos a partir de un catálogo de propuestas artísticas. 

+ Información en la web del Institut Valencià de Cultura

(Imagen: “La trastienda”, de La Gata Japonesa, espectáculo participante en la última edicióni del Circuit Cultural Valencià)

El Teatro de Rojas acoge desde este viernes y hasta el 22 de febrero la exposición Actores sin alma. Mil años de Teatro de Figuras en España, una propuesta cultural que repasa la evolución del teatro de títeres y figuras animadas desde el siglo XI hasta nuestros días. La iniciativa se integra en los actos conmemorativos del 450 aniversario del Mesón de la Fruta, edificio histórico que hoy alberga el espacio escénico toledano.

La muestra, producida por la compañía La Máquina Real, reúne cerca de un centenar de piezas elaboradas artesanalmente siguiendo técnicas históricas. Retablos, marionetas, máscaras, gigantes y maquetas permiten al visitante comprender la riqueza y complejidad de un género que desempeñó un papel destacado en la tradición escénica española.

Durante la presentación oficial, la concejal de Cultura, Ana Pérez, subrayó el valor artístico y pedagógico del proyecto, destacando su rigor investigador y su contribución a la difusión del patrimonio escénico. En el acto estuvo acompañada por Jesús Caballero, director de la compañía y especialista en teatro de figuras, quien puso en contexto histórico el término “actores sin alma”, empleado en el Siglo de Oro para referirse a los títeres, únicos intérpretes autorizados a actuar durante la Cuaresma.

El recorrido expositivo abarca desde el teatro de sombras de tradición andalusí hasta propuestas contemporáneas vinculadas a creadores como Francisco Nieva o Ramón del Valle-Inclán, reflejando la vigencia y capacidad de transformación del teatro de figuras a lo largo de los siglos.

Además de su dimensión histórica, la exposición adquiere un significado especial dentro de la estrategia cultural de la ciudad, al reforzar la candidatura de Toledo como Capital Europea de la Cultura en 2031. Según destacó la responsable municipal, iniciativas de esta envergadura contribuyen a poner en valor tanto la tradición culta como la vertiente popular del legado escénico español.

La propuesta ha sido concebida específicamente para los espacios del teatro toledano, lo que permitirá a los asistentes acceder incluso a la caja escénica y conocer de cerca los mecanismos y recursos técnicos que dan vida a estas creaciones. La organización ofrecerá visitas guiadas, previa reserva, dirigidas a grupos escolares y colectivos interesados, con demostraciones en directo sobre la manipulación de las piezas.

La entrada es gratuita durante todo el periodo de exhibición.

La Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca abrió este miércoles 4 de febrero el plazo de presentación de espectáculos para su cuadragésima edición, que se celebrará del 27 de septiembre al 1 de octubre de 2026.

Este encuentro profesional cumple ya cuarenta años de trayectoria. En la última edición, correspondiente a 2025, la Feria recibió 1.541 propuestas y, por primera vez, la convocatoria contó con proyectos procedentes de nuevos países como Venezuela, Turquía, Congo o Países Bajos, un dato que refleja la creciente proyección internacional de la cita.

La edición de 2026 estará marcada por la presencia de proyectos transfronterizos, a través de los programas europeos POCTEFA, Eko Pirineos de Circo y Pyrenart, reforzando la colaboración, el diálogo y la circulación de propuestas a ambos lados de los Pirineos.

El plazo de inscripción permanecerá abierto del 4 de febrero al 31 de marzo, hasta las 14:00 horas. Una vez finalizado este periodo, se seleccionarán los espectáculos de teatro, danza y circo que conformarán la programación de la Feria.

+ Las compañías y productoras interesadas pueden formalizar su inscripción a través de la web de la feria.
 

La edición de 2026 de las Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas se celebran en Tenerife entre el 22 y el 24 de abril. La organización de este encuentro está liderado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y Musicales-INAEM junto al Cabildo de Tenerife y su Auditorio, y comisariadas por Eva García. y cuenta con el Gobierno de Canarias y la Red Española de Teatros como coorganizadores.

La programación incluye espectáculos, espacios de reflexión y pensamiento, talleres participativos, encuentros profesionales y la proyección de un documental, todo ello con acceso gratuito. El programa completo se publicará el 12 de marzo. 

Del 16 al 24 de febrero se abrirá la convocatoria pública para el espacio “En el foco”, en el que se presentarán seis proyectos. Asimismo, se darán a conocer los detalles del nuevo bloque de “Mentorías”, que contará con la participación de profesionales y agentes de referencia del sector escénico.
 
+ La inscripción como asistente está abierta hasta el 9 de abril a través de este formulario; la organización confirmará cada solicitud de inscripción lo antes posible para facilitar la planificación del viaje a los asistentes.

En el marco el desarrollo de los Derechos Culturales, las Jornadas abordarán la complejidad del fenómeno de los desplazamientos y las migraciones, y lo harán con rigor, sensibilidad y perspectiva, vinculándola con las artes escénicas y la música como centro de nuestro enfoque.

Las Jornadas contarán con cinco espectáculos destacados en los que personas y colectivos desplazados de sus lugares de origen asumen el protagonismo. La compañía de Idio Chichava (Mozambique) estrenará el día 22 en Canarias Vagabundus, un espectáculo de danza inspirado en los movimientos migratorios y los rituales de danza del pueblo Makondé. El jueves 23 de abril “Mahmud y solo Mahmud”, de Puntocero Company, contará la historia de un joven senegalés que parte de su ciudad natal en busca de trabajo en el país vecino a través de la palabra, las acrobacias y las canciones. El actor y director palestino Nabil Al-Raee hará dos pases en este mismo día de “Preso en la esperanza” (Unavezenlavida Producciones), una reflexión en primera persona sobre las narrativas de opresión. Cerrarán el viernes 24 las Jornadas una batalla de gallos y “polkas” de artistas locales y la obra “Polígono” (La Escrig), que propone una mirada crítica sobre el turismo y otras industrias en Canarias,  analizando los efectos sociales, territoriales y humanos derivados de estos modelos de desarrollo.

Toda la programación artística será de acceso libre y gratuito para el conjunto de la ciudadanía, con independencia de que se participe o no en el resto de las actividades de las Jornadas.

En el TEA (Tenerife Espacio de las Artes) se proyectará el documental “El Canto de las Manos”, de María Valverde, que explora la experiencia de la comunidad sorda y la vivencia sensorial de la música a partir del Fidelio de Beethoven, bajo la batuta de Gustavo Dudamel. En el Centro Penitenciario Tenerife II los internos podrán visualizar “Frontera”, de Manuel Pérez Cáceres, película rodada en la prisión de Quatre Camins de Barcelona en el que un grupo de teatro de presos ensaya una obra. 

Además de estos espectáculos, y como pistoletazo de salida en la tarde del 22 de abril,  varios proyectos canarios de artes escénicas y música inclusivos y comunitarios mostrarán cápsulas de sus trabajos en La Placita, un recorrido con varias paradas por el exterior del Auditorio de Tenerife, sede principal de las Jornadas. Previamente, el Auditorio de Tenerife facilitará el acceso al ensayo pregeneral de su última producción, que estrenará una vez finalizadas las Jornadas pero que también está vinculada a prácticas inclusivas: una versión queer de la ópera “El Castillo de Barbazul”, de Béla Bartók, dirigida por Pedro Chamizo. 

Por último, como apuesta por llevar las Jornadas a espacios no convencionales de representación teatral,  los vecinos del tinerfeño barrio de San Matías (San Cristóbal La Laguna) acompañarán una deriva por su entorno con distintas escenificaciones en el laboratorio ciudadano Historias de un barrio en lucha, en la tarde del día 23. 

