El Día Mundial del Teatro 2026 se celebrará el próximo viernes 27 de marzo. Este año el mensaje oficial corre a cargo del actor estadounidense y director artístico de la Bienal de Teatro de Venecia Willem Dafoe.

La celebración del Día Mundial del Teatro es una iniciativa impulsada por el Instituto Internacional del Teatro (ITI).

Uno de los actos más importantes de la celebración es la circulación de Mensaje del Día Mundial del Teatro, donde figuras de renombre internacional son invitadas por el ITI para compartir sus pensamientos sobre el teatro y la cultura de paz.

En el mensaje de este año, Willem Dafoe reflexiona sobre el poder transformador del teatro y de las relaciones interpersonales por encima de la espiral de tecnologización.

El primer mensaje del Día mundial del Teatro fue escrito por Jean Cocteau en 1962. 

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2026

A cargo de Willem Dafoe

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Soy un actor conocido principalmente como actor de cine. Pero mis raíces están profundamente en el teatro. Fui miembro del Wooster Group desde 1977 hasta 2003, creando e interpretando piezas originales en The Performing Garage en Nueva York y de gira por todo el mundo. También he trabajado con Richard Foreman, Robert Wilson y Romeo Castellucci. Ahora soy el Director Artístico de la Bienal de Teatro de Venecia. Este nombramiento, los acontecimientos en el mundo y mi deseo de regresar al trabajo teatral han reforzado profundamente mi creencia en el poder positivo único del teatro y su importancia.

En los humildes comienzos de mi etapa en The Wooster Group, la compañía teatral con sede en Nueva York, a menudo teníamos muy poco público en algunas de nuestras funciones. Muchas veces la regla era que, si había más intérpretes que espectadores, podíamos decidir cancelar. Pero nunca lo hicimos. Muchos de los miembros de la compañía no estaban formados en teatro, sino que provenían de distintas disciplinas y se reunían para hacer teatro; por eso, “el espectáculo debe continuar” no era realmente nuestro lema y, sin embargo, sentíamos la obligación de mantener nuestro encuentro con el público.

También ensayábamos a menudo durante el día y por la noche mostrábamos el material como un trabajo en proceso. A veces pasábamos años trabajando en un espectáculo, manteniéndonos gracias a las giras de producciones anteriores. Trabajar durante años en una pieza a menudo se volvía tedioso para mí, y encontraba los ensayos algo difíciles, pero estas presentaciones de trabajos en proceso siempre eran emocionantes, incluso si el reducido público era un juicio contundente sobre el nivel de interés que despertaba lo que estábamos haciendo. Esto me hizo comprender que, sin importar cuántas personas haya, el público como testigo es lo que da sentido y vida al teatro.

Como dice el cartel en una sala de apuestas: “DEBES ESTAR PRESENTE PARA GANAR”. La experiencia compartida en tiempo real de un acto de creación, que puede estar estructurado y diseñado pero que siempre es diferente, es sin duda la gran fortaleza del teatro. Social y políticamente, el teatro nunca ha sido tan importante y vital para nuestra comprensión de nosotros mismos y del mundo.

El “elefante en la habitación” son las nuevas tecnologías y las redes sociales, que prometen conexión pero aparentemente han fragmentado y aislado a las personas entre sí. Yo uso el ordenador a diario, aunque no tenga redes sociales; incluso me he buscado en Google como actor y también he consultado la inteligencia artificial para obtener información. Pero hay que estar ciego para no reconocer que el contacto humano corre el riesgo de ser reemplazado por relaciones con dispositivos. Aunque cierta tecnología puede servirnos bien, el problema de no saber quién está al otro lado del círculo de comunicación es profundo y contribuye a una crisis de la verdad y de la realidad. Aunque internet puede plantear preguntas, muy pocas veces logra captar ese sentido de asombro que crea el teatro. Un asombro basado en la atención, el compromiso y una comunidad espontánea de quienes están presentes en un círculo de acción y respuesta.

Como actor y creador teatral, sigo creyendo en el poder del teatro. En un mundo que parece volverse más fragmentado, controlador y violento, nuestro desafío como creadores teatrales es evitar la corrupción del teatro como una empresa meramente comercial dedicada al entretenimiento por distracción, o como un mero instrumento institucional para conservar tradiciones; en cambio debemos fomentar su capacidad para conectar a personas, comunidades y culturas, y sobre todo para cuestionar hacia dónde vamos…

El gran teatro consiste en desafiar nuestra manera de pensar y en animarnos a imaginar aquello a lo que aspiramos.

Somos animales sociales y estamos biológicamente diseñados para relacionarnos con el mundo. Cada órgano sensorial es una puerta de entrada al encuentro, y a través de este encuentro logramos una mayor definición de quiénes somos. A través de la narración, la estética, el lenguaje, el movimiento y la escenografía, el teatro como forma de arte total puede hacernos ver lo que fue, lo que es y lo que nuestro mundo podría ser.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida celebrará su 72ª edición del 3 de julio al 30 de agosto de 2026 con una programación que reunirá 35 espectáculos y más de 150 funciones repartidas entre distintos espacios escénicos. El Teatro Romano y el Teatro María Luisa volverán a ser las principales sedes, a las que se suman extensiones en Madrid, Medellín, Cáparra y Regina.

La cita contará con la participación de numerosos intérpretes conocidos como Fernando Tejero, Lydia Bosch, Pepe Viyuela, Toni Acosta o Carlos Hipólito, entre otros. Además, el festival refuerza su carácter internacional con propuestas procedentes de otros países, como la portuguesa “A Paz”.

El Teatro Romano de Mérida acogerá nueve producciones, todas ellas estrenos absolutos, que abarcan distintos géneros como la tragedia, la comedia, la danza o el musical. La inauguración correrá a cargo de "Spartacus", del Düsseldorf Ballet Theater. A lo largo de julio y agosto se sucederán montajes como "Electra Jonda", "Timón de Atenas", "Bacanal", "La comedia de la olla", "Cómicos de Roma", "Fedra en los infiernos" y "El viaje de Edipo". El cierre del festival llegará con "Las 9 musas", un espectáculo musical de producción extremeña.

Por su parte, el Teatro María Luisa ofrecerá siete propuestas de diversos lenguajes escénicos, entre ellas "Penélope", "Medea", "Prometeo" y "Antígona", junto a la ya mencionada "A Paz", procedente de Portugal.

El festival ampliará su alcance con sus tradicionales extensiones. Madrid acogerá una programación especialmente amplia entre junio y julio, mientras que Cáparra regresará al circuito tras un año de ausencia con seis espectáculos. También habrá actividades en Medellín y Regina.

Además de la programación escénica, la cita incluirá una intensa agenda paralela con talleres, cursos, exposiciones, pasacalles y ciclos de cine. Entre las novedades de esta edición destacan la creación del Premio Odiseo y Penélope para textos teatrales inéditos de temática grecolatina y nuevas iniciativas formativas.

El Comisionado de España en Libertad | 50 años, un organismo dependiente del Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática, y La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuito y Festivales de titularidad pública ponen en marcha el “Circuito de Artes Escénicas España en Libertad. 50 años”, con el objetivo de fomentar en la programación escénica en todo el país la visibilidad de la memoria histórica y de los valores democráticos y de libertad, en el marco del aniversario de la instauración de la democracia en España.

Desde hoy mismo se abre una convocatoria dirigida a compañías y artistas para seleccionar propuestas escénicas (puedes ampliar aquí la información) que aborden temas relacionados con:

– El derecho a conocer la verdad histórica sobre la violencia y represión del franquismo, así como la resistencia democrática de sus víctimas.
– La promoción de la cohesión y solidaridad entre generaciones en torno a los valores constitucionales, derechos y libertades.
– El reconocimiento del desarrollo de la democracia en España desde el final de la dictadura hasta convertirse en un estado moderno que consolida los derechos ciudadanos.
– El reconocimiento y puesta en valor de la diversidad territorial, cultural y lingüística del país, atendiendo a las distintas realidades que conforman el Estado y a su aportación a la convivencia democrática.

Podréis inscribir vuestros espectáculos hasta el martes 31 de marzo de 2026, a las 12:00h. (horario peninsular), a través de vuestros perfiles profesionales en redescena.net. 

Cada compañía podrá presentar un máximo de dos propuestas cuyo caché individual esté comprendido entre los 1.500 euros y los 18.000 euros + IVA.

 
La realización del circuito queda supeditado a la concesión por parte del Comisionado España en libertad | 50 años de la financiación destinada a este fin.
 
El calendario de realización de las funciones que formen parte del circuito será del 1 de septiembre de 2026 al 30 de junio de 2027, ambos incluidos. 

El mundo de la cultura española despedía ayer en Madrid, ciudad en la que se instaló la capilla ardiente, a Gemma Cuervo, una de las actrices más queridas y respetadas de la escena nacional, cuya trayectoria dejó una huella imborrable especialmente en el ámbito del teatro. Con una carrera que abarcó más de seis décadas, Cuervo fue una figura fundamental para entender la evolución de la interpretación teatral en España desde la segunda mitad del siglo XX.

Nacida en Barcelona, Gemma Cuervo encontró en los escenarios su verdadero hogar artístico. Aunque el gran público la conoció por sus trabajos en televisión y cine, fue sobre las tablas donde desarrolló gran parte de su talento y donde construyó un legado interpretativo de enorme prestigio. Su presencia escénica, su precisión en el trabajo con el texto y su capacidad para transitar entre la comedia y el drama la convirtieron en una actriz imprescindible para varias generaciones de espectadores.

A lo largo de su carrera participó en más de un centenar de montajes teatrales y trabajó con algunos de los textos más relevantes del repertorio clásico y contemporáneo. Debutó profesionalmente en los años cincuenta con la obra “Harvey”, dirigida por Adolfo Marsillach, y durante los años sesenta formó parte de compañías que llevaron a escena títulos como “El avaro” de Molière, “Un soñador para un pueblo” de Antonio Buero Vallejo, “A puerta cerrada” de Jean-Paul Sartre o “En Flandes se ha puesto el sol” de Eduardo Marquina.

Posteriormente, junto a su marido, el actor Fernando Guillén, fundó su propia compañía teatral, con la que apostó por dramaturgia moderna e internacional. En aquellos años interpretó obras como “El malentendido” de Albert Camus, “Los secuestrados de Altona” de Sartre o “Todo en el jardín” de Edward Albee, consolidando una trayectoria marcada por el compromiso artístico y la renovación del panorama teatral español.

Entre los títulos más recordados de su carrera escénica figuran también “Los hijos de Kennedy”, “La herida del tiempo”, “Bodas de sangre”, “La importancia de llamarse Ernesto”, “¡Hay motín, compañeras!” o “Sones de almendra amarga”. En una etapa más reciente regresó a los escenarios con el clásico “La Celestina”, uno de los personajes más complejos de la literatura española, al que dio vida en 2012 con gran reconocimiento de crítica y público.

Compañeros de profesión destacan de Cuervo su disciplina, su generosidad en escena y su capacidad para sostener personajes complejos con naturalidad y profundidad emocional. Para muchos actores jóvenes, fue también una maestra informal del oficio, un referente de profesionalidad y amor por el teatro.

Aunque en las últimas décadas su popularidad creció gracias a la televisión, Gemma Cuervo nunca se desligó del teatro, al que siempre consideró su verdadera vocación. Incluso en etapas avanzadas de su carrera continuó vinculada al mundo escénico, defendiendo la importancia del teatro como espacio de encuentro cultural y humano.

Con su fallecimiento desaparece una de las grandes voces de la interpretación española.

Desde este mismo jueves 12 de marzo está disponible el programa completo (+ consúltalo aquí) de las 17ª Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas, que se celebran en Tenerife del 22 al 24 de abril.

También desde hoy mismo y hasta el 9 de abril se puede formalizar la reserva de plaza en los espacios paralelos y/o de aforo limitado. Para ello, una vez rellenado el formulario de inscripción, la organización enviará a los inscritos un segundo formulario para diseñar su itinerario y reservar plaza en las actividades con aforo limitado.

Te recordamos que la inscripción de carácter general está abierta desde el pasado 16 de febrero.

Sobre las Jornadas de Inclusión 2026

Desde una perspectiva interseccional, bajo el lema “Desplazamientos” y teniendo como marco el desarrollo de los Derechos Culturales, las Jornadas abordarán la complejidad de la temática de los desplazamientos y las migraciones con rigor, sensibilidad y perspectiva, vinculándola con las artes escénicas y la música.

Las Jornadas contarán con cinco espectáculos destacados en los que personas y colectivos desplazados de sus lugares de origen asumen el protagonismo y con espacios para compartir pensamientos y acciones titulados Del ensayo al acto.

La participación activa del sector de las artes escénicas se canaliza a través de los apartados En el foco (antes Comunicaciones), donde seis proyectos seleccionados presentan sus proyectos relacionados con la temática de las Jornadas, y Mentorías, un espacio reducido donde reconocidos agentes del sector se reunirán con los proyectos seleccionados para asesorarlos de forma personalizada.

Las Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas, lideradas por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas-INAEM junto al Cabildo de Tenerife y su Auditorio, cuenta con la colaboración del Gobierno de Canarias y la Red Española de Teatros en calidad de coorganizadores.

La compañía leridana La Baldufa ha culminado el proceso de creación de “Fantasmes de Guerra” (“Fantasmas de Guerra”), una nueva producción escénica centrada en la memoria histórica y concebida para un público intergeneracional. El proyecto se ha construido a partir de una investigación prolongada y de un proceso participativo con el territorio, impulsado por el Consorcio Transversal, Xarxa d’Activitats Culturals, que agrupa a diez ciudades de tamaño medio de Cataluña.

El punto de partida del espectáculo se encuentra en el libro “Érem Feres”, del historiador Oriol Riart, que recoge diarios reales de combatientes de la Guerra Civil Española (1936-1939). A partir de estos testimonios, la compañía ha llevado a escena una historia de ficción que sigue la trayectoria de tres amigos inseparables cuya relación se ve truncada por el estallido del conflicto.

La obra aborda la Guerra Civil desde una perspectiva que combina el humor con la reflexión, poniendo el foco en la amistad, la reconciliación y el absurdo de la guerra. Bajo la premisa de hacer teatro para todos los públicos, la propuesta invita especialmente a niños, jóvenes y adultos a compartir una experiencia escénica que interpela sobre el perdón y los fantasmas del pasado.

La dirección del montaje ha estado a cargo de Lucía Miranda, cuya mirada externa ha acompañado el proceso creativo de la compañía. El proceso creativo ha incluido residencias artísticas y periodos de trabajo en varios teatros, orientados a profundizar en la creación y reforzar los vínculos con el territorio.

El espectáculo se estrenó en la Fira Mediterrània de Manresa en 2025 y se acompaña de un amplio programa de mediación cultural. Estas acciones, dirigidas especialmente al público joven, exploran la relación entre teatro y memoria histórica mediante actividades paralelas a las funciones.

El trabajo de mediación comenzó en noviembre de 2025 en Sant Cugat del Vallès y continuó en febrero en Granollers, Reus y Figueres. Próximamente, el proyecto hará parada en Olot (1, 2 y 3 de marzo), Vilanova i la Geltrú (15 de marzo), Girona (22 y 23 de marzo), Manresa (11 de abril), Mataró (19 de abril) y Tortosa (noviembre).