Las Jornadas contarán con cuatro espacios para compartir pensamientos y acciones, titulados “Del ensayo al acto”. En estos encuentros, un grupo de agentes y expertos del sector de las artes escénicas dialogarán con los participantes de las Jornadas en torno a cuatro bloques temáticos: las realidades derivadas de la movilidad y los desplazamientos en el mundo contemporáneo, la diversidad e interculturalidad en las programaciones artísticas, los patrimonios e imaginarios invisibilizados o no reconocidos, y las prácticas y metodologías con personas migrantes en el sector de las artes escénicas y la música.

El próximo 16 de febrero se abrirá la convocatoria para los dos espacios abiertos a la participación del sector de las artes escénicas y la música: “En el foco” (antes Comunicaciones), es el espacio en el que hasta seis proyectos seleccionados del territorio nacional se presentarán de forma breve a todos los asistentes a Jornadas, con el objetivo de compartir metodologías de trabajo y procesos finalizados o en marcha que puedan aportar herramientas de referencia a los profesionales participantes. El plazo de presentación estará abierto desde el mismo día 16 hasta el 24 de febrero. 

En segundo lugar, en esta edición estrenamos un bloque de Mentorías, en el que reconocidos agentes del sector escénico se reunirán con los proyectos seleccionados para asesorarlos de forma personalizada en diversas cuestiones. El objetivo es, en este caso, dotar de herramientas a proyectos en construcción o en desarrollo, aportando una visión externa experta en materias como programación, accesibilidad o distribución.

El 12 de marzo se publicará el programa completo, en el que se concretarán horarios, espacios, invitados e invitadas.

Del 21 al 27 de febrero Gijón acogerá la 35ª edición de Feten, feria profesional de artes escénicas con más de 800 acreditados y 200 pases de propuestas artísticas. La cita trasforma la ciudad en un laboratorio creativo de la producción teatral nacional e internacional.

La Feria Internacional de Artes Escénicas para niños, niñas y familias acogerá 86 espectáculos e instalaciones con más de 200 pases de 82 compañías de todas las comunidades autónomas y de ocho países como Palestina, que protagonizará una de las dos exposiciones programadas, Armenia, Francia, República Checa o Portugal.

El programa incluye nueve estrenos. Una gran parte de las compañías participantes de muestran su trabajo por primera vez fuera de su comunidad. Como muestra de su interés, se han recibido 1.300 propuestas para asistir. Gijón se convierte en centro de trabajo para el sector para captación de espectáculos y de encuentros profesionales.

El certamen empleará este año 24 espacios escénicos, con dos novedades: Humedal y Ciudadela de Celestino Solar. Además, suma cinco funciones escolares en Laboral, llegando a más de 3.300 plazas. Las entradas para el Teatro Jovellanos donde se celebrarán su inauguración y clausura están a la venta desde este 2 de febrero. Las del resto de la programación se podrán adquirir online el mismo día del espectáculo.

ADGAE, COFAE y LA RED ESPAÑOLA DE TEATROS han acordado la puesta en marcha de un grupo de trabajo para abordar, de manera coordinada, la prevención del acoso, el abuso de poder y las violencias machistas, así como la promoción activa de la igualdad en todos los ámbitos de su competencia.

Con un claro compromiso por alcanzar los principios de igualdad, inclusión y buen gobierno recogidos en la Ley Orgánica 3/2007, el resto de legislación de aplicable, en los planes estratégicos de igualdad del Ministerio de Cultura y en el Observatorio de Igualdad de Género en la Cultura, manifestamos que:

El sector de las artes escénicas, como reflejo de la sociedad, no está exento de las desigualdades estructurales, los abusos de poder y las situaciones de acoso o violencias machistas que afectan a la convivencia y al desarrollo profesional de quienes lo integran. La conciencia colectiva sobre la necesidad de erradicar estas conductas ha crecido de forma significativa en los últimos años, pero los avances solo serán sostenibles si se acompañan de mecanismos colectivos, coordinados y transversales con perspectiva de género.

Este trabajo se desarrolla desde un enfoque de igualdad y perspectiva de género, incorporando herramientas preventivas, formativas y de acompañamiento.

A partir de este firme compromiso, las tres asociaciones inician su trabajo partiendo de dos objetivos prioritarios:

–La prevención del acoso y las violencias machistas, con protocolos claros en espacios y actividades profesionales que compartimos.
–Un trabajo coordinado y sostenido, con diagnósticos comunes, formación y acompañamiento a las personas y entidades asociadas.

ADGAE, COFAE y LA RED asumen, como primer paso, la responsabilidad de impulsar un cambio real hacia un sector de las artes escénicas basado en la igualdad, el respeto y la corresponsabilidad elaborando un plan de trabajo con los objetivos a cumplir y las acciones necesarias para alcanzarlos. Esta iniciativa no sólo responde a una exigencia ética y social, sino también a un compromiso ineludible con la calidad democrática y cultural de nuestras instituciones escénicas.

Desde el convencimiento de que sólo mediante la colaboración entre todas las personas implicadas en la producción, distribución, programación, gestión, creación, técnica y demás agentes de la cadena de valor del ecosistema escénico será posible construir entornos laborales seguros, inclusivos y libres de violencia, impulsamos esta acción conjunta como una apuesta decidida por un sector cultural más justo y democrático.

Del mismo modo, ADGAE, COFAE y LA RED hacen un llamamiento al conjunto de organizaciones, instituciones y profesionales de las artes escénicas a sumarse a este compromiso colectivo, con la convicción de que la seguridad, la igualdad y el respeto son la base de un sector cultural digno, democrático y con futuro, como el que defendemos.

Ni silencio ni miedo en el sector escénico: Ante la violencia, respuesta.

Trabajaremos juntas para que ninguna forma de violencia encuentre espacio en nuestras organizaciones.

+ Descargar comunicado conjunto en pdf

Fundación Contemporánea acaba de publicar esta semana su Observatorio de la Cultura 2025, un informe sobre lo mejor de la cultura española basado en las opiniones 443 panelistas repartidos por toda la geografía española.

En esta edición 2025 el Museo Reina Sofía ha superado al Museo del Prado, que ocupa la segunda posición, respecto a lo mejor de la oferta cultural española de 2025. A ambas instituciones le siguen el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que mantiene un año más la tercera posición. Les siguen el Museo Thyssen – Bornemisza, el Museo Guggenheim, el Teatro Real, CaixaForum, CCCB y la Fundación Juan March, igualada con el Festival de Málaga y con Matadero Madrid.

Dos de las entidades públicas asociadas a La Red figuran en el top 20 de este ránking: son el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en el puesto 15, y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, en el 20. Ambos, además, figuran en los puestos 1º y 2º, respectivamente, en el apartado “Festivales de teatro imprescindibles”. En este mismo listado aparecen otros de nuestros asociados: FETEN Gijón-Xixón, en quinto lugar; Dansa València, en el sexto; Fira Tàrrega, en el noveno, y TAC-Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladollid, en el décimo.

En este ránking nacional encontramos también entidades asociadas a La Red como los Teatros del Canal, en el puesto 32; Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao, en el 38; el Centro Condeduque, en el 42; la feria FETEN-Gijón, en el47, o el festival Dansa València, en el 52.

Respecto a las ciudades con mejor y más innovadora propuesta cultural, continúan ocupando los primeros puestos Madrid, Barcelona y Bilbao, mientras que Valencia se sitúa en el cuarto lugar, un puesto por encima de la anterior edición, y seguida de Málaga, Sevilla, San Sebastián, Santander, Valladolid, Granada, La Coruña y Zaragoza.

“Lo Mejor de la Cultura ”incluye la clasificación de Los imprescindibles, en la que se destacan propuestas de muy distinta naturaleza a nivel nacional agrupadas por tipología de proyecto.

A la cabeza de los imprescindibles de 2025 están: el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Caixa Forum, Teatro Real, Zinemaldia. Festival de San Sebastián, Sónar + D, ARCOMadrid, Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y la Feria del Libro de Madrid.

Fundación Contemporánea presenta su informe anual, Lo Mejor de la Cultura en 2025, elaborado a partir de la opinión de los profesionales del sector cultural. El Observatorio de la Cultura elabora este informe desde 2009, incluyendo una serie de rankings e indicadores recurrentes relativos a la actividad cultural de nuestras ciudades y comunidades y a las instituciones y acontecimientos culturales más destacados del año.

En esta nueva edición, el cuestionario ha sido contestado, durante los meses de noviembre y diciembre de 2025, por 443 miembros del panel (196 mujeres y 247 hombres), de los cuales un 46,3% trabajan en una organización cultural pública, un 36,8% en una organización cultural privada y el 16,9% restante como profesionales independientes del sector.

Este martes 27 de enero se ha reunido por primera vez la Junta Directiva de La Red salida de las elecciones celebradas el pasado mes de diciembre, en las que Marta Monfort, de la Red de Teatros de Vitoria, accedió a la presidencia.

Esta primera reunión de la nueva junta, que ha tenido lugar en la Oficina de Gestión de la entidad, en Madrid, ha servido para establecer el reparto de responsabilidades y tareas de cada uno de sus miembros y también para avanzar el diseño del Plan de Acción de La Red en 2026, que se presentará a los socios en la primera Asamblea General del año, el próximo 25 de febrero en Gijón, en el marco de la feria FETEN.

Elisenda Farré, de Fira B!, ocupa el cargo de vicepresidenta de Organización Interna, desde donde se encargará del apoyo a la organización de la Oficina de Gestión en materias como la revisión de procesos y procedimientos, instrumentos normativos o la búsqueda de sinergias en la estructura y entre socios.

La otra vicepresidencia, de Desarrollo Estratégico e Institucional, la asume Paco Flor, del Teatro Chapí de Villena, con responsabilidad en relaciones institucionales con el sector y en la proyección y representación exterior de La Red.

Pedro Blanco, del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, estará al frente de la Tesorería, mientras que la Secretaría recae en Olga Mojón, del Teatro Principal de Ourense.

Completan esta Junta Directiva, en calidad de vocales, Lorena Matute, del Instituto Canario de Desarrollo Cultural; Mª Ángeles García, del Consorcio Cultural Albacete; Lorena Benot, de Teatros de Cádiz y Festival Cádiz en Danza; Daniel Juste, del Teatro José María Rodero de Torrejón de Ardoz, y Toni Tarrida, del Mercat de les Flors.

La Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro ha abierto una nueva convocatoria de la Ayuda a la Producción 2026, en colaboración con la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, dirigida a compañías profesionales de artes escénicas con sede en la región.

El plazo de presentación de propuestas estará abierto del 23 de enero al 19 de febrero de 2026. Las compañías interesadas deberán remitir su candidatura en formato digital al correo electrónico convocatorias@festivaldealmagro.com, indicando en el asunto “Propuesta – Ayuda a la Producción” y adjuntando un dossier con la documentación exigida, según lo establecido en las bases de la convocatoria.

Un comité de selección será el encargado de elegir una única propuesta, cuyo estreno absoluto tendrá lugar en el marco de la 49ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que se celebrará en julio de 2026. La resolución se dará a conocer durante la primera quincena de marzo de 2026, si bien la ayuda podrá declararse desierta en caso de que ninguna candidatura cumpla los requisitos establecidos.

Entre los criterios de valoración figuran la adecuación al contexto del Festival, la calidad artística de la reinterpretación del repertorio clásico del Siglo de Oro, la accesibilidad del proyecto, su viabilidad de producción y la coherencia del caché solicitado.

Las propuestas deberán tener una duración mínima de 60 minutos y máxima de 90, estar basadas en textos dramáticos o no dramáticos del Siglo de Oro español —ya sea mediante puesta en escena directa, adaptación o relectura contemporánea— y contemplar su estreno absoluto en el Festival. Cada compañía podrá presentar una única propuesta.

Con esta iniciativa, el Festival de Almagro refuerza su compromiso con el impulso a la creación escénica contemporánea vinculada al patrimonio teatral del Siglo de Oro en Castilla-La Mancha.

+ Más info y bases

Como sabrás, el Real Decreto de Accesibilidad 193 / 2023 tiene plazos de entrada en vigor escalonados y, en lo que atañe específicamente a espacios escénicos de titularidad pública, enero de 2026 está marcado como el inicio de la plena aplicación de la norma, implicando cambios en la gestión de entradas, en la comunicación, en la accesibilidad web y, por supuesto, en la accesibilidad de los espacios y su programación. 

En los últimos años la Comisión de Inclusión de La Red ha venido informando de los detalles de esta normativa y elaborando material documental de carácter práctico sobre todas las implicaciones y ramificaciones de la aplicación de esta ley, un material que ofrecemos a ahora a todo el sector de las Artes Escénicas.

Infografía: cómo aplicar el Real Decreto 193 / 2023

Este documento, presentado en la cuarta Asamblea General de 2025, detalla de forma sencilla y rápida  las claves para aplicar el Real Decreto 193/2023 y hacer tu espacio escénico accesible.

+ Descargar

Folleto “Algunas cuestiones básicas sobre accesibilidad e inclusión (funciones accesibles)”

 
Una exposición breve y práctica sobre las herramientas disponibles hoy en día para hacer accesible una función escénica: bucle magnético, subtitulado interlingüístico, etc. 

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Documental “Habitar la escena”

 
Este material audiovisual, realizado en 2023, no trata sobre normativa, pero sí constituye una herramienta de divulgación muy interesante, además de un material inspirador sobre por qué es necesario trabajar para hacer los espacios (y la cultura) plenamente accesibles.

+ Acceder al material

Otro material de interés  

 
Guía de accesibilidad elaborada por ASSITEJ España-Artes Escémicas para la Infancia y la Juventud (+ descargar). Está destinada a compañías y funciones dirigidas a público infantil y juvenil, si bien su contenido también es aplicable a todos los ámbitos de las artes escénicas en general.

Documento resumen del Real Decreto 193 / 2023 centrado en los puntos que atañen a los espacios escénicos (+descargar). Elaborado por APTENT–Tecnología y Accesibilidad, este documento se facilitó ya en el boletín de Inclusión nº 16, distribuido el pasado 27 de noviembre.

Guía de accesibilidad para teatros, auditorios, espacios de exhibición y compañías coordinado por la Fundación Psico Ballet Maite León (+descargar). Un documento realizado en el marco del proyecto europeo On Stage.

El Circuito ASSITEJ–Artes escénicas para la infancia y la juventud es una iniciativa con alcance estatal que impulsa las artes escénicas dirigidas a niñas, niños y jóvenes, promoviendo programación de calidad y trabajo en red. 

El circuito tiene como objetivo ofrecer una programación escénica de calidad dirigida a infancia y juventud, proporcionar visibilidad, reconocimiento y fortalecimiento del sector y articular un trabajo en red de todos los implicados en todo el territorio nacional, además de iImpulsar la mediación en los espacios escénicos, como herramienta clave de accesibilidad e inclusión.

La convocatoria a creadores del Circuito ASSITEJ está abierta hasta el 11 de febrero. Es necesario registrarse en la web de ASSITEJ España.

Una vez registrados como usuarios, las compañías y artistas recibirán un correo electrónico de confirmación con el que podrán dar de alta el espectáculo que quieren presentar en la convocatoria.

En caso de que tengáis un usuario creado de ediciones anteriores, podréis entrar a vuestra cuenta y editar desde vuestro área de usuario los espectáculos presentados a ediciones anteriores o añadir nuevos y presentarlos. 