+ Este proceso se ha compendiado en una publicación (+descargar)

Estas actividades han sido desarrolladas por el Consorcio Transversal, Xarxa d’Activitats Culturals, un consorcio público que agrupa diez ciudades de tamaño medio de Cataluña para colaborar en el ámbito cultural. Su objetivo es promover y optimizar iniciativas culturales, apoyar nuevas propuestas en disciplinas como las artes visuales, escénicas, musicales o literarias, e incentivar el intercambio y la cooperación entre municipios.

En el marco de este proyecto participan los siguientes equipamientos teatrales: el Teatre Municipal El Jardí (Figueres), el Teatre Principal d’Olot, el Teatre Principal de Vilanova i la Geltrú, el Teatre Kursaal, el Teatre Monumental de Mataró, el Auditori Felip Pedrell (Tortosa), el Teatre Auditori Emma Vilarasau (Sant Cugat), el Teatre Auditori de Granollers, el Teatre Fortuny (Reus) y el Teatre Municipal de Girona, estos cuatro últimos, espacios asociados a La Red.

Desde hoy mismo, lunes 2 de marzo, a las 10:00 h, está abierta la convocatoria de presentación de proyectos por parte de entidades asociadas a La Red para la sexta edición del Circuito Circo a Escena, 2026. El plazo se cerrará el miércoles 1 de abril a las 14:00 h. (horario peninsular).
 
Las entidades públicas asociadas a La Red pueden presentar sus proyectos en este plazo seleccionando, como mínimo, dos de los espectáculos que contiene el Catálogo de Espectáculos elaborado por la Comisión de Circo de La Red a partir de las propuestas que han presentado las compañías, artistas o distribuidores/as. 
 
Este catálogo recoge 22 propuestas de diferentes estilos y formatos, cuya información también puedes consultar en este enlace.

En esta edición se establecen dos modalidades de participación, cada una con una dotación económica distinta, en función de si la entidad asociada ha sido beneficiaria de Circo a Escena en tres ediciones consecutivas o menos o si lo ha sido en más de tres ediciones consecutivas.   

Nuestros/as asociados/as pueden consultar la Normativa de Circo a Escena 2026 y descargar toda la documentación asociada en la web de Circo a Escena.

La 35ª edición de FETEN, la Feria Internacional de Artes Escénicas para niños, niñas y familias, que se ha celebrado del 21 al 27 de febrero de 2026 en Gijón/Xixón, entregró sus premios 2026 el 27 de febrero en una ceremonia que transcurrió en el Centro de Cultura Antiguo Instituto.

El Premio al Mejor Espectáculo FETEN 2026 fue para la compañías castellano leonesa Almealera por “Yo nací en un surco de judías” y el de Mejor Espectáculo de Danza recayó en DA.TE por “Únicos”.

El Premio al Mejor Espectáculo de Calle fue para Txema Muñoz por su espectáculo “Gota”, mientras que el Mejor Espectáculo de Noche recayó en Nacho Flores por “Domte”. El premio a la Mejor Instalación fue para Cris Clown por “U.F.A.”, y el de Mejor Escenotecnia para La menuda por “Lumiero”.

El Premio Compromiso Social fue otorgado a Luz de Gas Teatro por “Dibújame una palabra”, y el de Mejor Escenografía y Caracterización a Cinc Cèntims Teatre por “Mular (o la gran captura)”.

El galardón a Mejor Elenco fue para Marea Danza por “¿Dónde está Alicia?”, y el de Mejor Interpretación para Alba Vergne López, de Luna Teatro-Danza, por “Bambi”.

En la categoría de Mejor Autoría, el premio fue para Dora Cantero por “Cosas que caen del cielo”.

El Premio ex aequo al Mejor Espectáculo de Comedia y Humor reconoció a La Pera Llimonera por “RUCS, El maleficio del brujo” y a Corral de García por “En el viento (Libros con Alas)”.

El Mejor Espectáculo de Teatro Documento fue para La Loquace Compagnie por “VIVA!”, mientras que el Mejor Espectáculo de Títeres y Objetos fue para El que ma queda de teatre por “SÒMION. La ciudad de los oficios imposibles”.

En Primera Infancia, el premio fue para Inspira Teatre por “Nallar”.

El galardón ex aequo al Mejor Espectáculo de Circo Contemporáneo fue para Eunoia Kolektiva por “Tenet” y UpArte por “Sísifos”.

El jurado, formado por profesionales del sector, estaba integrado por Charo Arconda (Festival Internacional de teatro y artes de calle de Valladolid - TAC), Javier Torres Ochandiano (productor escénico y miembro de la Academia de las Artes Escénicas), Paula Gutiérrez Pelayo (vicepresidenta de la Federación de Asociaciones de Profesionales de Circo en España - Circored), Alberto Muyo García (distribuidor y socio de ASSITEJ), Grego Navarro de Luis (directora gerente del Teatro Gayarre de Pamplona, en representación de La Red), Daniel Galindo Frías (director y presentador del programa La Sala de RNE), Juan Valeriano Villafruela Zuñiga (programador del Teatro Alameda de Sevilla, en representación de ASSITEJ), Ana Isabel Gallego Redondo (Asociación de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud, en representación de TE VEO), Manuel Álvarez Lobo (profesor de interpretación de la Escuela Superior de Arte Dramático de Asturias) y Elena Reales Reales.

La XXIX Edición de FAEM CLM (Feria de Artes Escénicas y Música de Castilla-La Mancha) se celebra del 13 al 16 de Abril de 2026 en Albacete.

Las inscripciones para acreditarse como profesional están abiertas hasta el jueves 12 de marzo. El formulario de inscripción, junto con la información de la programación, está ya disponible en este enlace.

Un total de 21 espectáculos formarán la programación de la Feria de Artes Escénicas y Música en 2026. De ellos, nueve corresponden a compañías de Castilla-La Mancha, todos en la modalidad de teatro. En cuanto a las compañías de fuera de la región, han sido seleccionados doce espectáculos: seis de teatro, dos de música, tres de danza y uno de circo.

La organización de las 17ª Jornadas ha abierto las convocatorias para participar en los espacios “En el foco” y “Mentorías”, dirigidos a profesionales del ámbito de las artes escénicas y la música con enfoque inclusivo y comunitario.

El plazo para presentar propuestas a “En el foco” permanecerá abierto hasta el 24 de febrero, mientras que las solicitudes para el nuevo espacio de “Mentorías” podrán enviarse hasta el 1 de marzo.

“En el foco” es un espacio de presentaciones breves, de diez minutos, destinado a dar visibilidad a proyectos, experiencias, metodologías o investigaciones vinculadas a la inclusión interseccional en las artes escénicas y la música. Se seleccionarán seis propuestas, que serán expuestas durante las Jornadas. La organización cubrirá los gastos de desplazamiento y alojamiento de los proyectos elegidos.

+ Puedes presentar aquí tu solicitud

Por su parte, “Mentorías” se estrena en esta edición como un espacio de acompañamiento personalizado para proyectos inclusivos. Cada mentoría consistirá en una sesión de dos horas en la que profesionales especializados ofrecerán asesoramiento y retoalimentación cualificada. En esta edición participarán Sonia Gainza y Claudia Torner (Apropa Cultura), Diego Salazar (Connectats), Alia Alzougi (Festival Shubbak) y Susana Rubio (ADGAE).

+ Consulta aquí las bases de participación

Las Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas, lideradas por el INAEM junto al Cabildo de Tenerife y su Auditorio, cuenta con la colaboracion del Gobierno de Canarias y la Red Española de Teatros en calidad de coorganizadores.

El Institut d’Estudis Baleàrics (IEB) abre convocatoria para formar parte de la edición 2026 de Fira B!, el mercado profesional dedicado a la música y las artes escénicas de las Illes Balears. Las compañías y artistas interesados podrán presentar sus propuestas hasta el próximo 28 de febrero de 2026 a las 23:59 horas, a través del formulario habilitado por la organización.

La feria, que se celebrará en Palma, volverá a estructurar su programación en dos bloques diferenciados. Las artes escénicas tendrán lugar del 30 de septiembre al 3 de octubre, mientras que la música se desarrollará los días 4, 5, 6 y 7 de noviembre. El evento está impulsado por el Govern de les Illes Balears mediante el IEB, con la colaboración del Consell de Mallorca y el Ayuntamiento de Palma.

Requisitos para artes escénicas
Podrán concurrir compañías y profesionales que acrediten al menos tres funciones en circuitos profesionales fuera de su lugar de origen desde enero de 2024. En el caso de Baleares, dichas actuaciones deberán haberse realizado fuera de la isla de residencia. No se admitirán espectáculos programados en ediciones anteriores y se priorizarán propuestas inéditas en la feria.

La convocatoria abarca disciplinas como teatro, danza, circo, artes de calle, títeres, performance y nuevos lenguajes escénicos, entre otras. Los montajes deberán estar ya producidos y contar con posibilidades de proyección exterior.

Las compañías seleccionadas percibirán una compensación económica equivalente a un porcentaje del caché artístico, que se acordará con la coordinación del evento. Asimismo, se contemplan ayudas para desplazamiento y alojamiento en determinados supuestos.

Condiciones para el apartado musical
En el ámbito musical, podrán presentarse proyectos originarios o residentes en Europa que hayan publicado —o tengan previsto publicar— un álbum o EP entre el 1 de enero de 2025 y el 31 de diciembre de 2026, y que acrediten al menos cinco conciertos en directo desde enero de 2025.

Los showcases tendrán una duración de 30 minutos y deberán basarse mayoritariamente en repertorio original. Quedan excluidas la música clásica y contemporánea. Los artistas seleccionados recibirán un caché de 150 euros por persona —incluidos hasta dos técnicos— además de posibles compensaciones por desplazamiento y alojamiento, según las condiciones establecidas por la organización.

Documentación y resolución
Las solicitudes, tanto para artes escénicas como para música, deberán incluir descripción del proyecto y currículum en catalán, castellano o inglés, material fotográfico, grabaciones en vídeo —al menos una en directo— y dossier explicativo. En el caso de música, se exige también material sonoro disponible en plataformas digitales y presencia en web o redes sociales.

La resolución se comunicará a lo largo del segundo trimestre de 2026, entre abril y junio, y se hará pública en el sitio web oficial del certamen.

Para más información, las personas interesadas pueden dirigirse al IEB a través del correo electrónico info@firab.org o consultar la página oficial del evento.

Desde su puesta en marcha en 2015, Fira B! se ha consolidado como una plataforma de proyección para los creadores de las islas. Inicialmente centrada en las artes escénicas, la feria amplió su alcance en 2016 con la incorporación de la música, reforzando así su vocación de mercado profesional y punto de encuentro entre artistas, programadores y agentes culturales.
Más allá de las representaciones, el encuentro incluye jornadas profesionales con conferencias y reuniones sectoriales destinadas a fomentar la colaboración, el intercambio de experiencias y la contratación de espectáculos.

Más información:

Email info@firab.org
Teléfono 971 17 89 96
Sitio web https://www.firab.org/
Convocatoria abierta hasta el 28 de febrero del 2026

DFeria contará este año con una programación integrada por 31 compañías, 31 espectáculos y 42 funciones que se desplegarán en distintos espacios de Donostia. El encuentro consolida una apuesta decidida por la novedad: el 74% de las propuestas se estrenarán en la feria, ya sea a nivel internacional, estatal o en Euskadi.

Bajo el leit motiv “LEGADO”, la cita de artes escénicas articulará una programación que reflexiona sobre la memoria histórica, los cuerpos y sus luchas, la transmisión cultural y la revisión crítica de los relatos heredados. En esta edición, Dinamarca será el país invitado, con una presencia destacada de compañías gracias a la colaboración de la Danish Arts Foundation y la Embajada de Dinamarca.

La inauguración correrá a cargo de “Bloody Moon”, de Marina Mascarell, al frente del Danish Dance Theatre. Se trata de un espectáculo de danza de gran formato que celebra el exceso, el deseo y la liberación a partir de la figura de Dionisio, y que supondrá además el estreno mundial de Mascarell como directora artística de la compañía nacional danesa.

Entre los estrenos más destacados figura “Cantando bajo las balas”, de Luna Hiena, con Ane Gabarain en el papel de Millán-Astray en un monólogo con tintes de cabaret oscuro y esperpento. La pieza dialoga con la actualidad al poner en escena la glorificación de la violencia y los discursos de odio desde una mirada crítica e incómoda.

La presencia danesa y el carácter internacional de la feria también se reflejan en “Samba”, de Uppercut Danseteater, una propuesta vibrante y sensorial que convierte el espacio escénico en un ritual colectivo, y en “La carta”, de Paolo Nani, referente del teatro gestual contemporáneo que despliega humor físico y complicidad con el público sin necesidad de palabras.

El teatro contemporáneo ocupará un lugar central en la programación con montajes que abordan conflictos íntimos y políticos. “440 Hz”, de Nacho Diago, explora la percepción, la sobreprotección y la identidad; “El Brote”, de la Compañía Criolla, llega desde Argentina como uno de los fenómenos teatrales recientes, jugando con los límites entre ficción y realidad; y “Desobedientes 18/98”, de Tanttaka Teatroa, pone el foco en la desobediencia civil como práctica histórica y herramienta vigente en las democracias actuales.

La feria también reservará espacio para propuestas que combinan teatro, imagen y reflexión escénica. “Historia del amor”, de Agrupación Señor Serrano, entrelaza tecnología, narración y pensamiento contemporáneo; “Un país sin sueños”, de la compañía danesa Fix+Foxy, imagina un futuro posible para reivindicar la necesidad de volver a soñar colectivamente; y “Sáhara. La barca del desierto” aborda, desde la investigación y el testimonio, la memoria y el exilio del pueblo saharaui. El programa se completa con montajes como “Sisifos”, que amplían el mapa estético y temático de esta edición.

El cartel de dFERIA 2026 estará protagonizado por el legado de la artista fallecida Mai Egurza, en consonancia con el eje temático que vertebra esta nueva edición.

La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública celebra el miércoles 25 de febrero de 2026 su primera Asamblea General de 2026, en la Escuela de Comercio de Gijón , en el marco de FETEN-Feria Internacional de artes escénicas para niños, niñas y familias de Gijón/Xixón.
 
En esta primera asamblea que se celebra bajo el mandato de la nueva Junta Directiva –salida de las elecciones del pasado mes de diciembre– se tratarán los siguientes asuntos:

– Organización interna de la Junta Directiva y reparto de responsabilidades.
– Presentación del Plan de Acción 2026.
– Presentación de la edición 2026 de los circuitos artísticos Danza a Escena y Circo a Escena y del Circuito Ornitorrinco.
– Avance sobre el desarrollo de las 17ª Jornadas de Inclusión Social impulsadas por el INAEM –en cuya organización participa La Red–, que se celebran en Tenerife del 22 al 24 de abril (+ información e inscripciones).

El Institut Valencià de Cultura abre mañana la convocatoria para la presentación de proyectos artísticos para el catálogo del Circuit Cultural Valencià, para su programación por parte de los municipios adheridos al programa durante el ejercicio 2026.