Se permite la presentación de un máximo de 2 espectáculos por compañía. Aquellas compañías y productoras que presenten más espectáculos, quedarán descartadas. 

 
Requisitos para participar como compañía:

–Ser una entidad de carácter profesional con personalidad jurídica para firmar contratos en España. 
–Contar con trayectoria profesional acreditada. 
–Adjuntar la documentación requerida en la convocatoria. 
–No se podrán presentar a esta convocatoria espectáculos que hayan formado parte de la edición anterior. 
–Para la valoración del espectáculo, es imprescindible disponer de un enlace a un vídeo completo del mismo. Solo se valorarán vídeos subidos a una plataforma de visualización en línea del espectáculo completo.
–Los derechos de autor del espectáculo no podrán superar el 10%. 
 
Proceso de selección

La selección de las compañías y espacios escénicos participantes en el Circuito comprende 3 fases: 

Presentación de las candidaturas de las compañías.
Las compañías que quieran optar a formar parte del Circuito ASSITEJ con uno de sus espectáculos deberán cumplimentar el formulario de la convocatoria que encontrarán en nuestra web.  

Selección de espectáculos por la comisión de valoración. Creación de un catálogo.
Durante esta fase, todos los espectáculos enviados a través de la plataforma serán estudiados por una comisión de valoración compuesta por programadores y profesionales del sector externos a ASSITEJ España. 

Resolución final y comunicación de los participantes en el Circuito ASSITEJ.
Una vez revisadas todas las candidaturas la comisión procederá a la resolución final, en la que se concretarán los proyectos que entrarán a formar parte de la próxima edición del Circuito ASSITEJ y la posterior comunicación y cierre de programación, en conjunto con los espacios escénicos y compañías seleccionadas. Esta comunicación se prevé que tendrá lugar en marzo de 2026. 

Eibar volverá a convertirse en un gran escenario cultural con la celebración de la 49ª edición de las Jornadas de Teatro, que tendrán lugar del 23 de enero al 27 de marzo. Con casi medio siglo de trayectoria, este festival es una de las citas culturales más consolidadas.

La programación de esta nueva edición se extenderá durante más de dos meses e incluirá propuestas para todos los públicos y en múltiples formatos escénicos. El público podrá disfrutar de teatro de calle, comedia, drama, tragicomedia, danza, clown, espectáculos infantiles y actividades paralelas de reflexión y encuentro. Además, las Jornadas combinan la presencia de grandes nombres de la escena estatal con compañías y artistas del entorno, apostando por el equilibrio entre proyección exterior y arraigo local.

El inicio del festival tendrá lugar los días 23 y 24 de enero con el teatro de calle Kalez-Kale / De Calle, de la mano de LEKIM Konpania. Estas representaciones se desarrollarán en distintos puntos de la ciudad y llevarán las artes escénicas al espacio público, apostando por un contacto directo entre intérpretes y ciudadanía y marcando el carácter abierto y participativo de la programación.

La programación de febrero comenzará el día 9 en el Teatro Coliseo Antzokia con la celebración del coloquio inaugural, que contará con la participación del actor Imanol Arias y estará presentado por la actriz eibarresa Irene Hernando. Al día siguiente, el 10 de febrero, el Coliseo acogerá la comedia “Mejor no decirlo”, protagonizada por Imanol Arias y María Barranco.

Las Jornadas continuarán el 11 de febrero con la obra “Kandida”. El 21 de febrero llegará “Casting Lear”, de Andrea Jiménez, mientras que el 22 de febrero, en Uni Eibar, se representará el drama “Contra Ana”. El día 24 de febrero se pondrá en escena “Nor naizen baneki” y el 26 de febrero “Dysphoria”, de Histrión Teatro. El 27 de febrero, Uni Eibar acogerá la comedia “El peor espectáculo del mundo”, y el 28 de febrero el público familiar podrá disfrutar en el Coliseo del espectáculo infantil “Hodei guztien gainetik”.

Durante el mes de marzo, las Jornadas de Teatro mantendrán una programación intensa y variada. El 1 de marzo se representará en Uni Eibar la comedia “Loreen hizkuntza”, seguida el 3 de marzo por “La barraca”. El 5 de marzo llegará “Hasta el último baile”, una propuesta que combina danza y tragicomedia. El 7 de marzo el público podrá disfrutar del espectáculo de clown “A la gloria con Gloria Fuertes” y del teatro de calle “Quimera”, con recorridos entre Untzaga y Errebal.

La programación continuará el 10 de marzo con la comedia “Kaka” y el 11 de marzo con “Antzerkia pantaietan”, festival de cortometrajes. El 14 de marzo llegará “Preguntamelón”, interpretada por Millán Salcedo, y el 15 de marzo, en Uni Eibar, se pondrá en escena “Kolapsoa”.

Las propuestas de tragicomedia seguirán con “52 hercios” el 17 de marzo y “El Dragón de Oro” el 18 de marzo.

El tramo final de las Jornadas incluirá “Jasón y las furias” el 21 de marzo y “Cantando bajo las balas” el 22 de marzo, en Uni Eibar. El 24 de marzo se representará “R&J”, una versión del Romeo y Julieta de Shakespeare que dirige María Goiricelaya. 

El 25 de marzo se pondrá en escena la propuesta de danza “Egin bedi zure nah-ia” y el 26 de marzo “Zanbuila”, una obra enmarcada en la programación a propósito de la celebración del Día de la Mujer, el 8 de marzo. El cierre del festival llegará el 27 de marzo con “El encargo”, interpretada por los actores eibarreses Maite Lorenzo, Ricardo Izaguirre y Juanma Cano, reafirmando el compromiso de las Jornadas con el talento local.

Imagen: “Mejor no decirlo”, Una producción de Pablo Kompel, 11T' ai Creaciones y Pentación Espectáculos.

La nueva temporada del Teatro Guiniguada arranca con la música como gran protagonista. El espacio escénico gestionado por el Gobierno de Canarias en Las Palmas de Gran Canaria acoge esta semana los conciertos de Guiguan Project junto al trompetista Markus Stockhausen y del cantautor Luis Quintana, dentro de una programación que combina propuestas musicales y teatrales para distintos públicos.

La agenda continuará con la versión en concierto de “Canarii”, de Olga Cerpa y Mestisay, y el estreno de “Arahal”, de la compañía Pieles, ambos incluidos en la programación En Paralelo del 42 Festival Internacional de Música de Canarias (FIMC). A ello se suman las propuestas escénicas “Libros cruzados”, de Delirium Teatro, y el espectáculo familiar “Rrrrr. Historia de una oruga”.

El viernes 16, dentro de la sección En Paralelo del FIMC, el Guiniguada recibe a Guiguan Project, trío formado por Javier Infante (guitarra), Alexis Lemes (timple) y Javier Colina (contrabajo), músicos con un sonido profundamente vinculado a las raíces isleñas. En esta ocasión estarán acompañados por el reconocido trompetista y compositor alemán Markus Stockhausen, una de las figuras más innovadoras del jazz europeo, con quien ofrecerán un concierto marcado por la improvisación y el diálogo artístico.

Al día siguiente, sábado 17, el escenario acogerá el concierto con el que Luis Quintana pone fin a su gira 30 años de canciones y teatros. El cantautor grancanario repasa tres décadas de trayectoriaen un formato de cuarteto, interpretando temas emblemáticos como Amarillo es mi color o La isla de mi vida, junto a composiciones más personales. Con cinco discos publicados y una intensa labor como impulsor de iniciativas culturales, Quintana propone un espectáculo cercano que combina emoción, humor y reflexión.

La programación musical continuará el martes 21 de enero con la versión en concierto de “Canarii”, un viaje sonoro a la identidad canaria de la mano de Olga Cerpa y Mestisay. En esta ocasión participarán el coro búlgaro Vanya Moneva y un destacado elenco de músicos de las islas, que ya formaron parte del estreno de la versión para ballet del espectáculo.