La convocatoria se dirige a compañías y grupos profesionales de teatro, danza, circo, música y cine que desarrollen su actividad en las artes escénicas, la música y el audiovisual. Las compañías interesadas podrán inscribirse desde el 10 de febrero al 1 de marzo, ambos inclusive, por vía exclusivamente telemática (debes acceder a tu área privada o registrarte en la web del IVC)

La elaboración del catálogo del Circuit Cultural Valencià se realizará en dos fases, una primera donde las compañías o artistas se darán de alta, y una segunda donde podrán presentar sus propuestas artísticas a incluir en el catálogo, hasta un máximo de cuatro. Finalizadas ambas fases, las comisiones de valoración evaluarán las propuestas y se publicarán los listados de espectáculos aceptados y excluidos en el catálogo del CCV. 

La selección de las propuestas presentadas se realizará mediante un proceso de evaluación cualitativa, para lo que se constituirá una comisión de valoración que tendrá en cuenta los criterios de profesionalidad y trayectoria, calidad artística, interés cultural y viabilidad técnica de los espectáculos. Además, se tendrán especialmente en cuenta los elementos de innovación, contribución a la cultura y el apoyo a espectáculos de nueva creación y a compañías emergentes. 

El Circuit Cultural Valencià es un programa público, impulsado por el Institut Valencià de Cultura con la colaboración de la Federació Valenciana de Municipis i Províncies, para difundir y acercar las artes escénicas, la música y los audiovisuales a toda la ciudadanía, fomentando al mismo tiempo el desarrollo y la consolidación de los sectores profesionales valencianos y dando visibilidad a todas las disciplinas artísticas. Se articula a través de una red de municipios adheridos, que pueden programar espectáculos a partir de un catálogo de propuestas artísticas. 

+ Información en la web del Institut Valencià de Cultura

(Imagen: “La trastienda”, de La Gata Japonesa, espectáculo participante en la última edicióni del Circuit Cultural Valencià)

El Teatro de Rojas acoge desde este viernes y hasta el 22 de febrero la exposición Actores sin alma. Mil años de Teatro de Figuras en España, una propuesta cultural que repasa la evolución del teatro de títeres y figuras animadas desde el siglo XI hasta nuestros días. La iniciativa se integra en los actos conmemorativos del 450 aniversario del Mesón de la Fruta, edificio histórico que hoy alberga el espacio escénico toledano.

La muestra, producida por la compañía La Máquina Real, reúne cerca de un centenar de piezas elaboradas artesanalmente siguiendo técnicas históricas. Retablos, marionetas, máscaras, gigantes y maquetas permiten al visitante comprender la riqueza y complejidad de un género que desempeñó un papel destacado en la tradición escénica española.

Durante la presentación oficial, la concejal de Cultura, Ana Pérez, subrayó el valor artístico y pedagógico del proyecto, destacando su rigor investigador y su contribución a la difusión del patrimonio escénico. En el acto estuvo acompañada por Jesús Caballero, director de la compañía y especialista en teatro de figuras, quien puso en contexto histórico el término “actores sin alma”, empleado en el Siglo de Oro para referirse a los títeres, únicos intérpretes autorizados a actuar durante la Cuaresma.

El recorrido expositivo abarca desde el teatro de sombras de tradición andalusí hasta propuestas contemporáneas vinculadas a creadores como Francisco Nieva o Ramón del Valle-Inclán, reflejando la vigencia y capacidad de transformación del teatro de figuras a lo largo de los siglos.

Además de su dimensión histórica, la exposición adquiere un significado especial dentro de la estrategia cultural de la ciudad, al reforzar la candidatura de Toledo como Capital Europea de la Cultura en 2031. Según destacó la responsable municipal, iniciativas de esta envergadura contribuyen a poner en valor tanto la tradición culta como la vertiente popular del legado escénico español.

La propuesta ha sido concebida específicamente para los espacios del teatro toledano, lo que permitirá a los asistentes acceder incluso a la caja escénica y conocer de cerca los mecanismos y recursos técnicos que dan vida a estas creaciones. La organización ofrecerá visitas guiadas, previa reserva, dirigidas a grupos escolares y colectivos interesados, con demostraciones en directo sobre la manipulación de las piezas.

La entrada es gratuita durante todo el periodo de exhibición.

La Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca abrió este miércoles 4 de febrero el plazo de presentación de espectáculos para su cuadragésima edición, que se celebrará del 27 de septiembre al 1 de octubre de 2026.

Este encuentro profesional cumple ya cuarenta años de trayectoria. En la última edición, correspondiente a 2025, la Feria recibió 1.541 propuestas y, por primera vez, la convocatoria contó con proyectos procedentes de nuevos países como Venezuela, Turquía, Congo o Países Bajos, un dato que refleja la creciente proyección internacional de la cita.

La edición de 2026 estará marcada por la presencia de proyectos transfronterizos, a través de los programas europeos POCTEFA, Eko Pirineos de Circo y Pyrenart, reforzando la colaboración, el diálogo y la circulación de propuestas a ambos lados de los Pirineos.

El plazo de inscripción permanecerá abierto del 4 de febrero al 31 de marzo, hasta las 14:00 horas. Una vez finalizado este periodo, se seleccionarán los espectáculos de teatro, danza y circo que conformarán la programación de la Feria.

+ Las compañías y productoras interesadas pueden formalizar su inscripción a través de la web de la feria.
 

La edición de 2026 de las Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas se celebran en Tenerife entre el 22 y el 24 de abril. La organización de este encuentro está liderado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y Musicales-INAEM junto al Cabildo de Tenerife y su Auditorio, y comisariadas por Eva García. y cuenta con el Gobierno de Canarias y la Red Española de Teatros como coorganizadores.

La programación incluye espectáculos, espacios de reflexión y pensamiento, talleres participativos, encuentros profesionales y la proyección de un documental, todo ello con acceso gratuito. El programa completo se publicará el 12 de marzo. 

Del 16 al 24 de febrero se abrirá la convocatoria pública para el espacio “En el foco”, en el que se presentarán seis proyectos. Asimismo, se darán a conocer los detalles del nuevo bloque de “Mentorías”, que contará con la participación de profesionales y agentes de referencia del sector escénico.
 
+ La inscripción como asistente está abierta hasta el 9 de abril a través de este formulario; la organización confirmará cada solicitud de inscripción lo antes posible para facilitar la planificación del viaje a los asistentes.

En el marco el desarrollo de los Derechos Culturales, las Jornadas abordarán la complejidad del fenómeno de los desplazamientos y las migraciones, y lo harán con rigor, sensibilidad y perspectiva, vinculándola con las artes escénicas y la música como centro de nuestro enfoque.

Las Jornadas contarán con cinco espectáculos destacados en los que personas y colectivos desplazados de sus lugares de origen asumen el protagonismo. La compañía de Idio Chichava (Mozambique) estrenará el día 22 en Canarias Vagabundus, un espectáculo de danza inspirado en los movimientos migratorios y los rituales de danza del pueblo Makondé. El jueves 23 de abril “Mahmud y solo Mahmud”, de Puntocero Company, contará la historia de un joven senegalés que parte de su ciudad natal en busca de trabajo en el país vecino a través de la palabra, las acrobacias y las canciones. El actor y director palestino Nabil Al-Raee hará dos pases en este mismo día de “Preso en la esperanza” (Unavezenlavida Producciones), una reflexión en primera persona sobre las narrativas de opresión. Cerrarán el viernes 24 las Jornadas una batalla de gallos y “polkas” de artistas locales y la obra “Polígono” (La Escrig), que propone una mirada crítica sobre el turismo y otras industrias en Canarias,  analizando los efectos sociales, territoriales y humanos derivados de estos modelos de desarrollo.

Toda la programación artística será de acceso libre y gratuito para el conjunto de la ciudadanía, con independencia de que se participe o no en el resto de las actividades de las Jornadas.

En el TEA (Tenerife Espacio de las Artes) se proyectará el documental “El Canto de las Manos”, de María Valverde, que explora la experiencia de la comunidad sorda y la vivencia sensorial de la música a partir del Fidelio de Beethoven, bajo la batuta de Gustavo Dudamel. En el Centro Penitenciario Tenerife II los internos podrán visualizar “Frontera”, de Manuel Pérez Cáceres, película rodada en la prisión de Quatre Camins de Barcelona en el que un grupo de teatro de presos ensaya una obra. 

Además de estos espectáculos, y como pistoletazo de salida en la tarde del 22 de abril,  varios proyectos canarios de artes escénicas y música inclusivos y comunitarios mostrarán cápsulas de sus trabajos en La Placita, un recorrido con varias paradas por el exterior del Auditorio de Tenerife, sede principal de las Jornadas. Previamente, el Auditorio de Tenerife facilitará el acceso al ensayo pregeneral de su última producción, que estrenará una vez finalizadas las Jornadas pero que también está vinculada a prácticas inclusivas: una versión queer de la ópera “El Castillo de Barbazul”, de Béla Bartók, dirigida por Pedro Chamizo. 

Por último, como apuesta por llevar las Jornadas a espacios no convencionales de representación teatral,  los vecinos del tinerfeño barrio de San Matías (San Cristóbal La Laguna) acompañarán una deriva por su entorno con distintas escenificaciones en el laboratorio ciudadano Historias de un barrio en lucha, en la tarde del día 23. 

Las Jornadas contarán con cuatro espacios para compartir pensamientos y acciones, titulados “Del ensayo al acto”. En estos encuentros, un grupo de agentes y expertos del sector de las artes escénicas dialogarán con los participantes de las Jornadas en torno a cuatro bloques temáticos: las realidades derivadas de la movilidad y los desplazamientos en el mundo contemporáneo, la diversidad e interculturalidad en las programaciones artísticas, los patrimonios e imaginarios invisibilizados o no reconocidos, y las prácticas y metodologías con personas migrantes en el sector de las artes escénicas y la música.

El próximo 16 de febrero se abrirá la convocatoria para los dos espacios abiertos a la participación del sector de las artes escénicas y la música: “En el foco” (antes Comunicaciones), es el espacio en el que hasta seis proyectos seleccionados del territorio nacional se presentarán de forma breve a todos los asistentes a Jornadas, con el objetivo de compartir metodologías de trabajo y procesos finalizados o en marcha que puedan aportar herramientas de referencia a los profesionales participantes. El plazo de presentación estará abierto desde el mismo día 16 hasta el 24 de febrero. 

En segundo lugar, en esta edición estrenamos un bloque de Mentorías, en el que reconocidos agentes del sector escénico se reunirán con los proyectos seleccionados para asesorarlos de forma personalizada en diversas cuestiones. El objetivo es, en este caso, dotar de herramientas a proyectos en construcción o en desarrollo, aportando una visión externa experta en materias como programación, accesibilidad o distribución.

El 12 de marzo se publicará el programa completo, en el que se concretarán horarios, espacios, invitados e invitadas.

Del 21 al 27 de febrero Gijón acogerá la 35ª edición de Feten, feria profesional de artes escénicas con más de 800 acreditados y 200 pases de propuestas artísticas. La cita trasforma la ciudad en un laboratorio creativo de la producción teatral nacional e internacional.

La Feria Internacional de Artes Escénicas para niños, niñas y familias acogerá 86 espectáculos e instalaciones con más de 200 pases de 82 compañías de todas las comunidades autónomas y de ocho países como Palestina, que protagonizará una de las dos exposiciones programadas, Armenia, Francia, República Checa o Portugal.

El programa incluye nueve estrenos. Una gran parte de las compañías participantes de muestran su trabajo por primera vez fuera de su comunidad. Como muestra de su interés, se han recibido 1.300 propuestas para asistir. Gijón se convierte en centro de trabajo para el sector para captación de espectáculos y de encuentros profesionales.

El certamen empleará este año 24 espacios escénicos, con dos novedades: Humedal y Ciudadela de Celestino Solar. Además, suma cinco funciones escolares en Laboral, llegando a más de 3.300 plazas. Las entradas para el Teatro Jovellanos donde se celebrarán su inauguración y clausura están a la venta desde este 2 de febrero. Las del resto de la programación se podrán adquirir online el mismo día del espectáculo.

ADGAE, COFAE y LA RED ESPAÑOLA DE TEATROS han acordado la puesta en marcha de un grupo de trabajo para abordar, de manera coordinada, la prevención del acoso, el abuso de poder y las violencias machistas, así como la promoción activa de la igualdad en todos los ámbitos de su competencia.

Con un claro compromiso por alcanzar los principios de igualdad, inclusión y buen gobierno recogidos en la Ley Orgánica 3/2007, el resto de legislación de aplicable, en los planes estratégicos de igualdad del Ministerio de Cultura y en el Observatorio de Igualdad de Género en la Cultura, manifestamos que:

El sector de las artes escénicas, como reflejo de la sociedad, no está exento de las desigualdades estructurales, los abusos de poder y las situaciones de acoso o violencias machistas que afectan a la convivencia y al desarrollo profesional de quienes lo integran. La conciencia colectiva sobre la necesidad de erradicar estas conductas ha crecido de forma significativa en los últimos años, pero los avances solo serán sostenibles si se acompañan de mecanismos colectivos, coordinados y transversales con perspectiva de género.

Este trabajo se desarrolla desde un enfoque de igualdad y perspectiva de género, incorporando herramientas preventivas, formativas y de acompañamiento.

A partir de este firme compromiso, las tres asociaciones inician su trabajo partiendo de dos objetivos prioritarios:

–La prevención del acoso y las violencias machistas, con protocolos claros en espacios y actividades profesionales que compartimos.
–Un trabajo coordinado y sostenido, con diagnósticos comunes, formación y acompañamiento a las personas y entidades asociadas.

ADGAE, COFAE y LA RED asumen, como primer paso, la responsabilidad de impulsar un cambio real hacia un sector de las artes escénicas basado en la igualdad, el respeto y la corresponsabilidad elaborando un plan de trabajo con los objetivos a cumplir y las acciones necesarias para alcanzarlos. Esta iniciativa no sólo responde a una exigencia ética y social, sino también a un compromiso ineludible con la calidad democrática y cultural de nuestras instituciones escénicas.

Desde el convencimiento de que sólo mediante la colaboración entre todas las personas implicadas en la producción, distribución, programación, gestión, creación, técnica y demás agentes de la cadena de valor del ecosistema escénico será posible construir entornos laborales seguros, inclusivos y libres de violencia, impulsamos esta acción conjunta como una apuesta decidida por un sector cultural más justo y democrático.

Del mismo modo, ADGAE, COFAE y LA RED hacen un llamamiento al conjunto de organizaciones, instituciones y profesionales de las artes escénicas a sumarse a este compromiso colectivo, con la convicción de que la seguridad, la igualdad y el respeto son la base de un sector cultural digno, democrático y con futuro, como el que defendemos.

Ni silencio ni miedo en el sector escénico: Ante la violencia, respuesta.

Trabajaremos juntas para que ninguna forma de violencia encuentre espacio en nuestras organizaciones.

+ Descargar comunicado conjunto en pdf

Fundación Contemporánea acaba de publicar esta semana su Observatorio de la Cultura 2025, un informe sobre lo mejor de la cultura española basado en las opiniones 443 panelistas repartidos por toda la geografía española.