El jueves 22 será el turno del estreno de Arahal. “Un lugar donde descansar”, el nuevo trabajo de la compañía Pieles. Esta propuesta interdisciplinar, que gira también dentro del FIMC, combina percusión, voz, elementos naturales y silencio para construir un canto ancestral que conecta Canarias con el norte de África y la tradición sefardí, en una experiencia íntima y colectiva.

La programación escénica se completa el sábado 24 con “Libros cruzados”, de Delirium Teatro. Escrita por Antonio Tabares, la obra gira en torno a un ejemplar de Anna Karenina que pasa de mano en mano y provoca que tres mujeres se replanteen su vida a partir de su lectura.

Finalmente, el sábado 31 de enero, el teatro ofrece una propuesta dirigida al público familiar con “Rrrrr. Historia de una oruga”, de la compañía catalana Príncep Totilau. Se trata de un espectáculo de teatro gestual y danza, inspirado en la música de Chopin, interpretada en directo al piano, especialmente recomendado para niñas y niños de entre 3 y 6 años.

Imagen: “Un lugar donde descansar”, de la compañía Pieles.

La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública y la Dirección General de Artes Escénicas y Música convocan la sexta edición del Circuito Circo a Escena: arranca hoy lunes 12 de enero de 2026, con la apertura de la convocatoria para compañías. 
 
Podréis inscribir vuestros espectáculos hasta el jueves 12 de febrero de 2026, a las 12:00h. (horario peninsular), a través de vuestros perfiles profesionales en redescena.net. Cada compañía podrá presentar un máximo de dos propuestas cuyo caché individual no exceda los 8.000 euros + IVA.

+ Información completa en la web Circo a Escena

El objetivo de este programa es incrementar la presencia y visibilidad del circo, en todos sus formatos, en los espacios escénicos públicos. Puedes consultar toda la información actualizada de este circuito artístico en la web de Circo a Escena.

Requisitos

–Ser una compañía profesional de circo residente en España y estar en condiciones de cumplir con todos los requisitos en materia de contratación y seguridad en el trabajo.

–El caché de cada representación no podrá superar los 8.000 € + IVA. Este caché llevará incluidos todos los gastos derivados de la actuación, a excepción de la ficha técnica. 

–No podrán presentarse a la edición 2026 las compañías que hayan efectuado actuaciones en el Circuito Circo a Escena 2025.

Nota importante sobre la realización del circuito Circo a Escena en 2026

La realización del circuito queda supeditada a la firma del nuevo convenio entre La Red Española de Teatros y la Dirección General de Artes Escénicas y Música-DGAEM y su publicación en el Boletín Oficial del Estado. 

La Red Española y la DGAEM han estado trabajando a lo largo del pasado año para aterrizar el nuevo convenio marco con el que funcionará el circuito Circo a Escena. La novedad de este nuevo marco es que deja de depender de los Fondos Europeos Next Generation y garantizará la continuidad del circuito durante al menos cuatro ediciones más, concretamente hasta 2029. 

De aprobarse finalmente, las actuaciones de esta edición se extenderán en teatros y espacios escénicos asociados a La Red del 15 de mayo al 30 de junio y del 1 de septiembre al 30 de noviembre de 2026.

La Academia de las Artes Escénicas de España-AAEE celebró ayer en el Teatro Calderón de Valladolid la XI edición de la ceremonia de entrega de las Medallas de Oro y Distinciones de Honor de la institución, una cita que reconoció, entre otros, al Teatro y Artes de Calle (TAC) y al anterior director del Calderón, José María Viteri.

También recibieron la medalla de oro entidades como los Teatros del Canal y el Festival Dansa València (recogió el reconocimiento María José Mora, del Institut Valencià de Cultura), ambas entidades asociadas a La Red, además de: La Cubana, el Circo Rauly Legacy, el Grupo de Teatro La Tía Norica, Comuna 13 de Medellín (Colombia) y el Teatro Colón de Buenos Aires (Argentina), dirigido por Gerardo Grieco.

La gala la abrió el discurso de la presidenta de la Academia, Cayetana Guillén Cuervo. El actor vallisoletano Fernando Cayo fue el encargado de conducir la ceremonia de entrega de Medallas de Oro y Distinciones de Honor de la Academia de las Artes Escénicas de España, con la presencia del alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, además de la teniente alcalde, Irene Carvajal.

Al acto acudieron también la viceconsejera de Acción Cultural de la Junta, Mar Sancho, el secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí, y el vicepresidente de la Diputación de Valladolid, Víctor Alonso.

Jesús Julio Carnero fue precisamente el encargado de entregar la primera medalla de oro, al TAC, que recogieron Juan Herrero y Charo Arconada.

Además, este año la ceremonia rindió tributo a José María Viteri, vinculado durante más de veinte años al Teatro Calderón, con una de las distinciones de honor.

La AAEE entregó ayer quince medallas de oro. En la nómina de galardonados figuran profesionales como Belén Rueda, Carlos Hipólito, con casi 50 años de carrera escénica a sus espaldas, o la actriz Petra Martínez

Otros de los premiados fueron Daniel Martínez de Obregón,fundador y presidente del grupo Focus; José Carlos Martínez, director del Ballet de la Ópera de París desde 2022; y Rosalba Rolón, cabeza visible de una red de teatros que programan en español en Broadway.

El actor Héctor Alterio (Buenos Aires, 1929) ha fallecido este sábado a los 96 años. Héctor Alterio se subió a los escenarios siendo muy joven y en ellos ha continuado hasta el final de su vida, con la gira de su último espectáculo, “Una pequeña historia”, de tintes autobiográficos.

Nacido en Buenos Aires en 1929, Alterio debutó como actor en 1948, cuando protagonizó “Prohibido suicidarse en primavera”, obra escrita en 1937 por el dramaturgo Alejandro Casona.

Tras concluir sus estudios de Arte Dramático, fundó la compañía Nuevo Teatro, con la que trabajó por la renovación de la escena argentina durante la década de los 60.

Su fama como actor, sin embargo, le llegó a través del cine, donde debutó junto a Alfredo Mathé en “Todo sol es amargo” (1966) e intervino en algunas de las mejores películas de la nueva generación de cineastas argentinos, como Leopoldo Torre Nilsson.

Alterio se estableció en España en 1975, cuando tuvo que abandonar Argentina —había nacido en el seno de una familia de emigrantes napolitanos— por amenazas de muerte de la organización terrorista parapolicial ultraderechista Triple A.

De esta primera época destacan sus participaciones en los filmes “Cría cuervos” (1976), de Carlos Saura, “Pascual Duarte” (1976), de Ricardo Franco, y “Asignatura pendiente” (1977), de José Luis Garci.

En 2008, Argentina le reconoció con el Cóndor de Plata por su trayectoria cinematográfica.

Marta Monfort es desde ayer la nueva presidenta de La Red Española de Teatros. Monfort ha formado parte de diversas juntas directivas y actualmente participa en las comisiones de Inclusión y Mediación, Internacional y Creación Contemporánea.

La nueva presidenta sucede a Juan Herrero, de la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid, que ha ocupado la presidencia desde 2021.

Además de la elección de Marta Monfort como presidenta, se celebraron elecciones a integrantes de la Junta Directiva.

Así, la junta ha quedado conformada por:

– Lorena Benot, de Teatros de Cádiz y Festival Cádiz en Danza
– Toni Tarrida Llopart, del Mercat de les Flors
– Daniel Juste, del Teatro Jose María Rodero de Torrejón de Ardoz
– Olga Mojón Costela, del Teatro Principal de Ourense
– Pedro Blanco, del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida
– Mª Ángeles García Cabello, del Consorcio Cultural Albacete
– Paco Flor, del Teatro Chapí de Villena
– Lorena Matute, del Instituto Canario de Desarrollo Cultural
– Elisenda Farré, de Fira B!