En esta edición 2025 el Museo Reina Sofía ha superado al Museo del Prado, que ocupa la segunda posición, respecto a lo mejor de la oferta cultural española de 2025. A ambas instituciones le siguen el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que mantiene un año más la tercera posición. Les siguen el Museo Thyssen – Bornemisza, el Museo Guggenheim, el Teatro Real, CaixaForum, CCCB y la Fundación Juan March, igualada con el Festival de Málaga y con Matadero Madrid.

Dos de las entidades públicas asociadas a La Red figuran en el top 20 de este ránking: son el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en el puesto 15, y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, en el 20. Ambos, además, figuran en los puestos 1º y 2º, respectivamente, en el apartado “Festivales de teatro imprescindibles”. En este mismo listado aparecen otros de nuestros asociados: FETEN Gijón-Xixón, en quinto lugar; Dansa València, en el sexto; Fira Tàrrega, en el noveno, y TAC-Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladollid, en el décimo.

En este ránking nacional encontramos también entidades asociadas a La Red como los Teatros del Canal, en el puesto 32; Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao, en el 38; el Centro Condeduque, en el 42; la feria FETEN-Gijón, en el47, o el festival Dansa València, en el 52.

Respecto a las ciudades con mejor y más innovadora propuesta cultural, continúan ocupando los primeros puestos Madrid, Barcelona y Bilbao, mientras que Valencia se sitúa en el cuarto lugar, un puesto por encima de la anterior edición, y seguida de Málaga, Sevilla, San Sebastián, Santander, Valladolid, Granada, La Coruña y Zaragoza.

“Lo Mejor de la Cultura ”incluye la clasificación de Los imprescindibles, en la que se destacan propuestas de muy distinta naturaleza a nivel nacional agrupadas por tipología de proyecto.

A la cabeza de los imprescindibles de 2025 están: el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Caixa Forum, Teatro Real, Zinemaldia. Festival de San Sebastián, Sónar + D, ARCOMadrid, Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y la Feria del Libro de Madrid.

Fundación Contemporánea presenta su informe anual, Lo Mejor de la Cultura en 2025, elaborado a partir de la opinión de los profesionales del sector cultural. El Observatorio de la Cultura elabora este informe desde 2009, incluyendo una serie de rankings e indicadores recurrentes relativos a la actividad cultural de nuestras ciudades y comunidades y a las instituciones y acontecimientos culturales más destacados del año.

En esta nueva edición, el cuestionario ha sido contestado, durante los meses de noviembre y diciembre de 2025, por 443 miembros del panel (196 mujeres y 247 hombres), de los cuales un 46,3% trabajan en una organización cultural pública, un 36,8% en una organización cultural privada y el 16,9% restante como profesionales independientes del sector.

Este martes 27 de enero se ha reunido por primera vez la Junta Directiva de La Red salida de las elecciones celebradas el pasado mes de diciembre, en las que Marta Monfort, de la Red de Teatros de Vitoria, accedió a la presidencia.

Esta primera reunión de la nueva junta, que ha tenido lugar en la Oficina de Gestión de la entidad, en Madrid, ha servido para establecer el reparto de responsabilidades y tareas de cada uno de sus miembros y también para avanzar el diseño del Plan de Acción de La Red en 2026, que se presentará a los socios en la primera Asamblea General del año, el próximo 25 de febrero en Gijón, en el marco de la feria FETEN.

Elisenda Farré, de Fira B!, ocupa el cargo de vicepresidenta de Organización Interna, desde donde se encargará del apoyo a la organización de la Oficina de Gestión en materias como la revisión de procesos y procedimientos, instrumentos normativos o la búsqueda de sinergias en la estructura y entre socios.

La otra vicepresidencia, de Desarrollo Estratégico e Institucional, la asume Paco Flor, del Teatro Chapí de Villena, con responsabilidad en relaciones institucionales con el sector y en la proyección y representación exterior de La Red.

Pedro Blanco, del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, estará al frente de la Tesorería, mientras que la Secretaría recae en Olga Mojón, del Teatro Principal de Ourense.

Completan esta Junta Directiva, en calidad de vocales, Lorena Matute, del Instituto Canario de Desarrollo Cultural; Mª Ángeles García, del Consorcio Cultural Albacete; Lorena Benot, de Teatros de Cádiz y Festival Cádiz en Danza; Daniel Juste, del Teatro José María Rodero de Torrejón de Ardoz, y Toni Tarrida, del Mercat de les Flors.

La Fundación Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro ha abierto una nueva convocatoria de la Ayuda a la Producción 2026, en colaboración con la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, dirigida a compañías profesionales de artes escénicas con sede en la región.

El plazo de presentación de propuestas estará abierto del 23 de enero al 19 de febrero de 2026. Las compañías interesadas deberán remitir su candidatura en formato digital al correo electrónico convocatorias@festivaldealmagro.com, indicando en el asunto “Propuesta – Ayuda a la Producción” y adjuntando un dossier con la documentación exigida, según lo establecido en las bases de la convocatoria.

Un comité de selección será el encargado de elegir una única propuesta, cuyo estreno absoluto tendrá lugar en el marco de la 49ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que se celebrará en julio de 2026. La resolución se dará a conocer durante la primera quincena de marzo de 2026, si bien la ayuda podrá declararse desierta en caso de que ninguna candidatura cumpla los requisitos establecidos.

Entre los criterios de valoración figuran la adecuación al contexto del Festival, la calidad artística de la reinterpretación del repertorio clásico del Siglo de Oro, la accesibilidad del proyecto, su viabilidad de producción y la coherencia del caché solicitado.

Las propuestas deberán tener una duración mínima de 60 minutos y máxima de 90, estar basadas en textos dramáticos o no dramáticos del Siglo de Oro español —ya sea mediante puesta en escena directa, adaptación o relectura contemporánea— y contemplar su estreno absoluto en el Festival. Cada compañía podrá presentar una única propuesta.

Con esta iniciativa, el Festival de Almagro refuerza su compromiso con el impulso a la creación escénica contemporánea vinculada al patrimonio teatral del Siglo de Oro en Castilla-La Mancha.

+ Más info y bases

Como sabrás, el Real Decreto de Accesibilidad 193 / 2023 tiene plazos de entrada en vigor escalonados y, en lo que atañe específicamente a espacios escénicos de titularidad pública, enero de 2026 está marcado como el inicio de la plena aplicación de la norma, implicando cambios en la gestión de entradas, en la comunicación, en la accesibilidad web y, por supuesto, en la accesibilidad de los espacios y su programación. 

En los últimos años la Comisión de Inclusión de La Red ha venido informando de los detalles de esta normativa y elaborando material documental de carácter práctico sobre todas las implicaciones y ramificaciones de la aplicación de esta ley, un material que ofrecemos a ahora a todo el sector de las Artes Escénicas.

Infografía: cómo aplicar el Real Decreto 193 / 2023

Este documento, presentado en la cuarta Asamblea General de 2025, detalla de forma sencilla y rápida  las claves para aplicar el Real Decreto 193/2023 y hacer tu espacio escénico accesible.

+ Descargar

Folleto “Algunas cuestiones básicas sobre accesibilidad e inclusión (funciones accesibles)”

 
Una exposición breve y práctica sobre las herramientas disponibles hoy en día para hacer accesible una función escénica: bucle magnético, subtitulado interlingüístico, etc. 

+ Descargar 

Documental “Habitar la escena”

 
Este material audiovisual, realizado en 2023, no trata sobre normativa, pero sí constituye una herramienta de divulgación muy interesante, además de un material inspirador sobre por qué es necesario trabajar para hacer los espacios (y la cultura) plenamente accesibles.

+ Acceder al material

Otro material de interés  

 
Guía de accesibilidad elaborada por ASSITEJ España-Artes Escémicas para la Infancia y la Juventud (+ descargar). Está destinada a compañías y funciones dirigidas a público infantil y juvenil, si bien su contenido también es aplicable a todos los ámbitos de las artes escénicas en general.

Documento resumen del Real Decreto 193 / 2023 centrado en los puntos que atañen a los espacios escénicos (+descargar). Elaborado por APTENT–Tecnología y Accesibilidad, este documento se facilitó ya en el boletín de Inclusión nº 16, distribuido el pasado 27 de noviembre.

Guía de accesibilidad para teatros, auditorios, espacios de exhibición y compañías coordinado por la Fundación Psico Ballet Maite León (+descargar). Un documento realizado en el marco del proyecto europeo On Stage.

El Circuito ASSITEJ–Artes escénicas para la infancia y la juventud es una iniciativa con alcance estatal que impulsa las artes escénicas dirigidas a niñas, niños y jóvenes, promoviendo programación de calidad y trabajo en red. 

El circuito tiene como objetivo ofrecer una programación escénica de calidad dirigida a infancia y juventud, proporcionar visibilidad, reconocimiento y fortalecimiento del sector y articular un trabajo en red de todos los implicados en todo el territorio nacional, además de iImpulsar la mediación en los espacios escénicos, como herramienta clave de accesibilidad e inclusión.

La convocatoria a creadores del Circuito ASSITEJ está abierta hasta el 11 de febrero. Es necesario registrarse en la web de ASSITEJ España.

Una vez registrados como usuarios, las compañías y artistas recibirán un correo electrónico de confirmación con el que podrán dar de alta el espectáculo que quieren presentar en la convocatoria.

En caso de que tengáis un usuario creado de ediciones anteriores, podréis entrar a vuestra cuenta y editar desde vuestro área de usuario los espectáculos presentados a ediciones anteriores o añadir nuevos y presentarlos. 

Se permite la presentación de un máximo de 2 espectáculos por compañía. Aquellas compañías y productoras que presenten más espectáculos, quedarán descartadas. 

 
Requisitos para participar como compañía:

–Ser una entidad de carácter profesional con personalidad jurídica para firmar contratos en España. 
–Contar con trayectoria profesional acreditada. 
–Adjuntar la documentación requerida en la convocatoria. 
–No se podrán presentar a esta convocatoria espectáculos que hayan formado parte de la edición anterior. 
–Para la valoración del espectáculo, es imprescindible disponer de un enlace a un vídeo completo del mismo. Solo se valorarán vídeos subidos a una plataforma de visualización en línea del espectáculo completo.
–Los derechos de autor del espectáculo no podrán superar el 10%. 
 
Proceso de selección

La selección de las compañías y espacios escénicos participantes en el Circuito comprende 3 fases: 

Presentación de las candidaturas de las compañías.
Las compañías que quieran optar a formar parte del Circuito ASSITEJ con uno de sus espectáculos deberán cumplimentar el formulario de la convocatoria que encontrarán en nuestra web.  

Selección de espectáculos por la comisión de valoración. Creación de un catálogo.
Durante esta fase, todos los espectáculos enviados a través de la plataforma serán estudiados por una comisión de valoración compuesta por programadores y profesionales del sector externos a ASSITEJ España. 

Resolución final y comunicación de los participantes en el Circuito ASSITEJ.
Una vez revisadas todas las candidaturas la comisión procederá a la resolución final, en la que se concretarán los proyectos que entrarán a formar parte de la próxima edición del Circuito ASSITEJ y la posterior comunicación y cierre de programación, en conjunto con los espacios escénicos y compañías seleccionadas. Esta comunicación se prevé que tendrá lugar en marzo de 2026. 

Eibar volverá a convertirse en un gran escenario cultural con la celebración de la 49ª edición de las Jornadas de Teatro, que tendrán lugar del 23 de enero al 27 de marzo. Con casi medio siglo de trayectoria, este festival es una de las citas culturales más consolidadas.

La programación de esta nueva edición se extenderá durante más de dos meses e incluirá propuestas para todos los públicos y en múltiples formatos escénicos. El público podrá disfrutar de teatro de calle, comedia, drama, tragicomedia, danza, clown, espectáculos infantiles y actividades paralelas de reflexión y encuentro. Además, las Jornadas combinan la presencia de grandes nombres de la escena estatal con compañías y artistas del entorno, apostando por el equilibrio entre proyección exterior y arraigo local.

El inicio del festival tendrá lugar los días 23 y 24 de enero con el teatro de calle Kalez-Kale / De Calle, de la mano de LEKIM Konpania. Estas representaciones se desarrollarán en distintos puntos de la ciudad y llevarán las artes escénicas al espacio público, apostando por un contacto directo entre intérpretes y ciudadanía y marcando el carácter abierto y participativo de la programación.

La programación de febrero comenzará el día 9 en el Teatro Coliseo Antzokia con la celebración del coloquio inaugural, que contará con la participación del actor Imanol Arias y estará presentado por la actriz eibarresa Irene Hernando. Al día siguiente, el 10 de febrero, el Coliseo acogerá la comedia “Mejor no decirlo”, protagonizada por Imanol Arias y María Barranco.

Las Jornadas continuarán el 11 de febrero con la obra “Kandida”. El 21 de febrero llegará “Casting Lear”, de Andrea Jiménez, mientras que el 22 de febrero, en Uni Eibar, se representará el drama “Contra Ana”. El día 24 de febrero se pondrá en escena “Nor naizen baneki” y el 26 de febrero “Dysphoria”, de Histrión Teatro. El 27 de febrero, Uni Eibar acogerá la comedia “El peor espectáculo del mundo”, y el 28 de febrero el público familiar podrá disfrutar en el Coliseo del espectáculo infantil “Hodei guztien gainetik”.

Durante el mes de marzo, las Jornadas de Teatro mantendrán una programación intensa y variada. El 1 de marzo se representará en Uni Eibar la comedia “Loreen hizkuntza”, seguida el 3 de marzo por “La barraca”. El 5 de marzo llegará “Hasta el último baile”, una propuesta que combina danza y tragicomedia. El 7 de marzo el público podrá disfrutar del espectáculo de clown “A la gloria con Gloria Fuertes” y del teatro de calle “Quimera”, con recorridos entre Untzaga y Errebal.

La programación continuará el 10 de marzo con la comedia “Kaka” y el 11 de marzo con “Antzerkia pantaietan”, festival de cortometrajes. El 14 de marzo llegará “Preguntamelón”, interpretada por Millán Salcedo, y el 15 de marzo, en Uni Eibar, se pondrá en escena “Kolapsoa”.

Las propuestas de tragicomedia seguirán con “52 hercios” el 17 de marzo y “El Dragón de Oro” el 18 de marzo.

El tramo final de las Jornadas incluirá “Jasón y las furias” el 21 de marzo y “Cantando bajo las balas” el 22 de marzo, en Uni Eibar. El 24 de marzo se representará “R&J”, una versión del Romeo y Julieta de Shakespeare que dirige María Goiricelaya. 

El 25 de marzo se pondrá en escena la propuesta de danza “Egin bedi zure nah-ia” y el 26 de marzo “Zanbuila”, una obra enmarcada en la programación a propósito de la celebración del Día de la Mujer, el 8 de marzo. El cierre del festival llegará el 27 de marzo con “El encargo”, interpretada por los actores eibarreses Maite Lorenzo, Ricardo Izaguirre y Juanma Cano, reafirmando el compromiso de las Jornadas con el talento local.

Imagen: “Mejor no decirlo”, Una producción de Pablo Kompel, 11T' ai Creaciones y Pentación Espectáculos.

La nueva temporada del Teatro Guiniguada arranca con la música como gran protagonista. El espacio escénico gestionado por el Gobierno de Canarias en Las Palmas de Gran Canaria acoge esta semana los conciertos de Guiguan Project junto al trompetista Markus Stockhausen y del cantautor Luis Quintana, dentro de una programación que combina propuestas musicales y teatrales para distintos públicos.

La agenda continuará con la versión en concierto de “Canarii”, de Olga Cerpa y Mestisay, y el estreno de “Arahal”, de la compañía Pieles, ambos incluidos en la programación En Paralelo del 42 Festival Internacional de Música de Canarias (FIMC). A ello se suman las propuestas escénicas “Libros cruzados”, de Delirium Teatro, y el espectáculo familiar “Rrrrr. Historia de una oruga”.

El viernes 16, dentro de la sección En Paralelo del FIMC, el Guiniguada recibe a Guiguan Project, trío formado por Javier Infante (guitarra), Alexis Lemes (timple) y Javier Colina (contrabajo), músicos con un sonido profundamente vinculado a las raíces isleñas. En esta ocasión estarán acompañados por el reconocido trompetista y compositor alemán Markus Stockhausen, una de las figuras más innovadoras del jazz europeo, con quien ofrecerán un concierto marcado por la improvisación y el diálogo artístico.

Al día siguiente, sábado 17, el escenario acogerá el concierto con el que Luis Quintana pone fin a su gira 30 años de canciones y teatros. El cantautor grancanario repasa tres décadas de trayectoriaen un formato de cuarteto, interpretando temas emblemáticos como Amarillo es mi color o La isla de mi vida, junto a composiciones más personales. Con cinco discos publicados y una intensa labor como impulsor de iniciativas culturales, Quintana propone un espectáculo cercano que combina emoción, humor y reflexión.

La programación musical continuará el martes 21 de enero con la versión en concierto de “Canarii”, un viaje sonoro a la identidad canaria de la mano de Olga Cerpa y Mestisay. En esta ocasión participarán el coro búlgaro Vanya Moneva y un destacado elenco de músicos de las islas, que ya formaron parte del estreno de la versión para ballet del espectáculo.

El jueves 22 será el turno del estreno de Arahal. “Un lugar donde descansar”, el nuevo trabajo de la compañía Pieles. Esta propuesta interdisciplinar, que gira también dentro del FIMC, combina percusión, voz, elementos naturales y silencio para construir un canto ancestral que conecta Canarias con el norte de África y la tradición sefardí, en una experiencia íntima y colectiva.

La programación escénica se completa el sábado 24 con “Libros cruzados”, de Delirium Teatro. Escrita por Antonio Tabares, la obra gira en torno a un ejemplar de Anna Karenina que pasa de mano en mano y provoca que tres mujeres se replanteen su vida a partir de su lectura.

Finalmente, el sábado 31 de enero, el teatro ofrece una propuesta dirigida al público familiar con “Rrrrr. Historia de una oruga”, de la compañía catalana Príncep Totilau. Se trata de un espectáculo de teatro gestual y danza, inspirado en la música de Chopin, interpretada en directo al piano, especialmente recomendado para niñas y niños de entre 3 y 6 años.

Imagen: “Un lugar donde descansar”, de la compañía Pieles.

La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública y la Dirección General de Artes Escénicas y Música convocan la sexta edición del Circuito Circo a Escena: arranca hoy lunes 12 de enero de 2026, con la apertura de la convocatoria para compañías. 
 
Podréis inscribir vuestros espectáculos hasta el jueves 12 de febrero de 2026, a las 12:00h. (horario peninsular), a través de vuestros perfiles profesionales en redescena.net. Cada compañía podrá presentar un máximo de dos propuestas cuyo caché individual no exceda los 8.000 euros + IVA.

+ Información completa en la web Circo a Escena

El objetivo de este programa es incrementar la presencia y visibilidad del circo, en todos sus formatos, en los espacios escénicos públicos. Puedes consultar toda la información actualizada de este circuito artístico en la web de Circo a Escena.

Requisitos

–Ser una compañía profesional de circo residente en España y estar en condiciones de cumplir con todos los requisitos en materia de contratación y seguridad en el trabajo.

–El caché de cada representación no podrá superar los 8.000 € + IVA. Este caché llevará incluidos todos los gastos derivados de la actuación, a excepción de la ficha técnica. 

–No podrán presentarse a la edición 2026 las compañías que hayan efectuado actuaciones en el Circuito Circo a Escena 2025.

Nota importante sobre la realización del circuito Circo a Escena en 2026

La realización del circuito queda supeditada a la firma del nuevo convenio entre La Red Española de Teatros y la Dirección General de Artes Escénicas y Música-DGAEM y su publicación en el Boletín Oficial del Estado. 

La Red Española y la DGAEM han estado trabajando a lo largo del pasado año para aterrizar el nuevo convenio marco con el que funcionará el circuito Circo a Escena. La novedad de este nuevo marco es que deja de depender de los Fondos Europeos Next Generation y garantizará la continuidad del circuito durante al menos cuatro ediciones más, concretamente hasta 2029. 

De aprobarse finalmente, las actuaciones de esta edición se extenderán en teatros y espacios escénicos asociados a La Red del 15 de mayo al 30 de junio y del 1 de septiembre al 30 de noviembre de 2026.

La Academia de las Artes Escénicas de España-AAEE celebró ayer en el Teatro Calderón de Valladolid la XI edición de la ceremonia de entrega de las Medallas de Oro y Distinciones de Honor de la institución, una cita que reconoció, entre otros, al Teatro y Artes de Calle (TAC) y al anterior director del Calderón, José María Viteri.

También recibieron la medalla de oro entidades como los Teatros del Canal y el Festival Dansa València (recogió el reconocimiento María José Mora, del Institut Valencià de Cultura), ambas entidades asociadas a La Red, además de: La Cubana, el Circo Rauly Legacy, el Grupo de Teatro La Tía Norica, Comuna 13 de Medellín (Colombia) y el Teatro Colón de Buenos Aires (Argentina), dirigido por Gerardo Grieco.

La gala la abrió el discurso de la presidenta de la Academia, Cayetana Guillén Cuervo. El actor vallisoletano Fernando Cayo fue el encargado de conducir la ceremonia de entrega de Medallas de Oro y Distinciones de Honor de la Academia de las Artes Escénicas de España, con la presencia del alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, además de la teniente alcalde, Irene Carvajal.

Al acto acudieron también la viceconsejera de Acción Cultural de la Junta, Mar Sancho, el secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí, y el vicepresidente de la Diputación de Valladolid, Víctor Alonso.

Jesús Julio Carnero fue precisamente el encargado de entregar la primera medalla de oro, al TAC, que recogieron Juan Herrero y Charo Arconada.

Además, este año la ceremonia rindió tributo a José María Viteri, vinculado durante más de veinte años al Teatro Calderón, con una de las distinciones de honor.

La AAEE entregó ayer quince medallas de oro. En la nómina de galardonados figuran profesionales como Belén Rueda, Carlos Hipólito, con casi 50 años de carrera escénica a sus espaldas, o la actriz Petra Martínez

Otros de los premiados fueron Daniel Martínez de Obregón,fundador y presidente del grupo Focus; José Carlos Martínez, director del Ballet de la Ópera de París desde 2022; y Rosalba Rolón, cabeza visible de una red de teatros que programan en español en Broadway.

El actor Héctor Alterio (Buenos Aires, 1929) ha fallecido este sábado a los 96 años. Héctor Alterio se subió a los escenarios siendo muy joven y en ellos ha continuado hasta el final de su vida, con la gira de su último espectáculo, “Una pequeña historia”, de tintes autobiográficos.

Nacido en Buenos Aires en 1929, Alterio debutó como actor en 1948, cuando protagonizó “Prohibido suicidarse en primavera”, obra escrita en 1937 por el dramaturgo Alejandro Casona.

Tras concluir sus estudios de Arte Dramático, fundó la compañía Nuevo Teatro, con la que trabajó por la renovación de la escena argentina durante la década de los 60.

Su fama como actor, sin embargo, le llegó a través del cine, donde debutó junto a Alfredo Mathé en “Todo sol es amargo” (1966) e intervino en algunas de las mejores películas de la nueva generación de cineastas argentinos, como Leopoldo Torre Nilsson.

Alterio se estableció en España en 1975, cuando tuvo que abandonar Argentina —había nacido en el seno de una familia de emigrantes napolitanos— por amenazas de muerte de la organización terrorista parapolicial ultraderechista Triple A.

De esta primera época destacan sus participaciones en los filmes “Cría cuervos” (1976), de Carlos Saura, “Pascual Duarte” (1976), de Ricardo Franco, y “Asignatura pendiente” (1977), de José Luis Garci.

En 2008, Argentina le reconoció con el Cóndor de Plata por su trayectoria cinematográfica.

Marta Monfort es desde ayer la nueva presidenta de La Red Española de Teatros. Monfort ha formado parte de diversas juntas directivas y actualmente participa en las comisiones de Inclusión y Mediación, Internacional y Creación Contemporánea.

La nueva presidenta sucede a Juan Herrero, de la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid, que ha ocupado la presidencia desde 2021.

Además de la elección de Marta Monfort como presidenta, se celebraron elecciones a integrantes de la Junta Directiva.

Así, la junta ha quedado conformada por:

– Lorena Benot, de Teatros de Cádiz y Festival Cádiz en Danza
– Toni Tarrida Llopart, del Mercat de les Flors
– Daniel Juste, del Teatro Jose María Rodero de Torrejón de Ardoz
– Olga Mojón Costela, del Teatro Principal de Ourense
– Pedro Blanco, del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida
– Mª Ángeles García Cabello, del Consorcio Cultural Albacete
– Paco Flor, del Teatro Chapí de Villena
– Lorena Matute, del Instituto Canario de Desarrollo Cultural
– Elisenda Farré, de Fira B!

La Asamblea General Extraordinaria y la cuarta Asamblea General de 2025 de ayer jueves, así como el Encuentro entre Asociados/as que celebramos el miércoles 10 de diciembre tuvieron lugar en el Museo das Peregrinacións y en el Teatro Principal de Santiago de Compostela. Las instituciones titulares de estos espacios son la Xunta de Galicia, a través de la Axencia Galega das Industrias Culturais, y el Concello de Santiago de Compostela.

El actor, productor y director teatral Adolfo Fernández falleció este viernes a los 67 años en su domicilio de Perales de Tajuña (Madrid) a causa de un cáncer. Nacido en Sevilla, se trasladó a Bilbao con solo cuatro años, donde creció y comenzó a formarse como intérprete.

Fernández alcanzó gran popularidad gracias a su participación en series de éxito como “Policías, en el corazón de la calle”, “Los 80” o “Águila Roja”. Con todo, él mismo se definía como un hombre de teatro. Dedicó buena parte de su carrera a impulsar proyectos escénicos comprometidos. En 2002 fundó su propia compañía, K Producciones, con la que desarrolló montajes de fuerte carácter social.

Su adaptación de “En la orilla”, basada en la novela de Rafael Chirbes, le valió un Premio Max y se convirtió en uno de los trabajos más aclamados de su trayectoria.

Recientemente, entre otras producciones teatrales, participó en la adaptación de “El nadador en aguas abiertas”, que giró por numerosos teatros del país.

Sección Radar

En este apartado visibilizamos espectáculos con elencos inclusivos y de impacto social que fomentan la diversidad y el pensamiento crítico.

– “La fi del món”, de Escenaris Especials
– “Grito, boda y sangre”, de Centro Dramático Nacional 
– “Atrapado en la esperanza”, de Teatro del Barrio, Freedom Theatare y Unavezenlavida
– “La vie secrete des vieux”, de Zirlib, con el Festival d'Automne de París
– “Treballs forçats”, de Teatre Lliure, Condeduque, Azkuna Zentroa Alhóndiga Bilbao y Ça marche 
– “El día que el hombre pisó la luna”, de Danza Móbile, Perros en Danza
– Blackface y otras verguenzas”, de Periferia Cimarronas?– “Perra cimarrona”, de La Santa

+ Descargar sección Radar

Asómate a “La ventana de inclusión y Mediación”

La Ventana de Inclusión y Mediación es un canal permanente de encuentro entre compañías y artistas vinculados a la inclusión social y las artes escénicas. A través de reuniones online con la Comisión de Inclusión y Mediación de La Red, se comparten proyectos, experiencias y reflexiones para fomentar la visibilidad y la colaboración.
Las compañías pueden inscribir sus espectáculos inclusivos y solicitar un encuentro en redescena.net en una convocatoria abierta todo el año.

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Recursos

Guía de accesibilidad en artes escénicas para la infancia y la juventud

Guía teórica y práctica realizada entre Teatro Accesible y ASSITEJ España que tiene como propósito ser una primera referencia a compañías, espacios escénicos y profesionales de la cultura en el proceso para incorporar la accesibilidad en sus espectáculos dirigidos a infancia y juventud.

Más información

Descentralizando la creación cultural

En “Descentralizando la creación cultural”, siete entidades sociales que participan en el programa de Acerca Cultura–Madrid presentaron proyectos artísticos impulsados desde sus propios centros. Una mirada inspiradora a cómo el arte transforma comunidades, fomenta la colaboración y genera inclusión real.

Más información

Plan de Derechos Culturales 2025 / 2030

El Plan de Derechos Culturales desarrollado por el Ministerio de Cultura impulsa una nueva forma de entender la cultura: como un derecho humano y un bien común esencial para la democracia y el bienestar. Con 146 medidas, traza una hoja de ruta para garantizar la participación, la igualdad y la sostenibilidad del ecosistema cultural.

Más información

Real Decreto 193 / 2023: Recordamos qué obligaciones establece para los espacios escénicos

¿Cuáles son las obligaciones de los espacios escénicos en términos de accesibilidad? ¿Qué acciones prácticas deben realizar? ¿En qué afecta a la comunicación? Además de la lectura del Real Decreto, te facilitamos un resumen con las implicaciones de este Real Decreto que permite cambiar la forma en la que se programan las artes escénicas en España.

Más información

Pez en el desierto: una agencia de representación artística inclusiva

Pez en el desierto es una agencia de representación de artistas inclusiva de la Fundación Psico Ballet Maite León que impulsa la presencia de artistas con discapacidad en los escenarios. Una iniciativa que rompe barreras y demuestra que la diversidad funcional puede enriquecer el arte y transformar miradas.

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Premios Lluís Carulla 2026 a proyectos o ideas transformadoras

Hasta el 13 de enero de 2026 está abierta la convocatoria para participar en el Premio Lluís Carulla, dirigido a proyectos culturales con potencial de transformar a la sociedad catalana. La dotación económica para los proyectos ganadores es de 100.000 €.

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Proyectos destacados

Sinespacio Teatro

Compañía de teatro visual y mediación afincada en Madrid que fusiona arte, educación y participación social. A través del teatro de sombras, los objetos animados y la creación colectiva, promueven el diálogo, la innovación y nuevas formas de mirar la realidad, con proyectos desarrollados entre España y el Reino Unido.

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Teatro de los Invisibles

Teatro de los Invisibles, fundada en 2017 por Zaida Alonso, mezcla teatro documental, autoficción y performance, convirtiendo en protagonistas a personas y colectivos “invisibles” en el relato público: personas con experiencias de salud mental, estigmas sociales o en los márgenes de la norma.