La Asamblea General Extraordinaria y la cuarta Asamblea General de 2025 de ayer jueves, así como el Encuentro entre Asociados/as que celebramos el miércoles 10 de diciembre tuvieron lugar en el Museo das Peregrinacións y en el Teatro Principal de Santiago de Compostela. Las instituciones titulares de estos espacios son la Xunta de Galicia, a través de la Axencia Galega das Industrias Culturais, y el Concello de Santiago de Compostela.

El actor, productor y director teatral Adolfo Fernández falleció este viernes a los 67 años en su domicilio de Perales de Tajuña (Madrid) a causa de un cáncer. Nacido en Sevilla, se trasladó a Bilbao con solo cuatro años, donde creció y comenzó a formarse como intérprete.

Fernández alcanzó gran popularidad gracias a su participación en series de éxito como “Policías, en el corazón de la calle”, “Los 80” o “Águila Roja”. Con todo, él mismo se definía como un hombre de teatro. Dedicó buena parte de su carrera a impulsar proyectos escénicos comprometidos. En 2002 fundó su propia compañía, K Producciones, con la que desarrolló montajes de fuerte carácter social.

Su adaptación de “En la orilla”, basada en la novela de Rafael Chirbes, le valió un Premio Max y se convirtió en uno de los trabajos más aclamados de su trayectoria.

Recientemente, entre otras producciones teatrales, participó en la adaptación de “El nadador en aguas abiertas”, que giró por numerosos teatros del país.

Sección Radar

En este apartado visibilizamos espectáculos con elencos inclusivos y de impacto social que fomentan la diversidad y el pensamiento crítico.

– “La fi del món”, de Escenaris Especials
– “Grito, boda y sangre”, de Centro Dramático Nacional 
– “Atrapado en la esperanza”, de Teatro del Barrio, Freedom Theatare y Unavezenlavida
– “La vie secrete des vieux”, de Zirlib, con el Festival d'Automne de París
– “Treballs forçats”, de Teatre Lliure, Condeduque, Azkuna Zentroa Alhóndiga Bilbao y Ça marche 
– “El día que el hombre pisó la luna”, de Danza Móbile, Perros en Danza
– Blackface y otras verguenzas”, de Periferia Cimarronas?– “Perra cimarrona”, de La Santa

+ Descargar sección Radar

Asómate a “La ventana de inclusión y Mediación”

La Ventana de Inclusión y Mediación es un canal permanente de encuentro entre compañías y artistas vinculados a la inclusión social y las artes escénicas. A través de reuniones online con la Comisión de Inclusión y Mediación de La Red, se comparten proyectos, experiencias y reflexiones para fomentar la visibilidad y la colaboración.
Las compañías pueden inscribir sus espectáculos inclusivos y solicitar un encuentro en redescena.net en una convocatoria abierta todo el año.

Más información

Recursos

Guía de accesibilidad en artes escénicas para la infancia y la juventud

Guía teórica y práctica realizada entre Teatro Accesible y ASSITEJ España que tiene como propósito ser una primera referencia a compañías, espacios escénicos y profesionales de la cultura en el proceso para incorporar la accesibilidad en sus espectáculos dirigidos a infancia y juventud.

Más información

Descentralizando la creación cultural

En “Descentralizando la creación cultural”, siete entidades sociales que participan en el programa de Acerca Cultura–Madrid presentaron proyectos artísticos impulsados desde sus propios centros. Una mirada inspiradora a cómo el arte transforma comunidades, fomenta la colaboración y genera inclusión real.

Más información

Plan de Derechos Culturales 2025 / 2030

El Plan de Derechos Culturales desarrollado por el Ministerio de Cultura impulsa una nueva forma de entender la cultura: como un derecho humano y un bien común esencial para la democracia y el bienestar. Con 146 medidas, traza una hoja de ruta para garantizar la participación, la igualdad y la sostenibilidad del ecosistema cultural.

Más información

Real Decreto 193 / 2023: Recordamos qué obligaciones establece para los espacios escénicos

¿Cuáles son las obligaciones de los espacios escénicos en términos de accesibilidad? ¿Qué acciones prácticas deben realizar? ¿En qué afecta a la comunicación? Además de la lectura del Real Decreto, te facilitamos un resumen con las implicaciones de este Real Decreto que permite cambiar la forma en la que se programan las artes escénicas en España.

Más información

Pez en el desierto: una agencia de representación artística inclusiva

Pez en el desierto es una agencia de representación de artistas inclusiva de la Fundación Psico Ballet Maite León que impulsa la presencia de artistas con discapacidad en los escenarios. Una iniciativa que rompe barreras y demuestra que la diversidad funcional puede enriquecer el arte y transformar miradas.

Más información

Premios Lluís Carulla 2026 a proyectos o ideas transformadoras

Hasta el 13 de enero de 2026 está abierta la convocatoria para participar en el Premio Lluís Carulla, dirigido a proyectos culturales con potencial de transformar a la sociedad catalana. La dotación económica para los proyectos ganadores es de 100.000 €.

Más información

Proyectos destacados

Sinespacio Teatro

Compañía de teatro visual y mediación afincada en Madrid que fusiona arte, educación y participación social. A través del teatro de sombras, los objetos animados y la creación colectiva, promueven el diálogo, la innovación y nuevas formas de mirar la realidad, con proyectos desarrollados entre España y el Reino Unido.

Más información

Teatro de los Invisibles

Teatro de los Invisibles, fundada en 2017 por Zaida Alonso, mezcla teatro documental, autoficción y performance, convirtiendo en protagonistas a personas y colectivos “invisibles” en el relato público: personas con experiencias de salud mental, estigmas sociales o en los márgenes de la norma.

Más información

Cita

17ª Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas

Del 22 al 24 de abril de 2026
Tenerife

Tenerife acogerá la 17a edición de las Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas organizada por el INAEM y La Red Española de Teatros. Entre el 22 y el 24 de abril de 2026, se celebrará este encuentro que en esta edición estará centrado en los desplazamientos migratorios desde una mirada interseccional a través de las artes escénicas y la música.

Más información

Quienes participaron en la edición anterior deberán acceder al formulario mediante su usuario en la web, recuperando la contraseña si fuera necesario. Las personas que soliciten acreditación por primera vez deberán completar el formulario de nueva solicitud.

+ En este enlace se puede acceder a la inscripción online para ambas circunstancias

Las cuotas para esta edición se establecen en 55 euros para compañías y distribuidoras con menos de cinco compañías en cartera, 25 euros para compañías adheridas a ARTEMAD y gratuidad para programadores, ferias, festivales, distribuidoras con cinco o más compañías, compañías socias de ARTEMAD, otros perfiles profesionales y prensa especializada.

La participación se limita a una persona por entidad, aunque las solicitudes adicionales podrán valorarse una vez finalizado el plazo de inscripción y según la disponibilidad.

MADferia no cubrirá los gastos de transporte, dietas, materiales o alojamiento de las segundas acreditaciones, que deberán abonar la cuota correspondiente.

La feria da prioridad a programadores, ferias, festivales, instituciones públicas y entidades con líneas de trabajo afines a su programación. Aun así, la aceptación no está garantizada debido al elevado volumen de solicitudes.

Los próximos días 19 y 20 de noviembre La Red celebra en el Teatro Circo Price un encuentro en torno al estudio “Radiografía de las Redes y Circuitos de Espacios Escénicos Públicos en España” que está siendo llevado a cabo por el Departamento de Sociología y Trabajo Social de la Universidad de Valladolid, bajo la dirección de Francisco Javier Gómez González, Profesor Doctor del Departamento.