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Cita

17ª Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas

Del 22 al 24 de abril de 2026
Tenerife

Tenerife acogerá la 17a edición de las Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas organizada por el INAEM y La Red Española de Teatros. Entre el 22 y el 24 de abril de 2026, se celebrará este encuentro que en esta edición estará centrado en los desplazamientos migratorios desde una mirada interseccional a través de las artes escénicas y la música.

Más información

Quienes participaron en la edición anterior deberán acceder al formulario mediante su usuario en la web, recuperando la contraseña si fuera necesario. Las personas que soliciten acreditación por primera vez deberán completar el formulario de nueva solicitud.

+ En este enlace se puede acceder a la inscripción online para ambas circunstancias

Las cuotas para esta edición se establecen en 55 euros para compañías y distribuidoras con menos de cinco compañías en cartera, 25 euros para compañías adheridas a ARTEMAD y gratuidad para programadores, ferias, festivales, distribuidoras con cinco o más compañías, compañías socias de ARTEMAD, otros perfiles profesionales y prensa especializada.

La participación se limita a una persona por entidad, aunque las solicitudes adicionales podrán valorarse una vez finalizado el plazo de inscripción y según la disponibilidad.

MADferia no cubrirá los gastos de transporte, dietas, materiales o alojamiento de las segundas acreditaciones, que deberán abonar la cuota correspondiente.

La feria da prioridad a programadores, ferias, festivales, instituciones públicas y entidades con líneas de trabajo afines a su programación. Aun así, la aceptación no está garantizada debido al elevado volumen de solicitudes.

Los próximos días 19 y 20 de noviembre La Red celebra en el Teatro Circo Price un encuentro en torno al estudio “Radiografía de las Redes y Circuitos de Espacios Escénicos Públicos en España” que está siendo llevado a cabo por el Departamento de Sociología y Trabajo Social de la Universidad de Valladolid, bajo la dirección de Francisco Javier Gómez González, Profesor Doctor del Departamento.

La primera publicación con este título se lanzó en 2010. Por aquel entonces, constituyó la primera investigación que abordaba la realidad, el contexto y las dinámicas de funcionamiento asumidas por las redes y circuitos escénicos de nuestro país. Aquel trabajo supuso un ambicioso esfuerzo para recoger la aportación del modelo de Circuitos y Redes al sistema de exhibición teatral público español, un modelo que ha permitido llevar las artes escénicas a muchos municipios de pequeño, mediano y gran tamaño de nuestro país.

Así, durante dos jornadas, el 19 y 20 de noviembre, representantes de redes y circuitos asociados a La Red participarán en un encuentro con el responsable del estudio, Javier Gómez, con el que trabajarán sobre diversos aspectos del estudio con el fin de elaborar el documento definitivo y preparar las conclusiones. 

A la sesión vespertina del 19 de noviembre acudirán, además, representantes del sector: ADGAE, CircoRed, FECED y FAETEDA.

En la sesión del 20 de noviembre se avanzará en la concreción de conclusiones del “Estudio sobre Redes y Circuitos de Espacios Escénicos Públicos en España”.

El encuentro concluirá con una sesión explicativa sobre el uso del área privada de la web redescena.net y cómo las redes y circuitos asociados pueden sacarle el máximo partido.

En la imagen, Francisco Javier Gómez González, Profesor Doctor del Departamento de Sociología y Trabajo Social de la Universidad de Valladolid durante la presentación del estudio en Mercartes, el 23 de octubre.

IN SITU PLATFORM, red europea y think tank para la creación artística en el espacio público lanza convocatoria para artista emergentes de toda Europa que quieran mostrar sus propuesta a mediados de 2027.

La convocatoria está dirigida a artistas emergentes (emergencia entendida desde la estética, geográfica y generacional). Se seleccionarán 60 artistas de toda Europa para que muestren sus trabajos al público a mediados de 2027.

El objetivo es “relanzar una nueva generación de artistas europeos interesados en las artes de calle”. La convocatoria ofrece contenidos online para conocer la producción artística relacionada con las artes en el espacio público, Intercambios peer-to-peer con artistas experimentados de IN SITU y un Laboratorio inmersivo con oportunidades de networking.?

De los 60 artistas seleccionados se realizará una segunda “criba” para seleccionar entre 5 y 10 artistas, de los que se coproducirá la pieza y será exhibida en Kosovo en verano de 2027.
 
El plazo para la presentación de solicitudes termina el 16 de diciembre de 2025

El equipo de coordinación de IN SITU organiza sesiones de información online para explicar el funcionamiento de PLATFORM y los objetivos de la convocatoria.

Tienes dos sesiones.

- Jueves 13 Noviembre 2025

- Martes 25 Noviembre 2025

Tenéis más información en la web de FiraTàrrega, la única organización española que forma parte de IN SITU PLATFORM, un consorcio internacional formado por una entidad de coordinación y socios de 21 países de Europa y más allá: Austria, Bélgica, República Checa, Polonia, Dinamarca, Francia, Alemania, Grecia, Hungría, Italia, Kosovo , Países Bajos, Noruega, Portugal, España, Túnez pero también Reino Unido, EE.UU., Burkina Faso, Corea del Sur y Chile.

El British Council y La Red Española de Teatros presentan una nueva edición de Open Theatres, una serie de tres webinars sobre buenas prácticas en el sector británico de las Artes Escénicas.

Puedes inscribirte a través de este formulario.

En la primera edición de Open Theatres, en 2024, se abordaron temas como los retos de diversidad e inclusión en el sector teatral británico, las medidas que se están implementando para hacer el mundo del espectáculo más sostenible y el papel de la comunidad local en estos procesos. 

En esta ocasión, contaremos nuevamente con la participación de expertos y profesionales del sector teatral británico para tratar algunos de los temas que actualmente generan mayor interés:

–Sesión 1 / Lunes 17 de noviembre
“Modelos de gestión renovados: liderazgo compartido e iniciativas centradas en involucrar a los jóvenes en la toma de decisiones”

– Sesión 2 / Lunes 24 de noviembre
“Cómo registrar el impacto de lo que hacemos: por qué lo hacemos y para qué sirve”

– Sesión 3 / Lunes 1 de diciembre
“Sostenibilidad en el sector teatral británico: mejores prácticas y acciones concretas, con especial atención a las herramientas proporcionadas por el Theatre Green Book”

Los encuentros se realizarán en inglés, con traducción simultánea al castellano. La asistencia será gratuita previa inscripción.

Ponentes

James Mackenzie-Blackman es el director general y director artístico del Theatre Royal Plymouth. En 2017, James fue nombrado director general de Eden Court, el mayor recinto artístico de Escocia en un solo emplazamiento, y durante su gestión guio a la institución a través de un periodo de notable crecimiento y transformación.

Evan Dawson es el CEO de National Youth Arts Wales. Es hablante de galés, abogado titulado y posee un máster en Gestión cultural. Anteriormente fue director ejecutivo de Live Music Now y de la Royal Photographic Society, con las que obtuvo varios premios. Ha publicado investigaciones influyentes sobre el impacto de la participación en las artes en el desarrollo, la salud y el bienestar, y ha intervenido en la Asamblea de Gales, la Cámara de los Lores y en congresos internacionales.

Mason Edwards es asistente de producción en National Youth Arts Wales. También dirige Change Makers, un programa de NYAW que reúne a jóvenes de todo Gales con valiosas experiencias de vida individuales para influir y asesorar a la institución mientras ésta define sus procesos, políticas y visión de futuro.

Rebecca Gould es gerente de relaciones sénior a tiempo parcial en el equipo de Teatro y Danza del British Council en Londres. Durante los siete años anteriores fue directora de artes del British Council en Gales, periodo en el que pasó 18 meses en comisión de servicio en el Barbican Arts Centre de Londres, donde lideró un nuevo departamento, Barbican Futures, y seis meses como directora interina del British Council Gales.

Kirsty Lothian es la asesora principal de monitoreo, aprendizaje y evaluación, Artes del British Council. Actualmente, está creando un sistema de monitoreo que permitirá al British Council recopilar mejor el impacto de su programa global de artes.

Paddy Dillon es director de Renew Culture y, en 2020, cofundó la iniciativa Theatre Green Book para ayudar a los creadores del sector teatral a avanzar hacia un futuro sostenible para el teatro.

Raquel Castells es la Coordinadora de la implementación del Theatre Green Book en el Teatro Arriaga, donde ha liderado su integración desde 2023. Como consultora externa, ejerce como responsable de Internacionalización y Campeona de Sostenibilidad del teatro, diseñando estrategias que aumentan la visibilidad cultural mientras incorporan prácticas sostenibles en toda la institución.

Gemma Swallow lideró la agenda ecológica del National Theatre of Scotland, donde trabajó durante 12 años. Es una firme promotora del UK Theatre Green Book y dedica gran parte de su tiempo a fomentar prácticas ambientalmente sostenibles en el teatro, construir redes y compartir su experiencia para inspirar el cambio dentro de la industria.

Angela Buckley es coordinadora de eventos y del Greenbook en el Chichester Festival Theatre, donde apoya el intenso programa estacional promoviendo prácticas sostenibles a través del Theatre Greenbook.

La tercera edición del ciclo “Invisibles” de Rivas Vaciamadrid reúne distintas expresiones artísticas y actividades para abordar la vivienda como asunto social y urbano. El enfoque busca sensibilizar y poner en debate las condiciones del hábitat desde diferentes perspectivas culturales.

La programación incluye las obras de teatro “Teo encadenado” y “Lavapiés” y la lectura dramatizada “Relatos de ciudad”. Estas piezas abordan, desde la escena y la palabra, cuestiones vinculadas a la vivienda y la convivencia urbana, como los desahucios.

El formato escénico pretende acercar al público realidades y conflictos que afectan al acceso a un techo digno. La presencia de distintos géneros permite combinar el entretenimiento con la reflexión social.

El ciclo incorpora además una visita a la Casa de la Arquitectura como complemento a las actividades escénicas. Este espacio aporta una dimensión práctica y reflexiva sobre cómo la arquitectura condiciona la calidad de la vivienda. La visita facilita el diálogo entre lo artístico y lo profesional en torno a soluciones y problemáticas habitacionales.

El ciclo arranca este jueves 13 de noviembre con “Relatos de Ciudad”, en el Edificio Atrio de Rivas, un proyecto de teatro documental protagonizado por vecinas y vecinos de Rivas, que han contado con el acompañamiento y guía de la compañía Cross Border Project, cuya fundadora es la dramaturga Lucía Miranda. Se trata de una creación colectiva: tras la recopilación de testimonios de habitantes del municipio mediante entrevistas, el grupo creativo ha escrito un texto teatral, del que el actor ripense Bernabé Fernández realiza una lectura dramatizada.

En este laboratorio de teatro documental han participado 20 vecinos de Rivas de entre 49 y 77 años. Durante nueve sesiones en los últimos dos meses, han investigado sobre la identidad y el territorio de la localidad, creando un texto teatral que comparte las vivencias de la comunidad.

La 27 edición de los “Encuentros Te Veo” se celebra del 10 al 16 de noviembre en el Teatro Calderón de Valladolid y en otros espacios culturales de Castilla y León, con más de 40 propuestas escénicas, formativas y profesionales bajo el título “Teatro de Títeres y Objetos. Homenajeando a los Titiriteros de Binéfar”.

La cita rendirá homenaje a esta compañía aragonesa, Titiriteros de Binéfar, por sus 50 años de trayectoria.

Los Encuentros estrenarán las Píldoras TE VEO, espacios de intercambio y reflexión para profesionales del sector, y presentarán junto a Ediciones Atígona el sello “TE VEO en los libros”, que reunirá obras dramáticas contemporáneas para la infancia y la juventud, con el fin de conservar y difundir la creación teatral dirigida al público más joven.

El programa incluirá también representaciones escolares y familiares a cargo de trece compañías nacionales e internacionales, talleres en colaboración con la Universidad de Valladolid y la Escuela Profesional de Danza, y encuentros con creadores de España, Italia y Latinoamérica.
 
Con el fin de promover el conocimiento sobre las artes escénicas para la infancia y la juventud, los 27° Encuentros TE VEO mantienen y amplían sus colaboraciones con entidades y organizaciones del ámbito cultural. En este escenario se enmarcan los talleres “La danza como herramienta transformadora”, dirigido al alumnado de la Escuela Profesional de Danza de Castilla y León y de la Universidad de Valladolid e impartido por Omar Meza, de DA.TE Danza (12 de noviembre a las 16h), y “A un metro desde el suelo”, centrado en la creación para la infancia y conducido por Julia Ruiz Carazo para alumnos de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León (14 de noviembre a las 16h).

Asimismo, la colaboración con la Academia de las Artes Escénicas de España acercará a Valladolid al dramaturgo y poeta Alberto Conejero, padrino de esta nueva edición de los Encuentros, quien además el 15 de noviembre a las 10h impartirá el taller intensivo para profesionales (previa inscripción) “Dramaturgia para la escena”.

Ya por la tarde, Conejero y el director artístico del Teatro Calderón, José María Esbec, acompañados por la presidenta de TE VEO, protagonizarán la mesa de reflexión “Cruce de miradas”, en la que hablarán sobre programaciones, residencias, temáticas, coproducciones, festivales y programas como Platea y Audaces.

Un total de 13 compañías acercará a escolares de distintos centros y edades sus propuestas, caracterizadas por la calidad y por su diversidad temática. La programación del Teatro Calderón arrancará el martes 11 de noviembre a las 10h con “La gota aventurera” de Teatro Arbolé (en la imagen), que narra el viaje natural y poético de una gota, y continuará a las 11h con “Sé tortuga”, de Xip Xap Teatre, un trabajo sobre la importancia de vivir y disfrutar de las cosas con tranquilidad, y a las 12h con “Tierra mía”, de Pata Teatro, una comedia sobre el poder de lo que une a las personas.

Hasta el 15 de enero las compañías y artistas pueden presentar sus propuestas artísticas inspiradas o que pongan en escena, fundamentalmente, textos de los siglos XVI y XVII, para formar parte de la programación de la 49ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, 2026.

Las propuestas deben presentarse de forma online, a través de un formulario para las tres convocatorias, Oficial, Barroco Infantil y Almagro Off, que se encuentran en la página web del festival.

Las propuestas serán evaluadas por la dirección artística del Festival, en el caso de la Convocatoria Oficial, y por los Comités de Selección en caso de los Certámenes Almagro Off y Barroco Infantil.

El Festival de Artes Escénicas de la Comunidad de Madrid en Alcalá de Henares–Clásicos en Alcalá a abre la convocatoria para participar en la programación de su XXV edición, que se celebrará en verano de 2026.

El formulario de registro estará disponible en la web del Festival hasta el 2 de diciembre de 2025 a las 14.00h hora peninsular.

El proceso de inscripción está abierto a compañías de cualquier nacionalidad que presenten propuestas dirigidas a la “difusión de autores y textos escritos en español entre 1492 y 1659” y que contempla también dramaturgias contemporáneas con este periodo como fuente de inspiración.

La convocatoria valorará especialmente la participación en el proyecto de instituciones, compañías, coproductores y/o miembros del equipo artístico hispanoamericanos.

La elección de propuestas estará a cargo de la dirección del Festival, que busca diseñar una programación multidisciplinar: teatro, circo, danza, música, artes escénicas de calle, folclore...

La resolución de la convocatoria se comunicacrá antes del 17 de febrero.

La programación se hará pública oficialmente en el segundo trimestre de 2026.

El pasado jueves 23 de octubre presentamos en la Sala Polivalente de Mercartes 2025 la que podríamos denominar “segunda edición” del “Estudio sobre Redes y Circuitos de Espacios Escénicos Públicos en España”. La primera publicación con este título se lanzó en 2010. Por aquel entonces, fue la primera investigación que abordaba la realidad, el contexto y las dinámicas de funcionamiento asumidas por las redes y circuitos escénicos de nuestro país.

Aquel trabajo supuso un ambicioso esfuerzo para recoger la aportación del modelo de Circuitos y Redes al sistema de exhibición teatral público español, un modelo que ha permitido llevar las artes escénicas a muchos municipios de pequeño, mediano y gran tamaño de nuestro país.

Quince años después, ¿qué ha ocurrido con este modelo?

El grupo de trabajo para dar continuidad a este estudio ha estado coordinado por M. Ángeles Albacete, integrante de la Junta Directiva de La Red y de nuestra Comisión de Redes y Circuitos, quien, durante la presentación de esta iniciativa en Mercartes 2025, estuvo acompañada por el presidente de La Red, Juan Herrero.

Una vez más, el estudio ha sido llevado a cabo por el Departamento de Sociología y Trabajo Social de la Universidad de Valladolid, bajo la dirección de Francisco Javier Gómez González, Profesor Doctor del Departamento, quien presentó al público profesional un avance de los resultados y conclusiones finales del estudio, que se presentarán a finales de este año, ya que el equipo de investigación sigue aún procesando y analizando los resultados.

Este estudio recoge una extensa información del funcionamiento, características, procesos, inversión en programación, inversión por habitante, tipo de programación, etc., de las principales redes y circuitos de nuestro país.

El estudio estará a disponibilidad de todo el sector a finales de 2025 en nuestra web, redescena.net

La Red celebró el 21 de octubre una Asamblea General Extraordinaria, en el marco de Mercartes-Mercado de las Artes Escénicas (del 21 al 23 de octubre) con el objetivo de someter a votación la aprobación de la modificación de Estatutos Sociales a propuesta de la Junta Directiva, una modificación que busca agilizar los procedimientos y el funcionamiento de La Red como asociación y que actualiza y pone al día algunos términos y conceptos, como el de “espacio asociado”, que se ha sustituido por “entidad pública asociada”.

La modificación de los estatutos, junto con la modificación del Reglamento de Régimen Interno, fue aprobada por unanimidad durante esta asamblea general extraordinaria.

A continuación, en la Asamblea General Ordinaria, la tercera que se convoca en 2025, se repasaron los estados económicos y se informó a los socios y las socias del desarrollo de los proyectos que están llevando a cabo las diferentes comisiones. También se dio la bienvenida a una nueva entidad asociada, el Teatro Víctor Fernández Gopar "El Salinero”, de Lanzarote..

La Asamblea terminó con la presentación de los/as invitados/as internacionales que nos acompañaban en esta edición 2025 de #Mercartes en el marco del programa “Teatros del Sur”, un programa de internacionalización que desarrolla La Red a iniciativa del Instituto Nacional de las Artes Escénicas-INAEM.

Con la presencia de estos/as invitados/as procedentes de Francia, Italia y Croacia, nuestros/as asociados/as tienen la oportunidad de conocer experiencias y gestiones exitosas de proyectos escénicos que están aportando valor añadido a la gestión cultural y abriendo caminos muy interesantes.

También se pretende con este intercambio generar sinergias y encuentros que puedan derivar en acuerdos de colaboración entre nuestros/as asociados/as y estos proyectos que estamos conociendo en esta XI edición de Mercartes-Mercado de las Artes Escénicas.

ASSITEJ España (Asociación Internacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud) ha recibido el Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud correspondiente a 2025, un premio que concede anualmente el Ministerio de Cultura a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). El jurado ha destacado “su capacidad mayúscula de incentivar, promover y divulgar la creación y la investigación” en las artes escénicas para la infancia y la juventud.

Asimismo, el comité ha subrayado “su incuestionable trabajo como impulsor internacional del teatro contemporáneo en español y otras lenguas oficiales, así como su labor en visibilizar a las dramaturgas españolas” en este ámbito.

Además, ha puesto en valor “su capacidad de estimular un fructífero diálogo entre la literatura dramática y la producción escénica, su labor de mediación, de formación de formadores (educadores y profesores) y su habilidad para generar redes y circuitos profesionales como AUDACES”.

El jurado también ha destacado “la extensa trayectoria de la asociación, que en 2025 celebra su 60 aniversario, y que en 2024 alcanzó hitos como pasar a formar parte del Comité Ejecutivo ASSITEJ Internacional, del que es socio fundador”.

ASSITEJ España es una asociación cultural sin ánimo de lucro, de ámbito nacional e internacional, que trabaja desde las artes escénicas por el derecho de acceso al arte de niños, niñas y jóvenes.

La misión de esta asociación es promover en España el desarrollo de propuestas escénicas dirigidas a la infancia y la juventud, entendiendo el arte como un derecho fundamental y una herramienta de transformación social.

El Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud recompensa la meritoria labor de una persona o entidad en el ámbito de las artes escénicas para el público infantil y juvenil.

El jurado, presidido por la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Paz Santa Cecilia, y actuando como vicepresidenta la subdirectora general de Teatro del INAEM, Miriam Gómez Martínez, ha estado compuesto por los siguientes vocales: Lola Lara, directora de Teatralia; Lucía Miranda, dramaturga y directora, Juan Muñoz Rebollo, fundador y director de La Tartana; Iris Caballero del Pozo, de la Asociación TE VEO de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud, la dramaturga española Itziar Pascual Ortiz (a propuesta del Grupo de Investigación de Feminismos y Estudios de Género de la Real Escuela Superior de Arte Dramático - RESAD), Noelia Fernández Sáez, en representación de Escena Miriñaque (Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2024) y Gonzalo Moreno Arriero, secretario general de ASSITEJ, que se abstuvo durante todo el proceso.

El jurado del Premio Nacional de Circo 2025 ha propuesto la concesión de este galardón a la compañía gallega Pista Catro Productora de Soños SL (Pistacatro) por “su destacada labor en la creación y difusión de propuestas circenses de una enorme presencia escénica, rigor y carisma, con importantes hitos en 2024 como la gira de “Drop”, un montaje sorprendente con un lenguaje propio, y la consolidación de su espectáculo “Orquesta de malabares”, en el que fusionan la música y el circo, un trabajo de gran formato con el que lograron una amplia proyección nacional e internacional”.

Además, el jurado considera que, “como productores y prescriptores, han sido impulsores del nuevo circo gallego y descubridores de artistas emergentes durante los últimos 20 años, con trabajos que aúnan la innovación y la educación”.

En su trayectoria cabe destacar además su contribución a la divulgación y la investigación del género en el marco de las Jornadas D10!, que impulsan desde hace una década.

Biografía Pistacatro es una compañía fundada en 2006 y liderada por Aitor Garuz, Pablo Reboleiro, Belem Brandido y José Expósito. Es una de las productoras de circo más activas de las artes vivas en Galicia y distribuye sus propias creaciones, así como otras que nacen de la matriz creativa del proyecto Circonove o aquellas que consideran relevantes por su calidad e interés cultural.

El jurado, presidido por la directora general del INAEM, Paz Santa Cecilia Aristu, y actuando como vicepresidenta la subdirectora general de Teatro del INAEM, Miriam Gómez Martínez, ha estado compuesto por los siguientes vocales: la coordinadora en CircoRED Rosa Colell, el profesor y gestor cultural Luis Lozano Macarro, el autor Manuel Benito Picón, el coordinador de la revista ‘Zirkólika’ Vicente Llorca, la directora artística del Festival Circorts, codirectora de Fira Trapezi Reus y miembro de La Puça Espectacles Cristina Cazorla, la profesora Pilar Toboso Sánchez (en representación del Instituto Universitario de Estudios de la Mujer – IUEM, de la Universidad Autónoma de Madrid) y el malabarista y Premio Nacional de Circo 2024, Michael Ferreri.

El Teatro Bergidum de Ponferrada (espacio asociado a La Red) recibió ayer el Premio “Aquí entra circo” de CircoRed, que este año celebraba su segunda edición.

El segundo Premio CircoRed “Aquí entra circo” lo recogieron anoche, en la gala de clausura del IX Encuentro Circo Red, el alcalde de Ponferrada, Marco Morala, y el director del Teatro Bergidum, Miguel Ángel Varela, quien manifestó: “La concesión de este premio es un honor y una gran responsabilidad por mantener una programación circense de calidad. Es un premio a toda una ciudad y un público que responde a que el circo deje de ser una actividad marginal en las programaciones”.

Por su parte, Marco Morala felicitó al Servicio de Artes Escénica y a Varela por poner en valor este género: “Es un reconocimiento a quienes han trabajado por incluir al circo de forma significativa en la programación de artes escénicas. Durante años ha tenido mínima presencia en los teatros de todo el país y el Bergidum ha apostado por darle visibilidad, pasando de ofrecer dos funciones hace años a una media de 15 en los últimos años, con una gran asistencia”.

Precisamente el primer Premio CircoRed en su modalidad “Aquí entra circo” lo recibió en 2024 Luis Lozano, miembro de la Comisión de Circo de La Red, comisión responsable de la organización del circuito Circo a Escena. Este premio reconoce el esfuerzo de un/a profesional o una entidad para incluir el circo en las programaciones culturales estatales.

Junto al Bergidum fueron finalistas Ana Judel, exdirectora del espacio Fórum de A Coruña; Pedro Ormazábal, responsable del Festival Bilboko Kalealdia de Bilbao y Begoña Puértolas, directora del Festival Pirineos Sur.

El Premio CircoRed en la categoría de Buenas Prácticas recayó en la Asociación Cultural Manicómicos de A Coruña, organizadores del festival del mismo nombre y que se celebra anualmente en la capital gallega.

El IX Encuentro CIRCO en RED, celebrado entre León y Ponferrada del 7 al 9 de octubre, ha desarrollado un programa que combina reflexión, formación y exhibición artística.

El Premio CircoRED fue creado en 2024 con el propósito de reconocer y celebrar las buenas prácticas y la inclusión del circo en las programaciones culturales estatales. Este premio tiene dos líneas:

• Premio CircoRED Buenas Prácticas: dirigido a un equipo o persona responsable de una programación estatal que haya demostrado un compromiso ejemplar con las buenas prácticas que nuestro sector considera esenciales.
• Premio CircoRED Aquí entra circo: dirigido a una persona o equipo responsable de una programación estatal que haya destacado por incluir el circo de manera significativa en programaciones multidisciplinares de artes escénicas, como festivales, salas, circuitos, etc.

La segunda edición de “Teatros del sur” (+ información), un programa con el que La Red impulsa el desarrollo de acciones de intercambio y colaboración profesional entre instituciones y centros culturales europeos a través de la invitación de profesionales de otros países, será una de las actividades más destacadas de Mercartes 2025. Esta iniciativa nació precisamente en la anterior edición de Mercartes, la de 2023, en la que contamos con la presencia de invitados de Italia, Portugal y Grecia.

En esta ocasión acudirá a Mercartes una delegación internacional formada por nueve gestores y gestoras de Italia, Croacia y Francia para presentar su trabajo y abordar líneas de cooperación con todos los agentes del sector de las Artes Escénicas presentes en Mercartes, el marco de la actividad Citas de Negocio.

Estos invitados serán presentados el primer día del mercado, el martes 21 de octubre, a las 13:00 h. en la sala polivante del pabellón en el que se desarrolla Mercartes.

La selección de invitados recorre toda la cadena de valor de las artes escénicas: la programación, la producción, la exhibición, la creación o la cooperación.

Gonzalo Quintana
Domino Project (Croacia)

Gonzalo Quintana es director, productor y dramaturgo argentino además de miembro de la asociación Domino Project (Croacia), Entidad con la que colabora en distintos festivales escénicos (Perforations Festival, Queer Zagreb Season, Sounded Bodies Festival, etc.).

Desde hace más de veinte años es creador de sus propios proyectos, cruzando cine, teatro y performance con especial foco sobre el lenguaje y la representación. Su trabajo es el resultado de la combinación entre la ficción y lo documental, buscando siempre nuevas formas de contar que conecten con lo íntimo, lo particular y lo poético.

Entre sus obras se destacan Chaco Arde, La encantadora David, El taita y La consagración de nadie (junto a Micaela Fariña), estrenada en Sounded Bodies, coproducción de FIBA y presentada en festivales y residencias de Italia, Croacia, Argentina y Nueva York (La MaMa Theater). En 2024 estrenó Archivo Infinito #1 Irrefrenable, junto a artistas queer croatas, en el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb. La obra es el primer trabajo de teatro documental LGBTQI+ en ese país, y mezcla performance, entrevistas y exposición visual para hablar de identidad y comunidad. Su último proyecto, Todos mis cuerpos, cuenta la vida y transición de la actriz y docente argentina Maiamar Abrodos.

Rebecca Martin
Le réseau Traverses (Francia)

Coordinadora de la red Traverses (Le réseau Traverses) desde 2023, Rebecca Martin ha trabajado durante años en el ámbito producción de espectáculos en vivo, tanto en estructuras de creación y exhibición (CDN de Aubervilliers, CDN de Burdeos, CDN de Sartrouville y Les Théâtres), como en compañías (Théâtre de Romette, Eolienne, Super Trop Top…), oficinas de producción (oficina de producción de Actoral), orquestas o festivales (Parallèle, BIAC, etc.).

Snježana Abramovic Milkovic
ZKM (Zagrebacko Kazalište Mladih, Zagreb, Croacia)

Tras más de dos décadas al frente de la Compañía de Danza de Zagreb, Snježana Abramovi? Milkovi? se ha consolidado como una figura clave en la escena contemporánea de las artes escénicas en Croacia. Es fundadora del Festival de Danza y Teatro No Verbal de Svetvin?enat y del Centro Mediterráneo de Danza, dos plataformas que se han convertido en referentes esenciales para el intercambio artístico y la innovación.

Desde finales de 2014, ejerce como directora artística y consejera delegada del Teatro ZKM, un espacio de referencia en la creación contemporánea, reconocido por su sintonía con las últimas tendencias europeas en las artes escénicas. Bajo su liderazgo, el ZKM ha alcanzado proyección internacional gracias a su característica programación y a sus colaboraciones transfronterizas, consolidándose como un prestigioso centro cultural reconocido a nivel mundial.

Matija Ferlin
Istrian National Theatre (Pula, Croacia)

Matija Ferlin es director de escena, coreógrafo y creador multidisciplinar. Graduado en la School for New Dance Development de Amsterdam, residió y trabajó en Berlín y Toronto antes de rregresar a su ciudad natal, Pula, donde se centró en la investigación y la reformulación de diferentes conceptos de la representación escénica. Además de crear sus propias obras, colabora con artistas de diversos orígenes, trabajando como intérprete, actor, director de movimiento o asesor artístico. Es también autor de diversas exposiciones, además de una docena de performances. Sus propuestas se han exhibido en citas como Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), ImPulsTanz (Viena), el Festival TransAmériques (Montreal) o el BITEF (Belgrado). Desde julio de 2023, es director artístico del Istrian National Theatre de Pula, en Croacia.