La primera publicación con este título se lanzó en 2010. Por aquel entonces, constituyó la primera investigación que abordaba la realidad, el contexto y las dinámicas de funcionamiento asumidas por las redes y circuitos escénicos de nuestro país. Aquel trabajo supuso un ambicioso esfuerzo para recoger la aportación del modelo de Circuitos y Redes al sistema de exhibición teatral público español, un modelo que ha permitido llevar las artes escénicas a muchos municipios de pequeño, mediano y gran tamaño de nuestro país.

Así, durante dos jornadas, el 19 y 20 de noviembre, representantes de redes y circuitos asociados a La Red participarán en un encuentro con el responsable del estudio, Javier Gómez, con el que trabajarán sobre diversos aspectos del estudio con el fin de elaborar el documento definitivo y preparar las conclusiones. 

A la sesión vespertina del 19 de noviembre acudirán, además, representantes del sector: ADGAE, CircoRed, FECED y FAETEDA.

En la sesión del 20 de noviembre se avanzará en la concreción de conclusiones del “Estudio sobre Redes y Circuitos de Espacios Escénicos Públicos en España”.

El encuentro concluirá con una sesión explicativa sobre el uso del área privada de la web redescena.net y cómo las redes y circuitos asociados pueden sacarle el máximo partido.

En la imagen, Francisco Javier Gómez González, Profesor Doctor del Departamento de Sociología y Trabajo Social de la Universidad de Valladolid durante la presentación del estudio en Mercartes, el 23 de octubre.

IN SITU PLATFORM, red europea y think tank para la creación artística en el espacio público lanza convocatoria para artista emergentes de toda Europa que quieran mostrar sus propuesta a mediados de 2027.

La convocatoria está dirigida a artistas emergentes (emergencia entendida desde la estética, geográfica y generacional). Se seleccionarán 60 artistas de toda Europa para que muestren sus trabajos al público a mediados de 2027.

El objetivo es “relanzar una nueva generación de artistas europeos interesados en las artes de calle”. La convocatoria ofrece contenidos online para conocer la producción artística relacionada con las artes en el espacio público, Intercambios peer-to-peer con artistas experimentados de IN SITU y un Laboratorio inmersivo con oportunidades de networking.?

De los 60 artistas seleccionados se realizará una segunda “criba” para seleccionar entre 5 y 10 artistas, de los que se coproducirá la pieza y será exhibida en Kosovo en verano de 2027.
 
El plazo para la presentación de solicitudes termina el 16 de diciembre de 2025

El equipo de coordinación de IN SITU organiza sesiones de información online para explicar el funcionamiento de PLATFORM y los objetivos de la convocatoria.

Tienes dos sesiones.

- Jueves 13 Noviembre 2025

- Martes 25 Noviembre 2025

Tenéis más información en la web de FiraTàrrega, la única organización española que forma parte de IN SITU PLATFORM, un consorcio internacional formado por una entidad de coordinación y socios de 21 países de Europa y más allá: Austria, Bélgica, República Checa, Polonia, Dinamarca, Francia, Alemania, Grecia, Hungría, Italia, Kosovo , Países Bajos, Noruega, Portugal, España, Túnez pero también Reino Unido, EE.UU., Burkina Faso, Corea del Sur y Chile.

El British Council y La Red Española de Teatros presentan una nueva edición de Open Theatres, una serie de tres webinars sobre buenas prácticas en el sector británico de las Artes Escénicas.

Puedes inscribirte a través de este formulario.

En la primera edición de Open Theatres, en 2024, se abordaron temas como los retos de diversidad e inclusión en el sector teatral británico, las medidas que se están implementando para hacer el mundo del espectáculo más sostenible y el papel de la comunidad local en estos procesos. 

En esta ocasión, contaremos nuevamente con la participación de expertos y profesionales del sector teatral británico para tratar algunos de los temas que actualmente generan mayor interés:

–Sesión 1 / Lunes 17 de noviembre
“Modelos de gestión renovados: liderazgo compartido e iniciativas centradas en involucrar a los jóvenes en la toma de decisiones”

– Sesión 2 / Lunes 24 de noviembre
“Cómo registrar el impacto de lo que hacemos: por qué lo hacemos y para qué sirve”

– Sesión 3 / Lunes 1 de diciembre
“Sostenibilidad en el sector teatral británico: mejores prácticas y acciones concretas, con especial atención a las herramientas proporcionadas por el Theatre Green Book”

Los encuentros se realizarán en inglés, con traducción simultánea al castellano. La asistencia será gratuita previa inscripción.

Ponentes

James Mackenzie-Blackman es el director general y director artístico del Theatre Royal Plymouth. En 2017, James fue nombrado director general de Eden Court, el mayor recinto artístico de Escocia en un solo emplazamiento, y durante su gestión guio a la institución a través de un periodo de notable crecimiento y transformación.

Evan Dawson es el CEO de National Youth Arts Wales. Es hablante de galés, abogado titulado y posee un máster en Gestión cultural. Anteriormente fue director ejecutivo de Live Music Now y de la Royal Photographic Society, con las que obtuvo varios premios. Ha publicado investigaciones influyentes sobre el impacto de la participación en las artes en el desarrollo, la salud y el bienestar, y ha intervenido en la Asamblea de Gales, la Cámara de los Lores y en congresos internacionales.

Mason Edwards es asistente de producción en National Youth Arts Wales. También dirige Change Makers, un programa de NYAW que reúne a jóvenes de todo Gales con valiosas experiencias de vida individuales para influir y asesorar a la institución mientras ésta define sus procesos, políticas y visión de futuro.

Rebecca Gould es gerente de relaciones sénior a tiempo parcial en el equipo de Teatro y Danza del British Council en Londres. Durante los siete años anteriores fue directora de artes del British Council en Gales, periodo en el que pasó 18 meses en comisión de servicio en el Barbican Arts Centre de Londres, donde lideró un nuevo departamento, Barbican Futures, y seis meses como directora interina del British Council Gales.

Kirsty Lothian es la asesora principal de monitoreo, aprendizaje y evaluación, Artes del British Council. Actualmente, está creando un sistema de monitoreo que permitirá al British Council recopilar mejor el impacto de su programa global de artes.

Paddy Dillon es director de Renew Culture y, en 2020, cofundó la iniciativa Theatre Green Book para ayudar a los creadores del sector teatral a avanzar hacia un futuro sostenible para el teatro.

Raquel Castells es la Coordinadora de la implementación del Theatre Green Book en el Teatro Arriaga, donde ha liderado su integración desde 2023. Como consultora externa, ejerce como responsable de Internacionalización y Campeona de Sostenibilidad del teatro, diseñando estrategias que aumentan la visibilidad cultural mientras incorporan prácticas sostenibles en toda la institución.

Gemma Swallow lideró la agenda ecológica del National Theatre of Scotland, donde trabajó durante 12 años. Es una firme promotora del UK Theatre Green Book y dedica gran parte de su tiempo a fomentar prácticas ambientalmente sostenibles en el teatro, construir redes y compartir su experiencia para inspirar el cambio dentro de la industria.

Angela Buckley es coordinadora de eventos y del Greenbook en el Chichester Festival Theatre, donde apoya el intenso programa estacional promoviendo prácticas sostenibles a través del Theatre Greenbook.

La tercera edición del ciclo “Invisibles” de Rivas Vaciamadrid reúne distintas expresiones artísticas y actividades para abordar la vivienda como asunto social y urbano. El enfoque busca sensibilizar y poner en debate las condiciones del hábitat desde diferentes perspectivas culturales.

La programación incluye las obras de teatro “Teo encadenado” y “Lavapiés” y la lectura dramatizada “Relatos de ciudad”. Estas piezas abordan, desde la escena y la palabra, cuestiones vinculadas a la vivienda y la convivencia urbana, como los desahucios.

El formato escénico pretende acercar al público realidades y conflictos que afectan al acceso a un techo digno. La presencia de distintos géneros permite combinar el entretenimiento con la reflexión social.

El ciclo incorpora además una visita a la Casa de la Arquitectura como complemento a las actividades escénicas. Este espacio aporta una dimensión práctica y reflexiva sobre cómo la arquitectura condiciona la calidad de la vivienda. La visita facilita el diálogo entre lo artístico y lo profesional en torno a soluciones y problemáticas habitacionales.

El ciclo arranca este jueves 13 de noviembre con “Relatos de Ciudad”, en el Edificio Atrio de Rivas, un proyecto de teatro documental protagonizado por vecinas y vecinos de Rivas, que han contado con el acompañamiento y guía de la compañía Cross Border Project, cuya fundadora es la dramaturga Lucía Miranda. Se trata de una creación colectiva: tras la recopilación de testimonios de habitantes del municipio mediante entrevistas, el grupo creativo ha escrito un texto teatral, del que el actor ripense Bernabé Fernández realiza una lectura dramatizada.

En este laboratorio de teatro documental han participado 20 vecinos de Rivas de entre 49 y 77 años. Durante nueve sesiones en los últimos dos meses, han investigado sobre la identidad y el territorio de la localidad, creando un texto teatral que comparte las vivencias de la comunidad.

La 27 edición de los “Encuentros Te Veo” se celebra del 10 al 16 de noviembre en el Teatro Calderón de Valladolid y en otros espacios culturales de Castilla y León, con más de 40 propuestas escénicas, formativas y profesionales bajo el título “Teatro de Títeres y Objetos. Homenajeando a los Titiriteros de Binéfar”.

La cita rendirá homenaje a esta compañía aragonesa, Titiriteros de Binéfar, por sus 50 años de trayectoria.

Los Encuentros estrenarán las Píldoras TE VEO, espacios de intercambio y reflexión para profesionales del sector, y presentarán junto a Ediciones Atígona el sello “TE VEO en los libros”, que reunirá obras dramáticas contemporáneas para la infancia y la juventud, con el fin de conservar y difundir la creación teatral dirigida al público más joven.

El programa incluirá también representaciones escolares y familiares a cargo de trece compañías nacionales e internacionales, talleres en colaboración con la Universidad de Valladolid y la Escuela Profesional de Danza, y encuentros con creadores de España, Italia y Latinoamérica.
 
Con el fin de promover el conocimiento sobre las artes escénicas para la infancia y la juventud, los 27° Encuentros TE VEO mantienen y amplían sus colaboraciones con entidades y organizaciones del ámbito cultural. En este escenario se enmarcan los talleres “La danza como herramienta transformadora”, dirigido al alumnado de la Escuela Profesional de Danza de Castilla y León y de la Universidad de Valladolid e impartido por Omar Meza, de DA.TE Danza (12 de noviembre a las 16h), y “A un metro desde el suelo”, centrado en la creación para la infancia y conducido por Julia Ruiz Carazo para alumnos de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León (14 de noviembre a las 16h).

Asimismo, la colaboración con la Academia de las Artes Escénicas de España acercará a Valladolid al dramaturgo y poeta Alberto Conejero, padrino de esta nueva edición de los Encuentros, quien además el 15 de noviembre a las 10h impartirá el taller intensivo para profesionales (previa inscripción) “Dramaturgia para la escena”.

Ya por la tarde, Conejero y el director artístico del Teatro Calderón, José María Esbec, acompañados por la presidenta de TE VEO, protagonizarán la mesa de reflexión “Cruce de miradas”, en la que hablarán sobre programaciones, residencias, temáticas, coproducciones, festivales y programas como Platea y Audaces.

Un total de 13 compañías acercará a escolares de distintos centros y edades sus propuestas, caracterizadas por la calidad y por su diversidad temática. La programación del Teatro Calderón arrancará el martes 11 de noviembre a las 10h con “La gota aventurera” de Teatro Arbolé (en la imagen), que narra el viaje natural y poético de una gota, y continuará a las 11h con “Sé tortuga”, de Xip Xap Teatre, un trabajo sobre la importancia de vivir y disfrutar de las cosas con tranquilidad, y a las 12h con “Tierra mía”, de Pata Teatro, una comedia sobre el poder de lo que une a las personas.

Hasta el 15 de enero las compañías y artistas pueden presentar sus propuestas artísticas inspiradas o que pongan en escena, fundamentalmente, textos de los siglos XVI y XVII, para formar parte de la programación de la 49ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, 2026.

Las propuestas deben presentarse de forma online, a través de un formulario para las tres convocatorias, Oficial, Barroco Infantil y Almagro Off, que se encuentran en la página web del festival.

Las propuestas serán evaluadas por la dirección artística del Festival, en el caso de la Convocatoria Oficial, y por los Comités de Selección en caso de los Certámenes Almagro Off y Barroco Infantil.

El Festival de Artes Escénicas de la Comunidad de Madrid en Alcalá de Henares–Clásicos en Alcalá a abre la convocatoria para participar en la programación de su XXV edición, que se celebrará en verano de 2026.

El formulario de registro estará disponible en la web del Festival hasta el 2 de diciembre de 2025 a las 14.00h hora peninsular.

El proceso de inscripción está abierto a compañías de cualquier nacionalidad que presenten propuestas dirigidas a la “difusión de autores y textos escritos en español entre 1492 y 1659” y que contempla también dramaturgias contemporáneas con este periodo como fuente de inspiración.

La convocatoria valorará especialmente la participación en el proyecto de instituciones, compañías, coproductores y/o miembros del equipo artístico hispanoamericanos.

La elección de propuestas estará a cargo de la dirección del Festival, que busca diseñar una programación multidisciplinar: teatro, circo, danza, música, artes escénicas de calle, folclore...

La resolución de la convocatoria se comunicacrá antes del 17 de febrero.

La programación se hará pública oficialmente en el segundo trimestre de 2026.

El pasado jueves 23 de octubre presentamos en la Sala Polivalente de Mercartes 2025 la que podríamos denominar “segunda edición” del “Estudio sobre Redes y Circuitos de Espacios Escénicos Públicos en España”. La primera publicación con este título se lanzó en 2010. Por aquel entonces, fue la primera investigación que abordaba la realidad, el contexto y las dinámicas de funcionamiento asumidas por las redes y circuitos escénicos de nuestro país.

Aquel trabajo supuso un ambicioso esfuerzo para recoger la aportación del modelo de Circuitos y Redes al sistema de exhibición teatral público español, un modelo que ha permitido llevar las artes escénicas a muchos municipios de pequeño, mediano y gran tamaño de nuestro país.

Quince años después, ¿qué ha ocurrido con este modelo?

El grupo de trabajo para dar continuidad a este estudio ha estado coordinado por M. Ángeles Albacete, integrante de la Junta Directiva de La Red y de nuestra Comisión de Redes y Circuitos, quien, durante la presentación de esta iniciativa en Mercartes 2025, estuvo acompañada por el presidente de La Red, Juan Herrero.

Una vez más, el estudio ha sido llevado a cabo por el Departamento de Sociología y Trabajo Social de la Universidad de Valladolid, bajo la dirección de Francisco Javier Gómez González, Profesor Doctor del Departamento, quien presentó al público profesional un avance de los resultados y conclusiones finales del estudio, que se presentarán a finales de este año, ya que el equipo de investigación sigue aún procesando y analizando los resultados.

Este estudio recoge una extensa información del funcionamiento, características, procesos, inversión en programación, inversión por habitante, tipo de programación, etc., de las principales redes y circuitos de nuestro país.

El estudio estará a disponibilidad de todo el sector a finales de 2025 en nuestra web, redescena.net