Petra Glad Mažar
Zagreb Dance Company & Mediterranean Dance Center Svetvinenat (Croacia)

Productora y gestora cultural, Petra Glad Mažar es directora de la Zagreb Dance Company y codirectora de Mediterranean Dance Centre (Mediteranski plesni centar, MPC) en Svetvin?enat, dos de las organizaciones clave en el ámbito de la danza contemporánea en Croacia. Con una sólida formación en producción de artes escénicas, programación y organización de festivales, ha impulsado y gestionado numerosos proyectos artísticos, educativos e internacionales durante las últimas dos décadas.

Comenzó su carrera en la escena teatral independiente de Zagreb, donde colaboró con directores y dramaturgos en producciones de teatro contemporáneo. También trabajó como productora en Teatar &TD, uno de los escenarios experimentales más importantes del país. Con el tiempo, su interés se centró en la danza, lo que la llevó a colaborar durante muchos años con ZPA, donde se convirtió en productora ejecutiva en 2011 y directora en 2014. En MPC, supervisa un programa anual de residencias, espectáculos y colaboraciones internacionales, continuando el legado del antiguo Dance and Non-Verbal Theatre Festival San Vincenti. Asimismo, cofundó la organización de artes escénicas Katana y anteriormente dirigió el colectivo KUFER, centrado en el teatro. Tiene un máster en Producción Teatral y Artes Escénicas por la Academia de Arte Dramático de Zagreb.

Damien Godet
Scène nationale du Sud-Aquitain (Francia)

Nacido en 1976, tras una trayectoria universitaria que lo destinaba a la enseñanza, decidió continuar su formación en administración musical y artes escénicas. Tras una primera experiencia en el sector de la producción de conciertos de músicas actuales, en mayo de 2002 se convirtió en administrador del Atelier à Spectacle. Entre 2017 y 2010, continuó su carrera profesional como administrador del Trident, Scène nationale de Cherbourg-Octeville. Con posterioridad, de 2010 a 2013, fue administrador general del Théâtre de l'Archipel, escena nacional de Perpiñán, donde participó, en particular, en la constitución del Etablissement Public de Coopération Culturelle, en la inauguración del nuevo teatro y en la obtención del sello de escena nacional.

De enero de 2014 a diciembre de 2018, fue administrador del Festival de Aviñón durante las cinco primeras ediciones del festival bajo la dirección de Olivier Py. En la actualidad, es director de la Scène nationale du Sud-Aquitain, un proyecto que anualmente ofrece más de 50 espectáculos en diversos teatros y espacios escénicos de las ciudades de Bayona, Anglet, Boucau y San Juan de Luz. Este programa apoya activamente la creación y difusión artística contemporánea en el ámbito de las artes en vivo, dando proyección a múltiples propuestas que proponen una intersección de formas y disciplinas entre las que tienen cabida el teatro, la danza, la música, el circo, las creaciones compartidas, los talleres y encuentros, la formación…

Fabrizio Gavosto
Mirabilia, International Circus & Performing Arts Festival (Italia)

Fabrizio Gavosto (1964) estudió Biología en la University of Miami (Florida) antes de orientarse hacia el teatro, formándose con Teatro Juvarra, Il Granserraglio, TTB, Teatro Pirata, y otras estructuras del teatro de investigación italiano. Entre 1989 y 2009 trabajó como actor y director, presentando creaciones propias en Italia y en varios países europeos y de latinoamérica.

En 2007 fundó y desde entonces dirige el Mirabilia International Circus & Performing Arts Festival, hoy considerado una de las principales plataformas multidisciplinares europeas de circo contemporáneo, danza y teatro urbano. Desde 2015 es también responsable de la residencia artística PerformingLands – Artisti nei Territori, reconocida por el Ministerio de Cultura de Italia.

Ha impulsado numerosos proyectos internacionales en el marco de proyectos Culture, Erasmus+, LLPT, Creative Europe, Boarding Pass Plus, etc, con un enfoque específico en sostenibilidad, movilidad artística y formación de nuevas generaciones de creadores y creadoras. Habla con fluidez inglés, francés y español.

Lucia Franchi
Kilowatt Festival (Italia)

Fundadora de la compañía teatral CapoTrave en 2003 junto con Luca Ricci, ha trabajado como dramaturga en todas las producciones de la compañía, la más reciente de las cuales es «Le Volpi», estrenada en el verano de 2023 (www.capotrave.it).

También en 2003, junto con Luca Ricci, concibió y puso en marcha el festival multidisciplinar «Kilowatt», que tiene lugar en Sansepolcro, Toscana. Desde entonces, ha dirigido el festival y el Centro di Residenza della Toscana con Ricci, incluido el proyecto «Visionari», que ganó el Premio Ubu en 2010. A partir de «Visionari» y en el marco del Programa Europa Creativa (2014 – 2023), participó en el proyecto a gran escala «Be SpectACTive!». Junto con Ricci, escribió también el ensayo «Lo spettatore è un visionario» («El espectador es un visionario»), publicado en 2019 (Editoria & Spettacolo).

Desde 2018, trabaja junto a Pierfrancesco Pisani en la dirección artística de Infinito SRL, una productora que representa a numerosos artistas destacados en la escena nacional. Con Infinito, ha comisariado varios cursos de formación para adolescentes y profesores. También participa en la búsqueda y coordinación de producciones de jóvenes compañías emergentes. Desde 2020, CapoTrave/Kilowatt es la directora del proyecto Residenze Digitali (www.residenzedigitali.it).En 2024, concibió y comisarió el proyecto «Digital Performing Arts: tools and opportunities for those working in culture’», un curso de formación centrado en el desarrollo de capacidades digitales (www.kilowattfestival.it). Como parte de este proyecto, co-comisarió, junto con Ricci el manual «Viaggiare sicuri nella scena digitale». Desde 2024, participa en representación de CapoTrave/Kilowatt como coordinadora del proyecto «Digital on Stage», financiado por la UE en el marco de Europa Creativa y destinado a la producción y distribución de creaciones digitales y a los procesos de desarrollo de capacidades para artistas y operadores a escala europea.

Igor Colussi
ATER - Associazione Teatrale Emilia Romagna (Italia)

Tras graduarse en Ciencias Políticas en Trieste y Bruselas (con un Doctorado en Relaciones Internacionales), cursó un postrado en Performing Arts Management pro el Politécnico de Milán en colaboración con la Accademia Teatro alla Scala. Desde 2017 colabora con ATER Fondazione, institución que gestiona la red regional de teatros (16 salas) de la región de Emilia-Romaña, Italia. En ATER, es responsable de la programación de danza y del proyecto europeo «We Want More!» para la accesibilidad en el sector de las artes escénicas.

Lorenzo Papagallo
Fondazione Fabbrica Europa (Italia) 

Comisario y gestor cultural franco-italiano con una amplia trayectoria internacional. Actualmente desarrolla su labor en Fabbrica Europa (Florencia-Italia) como curador y responsable de proyectos internacionales, impulsando programas de cooperación, mediación, apoyo a la creación contemporánea y movilidad artística entre Italia, Europa y otras regiones del mundo.

Licenciado en Traducción e Interpretación, cuenta con estudios de posgrado en Gestión de Proyectos Culturales, Relaciones Internacionales y Responsabilidad Social Corporativa, realizados en universidades de Francia, Reino Unido, Alemania y España.

Es asimismo asesor de Asuntos Culturales e Internacionales para el Grupo de Ciudades Patrimonio de la Humanidad de España – UNESCO, además de curador asociado de artes escénicas para diversas instituciones y festivales en distintos países europeos.

Ha colaborado y trabajado como comisario y productor creativo en destacados festivales y centros culturales de España (Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Festival de Otoño, Teatro Español y Naves del Español en Matadero, dFERIA–Teatro Victoria Eugenia de Donostia, MEETYOU Festival en Valladolid, Festival 10 Sentidos de Valencia y Festival ACTUAL de Logroño) y del ámbito internacional (Wiener Festwochen en Viena, GIFT Festival en Tiflis, Neuss Shakespeare Festival, Electrotheatre Stanislavski de Moscú, LA ESCENA Los Ángeles, REGARDING Festival de Tel Aviv, BoCA Bienal en Lisboa, KVS de Bruselas, Actoral
en Marseilla entre otros).

Participa con frecuencia en programas académicos y educativos como mentor y profesor invitado, impartiendo formación sobre producción creativa, curaduría, gestión de festivales y estrategias de internacionalización cultural. Asimismo, coordina proyectos europeos e internacionales de cooperación cultural, promoviendo el intercambio y la movilidad artística.

Su trabajo se centra en la internacionalización y descentralización de las artes escénicas, con especial atención a las residencias artísticas como herramienta para apoyar a talentos emergentes y fortalecer los vínculos entre comunidades locales e internacionales.

Guillermo Weickert, en la modalidad de Creación, y Janet Novás, en la de Interpretación, han obtenido este jueves los Premios Nacionales de Danza 2025 que concede el Ministerio de Cultura, dotados con 30.000 euros cada uno.

El jurado ha galardonado a Guillermo Weickert (Huelva, 1974) por la “calidad y originalidad” de su pieza “Luz sobre las cosas” (2024), una coreografía “fascinante en su uso de la luz y el espacio, que conecta con la percepción del cuerpo y la libertad creativa del coreógrafo, director y bailarín”.

El jurado también ha resaltado que esta pieza se une a otros espectáculos de enorme riesgo presentados en los últimos años que confirman la solidez de una trayectoria que le ha situado como un artista de referencia para diferentes generaciones en España y en el panorama internacional.

Por otro lado, Janet Novás (Porriño, Pontevedra, 1982), ha sido distinguida en Interpretación “por la excelencia técnica y el gran magnetismo de sus trabajos “Si pudiera hablar de esto no haría esto”, “Mercedes máis eu”, y su versión final de “Where is Janet?”, que definen a una bailarina comprometida con los lenguajes contemporáneos y con una enorme calidad a nivel coreográfico, narrativo e interpretativo”.

Además, el jurado reseña que sea una artista que asume riesgos en cada trabajo, capaz de generar un código expresivo, en el que se “hibridan otros lenguajes, que conecta con el espectador desde la honestidad y la intensidad emocional”.

Ambos artistas han formado parte en ediciones pasadas del circuito Danza a Escena.

La localidad de Fuenlabrada lanza un ciclo de programación circense para esta temporada Otoño 2025 que llevará a varios escenarios las propuestas de catorce compañías y artistas, algunos/as de los cuales forman también parte del circuito Circo a Escena.

”Vetus Venustas”, de Cía Cíclicus, abrirá la programación este sábado 4 de octubre, si bien, como prolegómeno, se llevará a cabo una presentación de “Circo Abierto Fest Fuenlabrada”, que contará con expertos/as en esta disciplina artística y representantes de la corporación municipal.

En esta presentación, que se desarrollará en el Teatro Tomás y Valiente y versará tanto sobre este ciclo como sobre la situación actual del circo, participarán, entre otros/as, Cristina Mora, concejala de Cultura de Fuenlabrada; Daniel Sánchez, presidente de la Asociación de profesionales, artistas y creadores de circo de Madrid; Eva Luna García-Mauriño, directora del festival de circo RIESGO, o Daniel Juste, programador del Teatro Municipal José María Rodero de Torrejón de Ardoz.

Los diferentes escenarios de Fuenlabrada (Teatro Tomás y Valiente, Teatro Josep Carreras, Teatro Maribel Verdú y Teatro Aitana Sánchez Gijón) acogerán los espectáculos de, entre otras compañías, Cía. Sin Fin, Cía Kanbahiota + Chisgarabís, Puntocero Company, Cía NEAE, Rebe al Rebés, Bucraá Circus o Maleta Company & Cie. Balancetoi.

Además, se celebrarán distintas actividades paralelas, entre ellas, un encuentro en el que los y las artistas nos hablarán sobre su vida artística, el cuidado de sus cuerpos y su actitud frente a la vida que les ha permitido seguir en los escenarios con más de 65 años.

Al festival se incorporan también las actividades del Encuentro Nacional de Payasas, ‘Ácidas’, que este año cumple su cuarta edición.

Está abierto el plazo para la presentación de candidaturas para la dirección artística del Festival de Teatro de Olite, uno de los programas propios que organiza la Dirección General de Cultura – Institución Príncipe de Viana en colaboración con la Fundación Baluarte. El contrato incluye la elaboración de una programación para el festival y tiene un plazo máximo de cuatro años de duración y una dotación fija de 30.000 euros anuales (IVA excluido): 24.000 € para la dirección artística (IVA excluido), así como una cantidad específica de hasta 6.000 euros al año (con su IVA correspondiente excluido) a justificar en concepto de la realización de los viajes estrictamente necesarios para la realización del servicio licitado.

La persona seleccionada será responsable de crear, planificar y ejecutar la programación del festival. Además, deberá establecer la definición conceptual y programación anual, con proyección a 4 años; impulsará acciones de mediación, captación de nuevos públicos y cooperación con festivales e instituciones; garantizará la presencia relevante de compañías navarras, sin perder la dimensión estatal e internacional; y diseñará estrategias de difusión y comunicación y velar por la viabilidad económica del proyecto.

La adjudicación se realizará a favor de la propuesta que obtenga la mayor puntuación, según criterios cualitativos y cuantitativos: calidad artística y coherencia del proyecto; mediación y colaboraciones; viabilidad y gestión de la propuesta; criterios sociales y de igualdad de género; vinculación con el territorio. Además, se valorará la experiencia previa en dirección artística y el conocimiento de idiomas (inglés, euskera u otros idiomas de la Unión Europea).

El plazo para la presentación de solicitudes será hasta las 09:00 horas del próximo 10 de octubre. Las solicitudes deben presentarse de forma electrónica a través de la Plataforma de Licitación Electrónica de Navarra.

En los últimos cuatro años, la dirección artística ha recaído en el colectivo La Dramática Errante, formado por Ane Pikaza y María Goiricela.

El Festival Internacional de Teatro de Vitoria-Nazioarteko Antzerki Jaialdia pondrá en escena un total de 41 espectáculos entre el 26 de septiembre y el 13 de diciembre. Destaca en el programa la amplia presencia de artistas vascos y vascas. En total, participarán 17 compañías vascas (13 alavesas y 4 de Bizkaia), a las que hay que sumar dos acciones del programación expandida (“Atalak” y la nueva “Teatro para leer”), lideradas por creadores de Álava.

Entre los creadores vascos hay nombres como Carmen San Esteban y La Claqueta, Mono habitado, Pez Limbo, Iara Solano, Piszifaktoria, Helena Wilhemsonn, Parasite Kolektiboa, Ane Gebara o Juan Ibarrondo.

El programa incluye doce estrenos absolutos de compañías locales. De esas obras, dos son coproducciones con el Departamento municipal de Cultura y Educación, y ocho de la convocatoria ‘Off Local’. Además, 14 propuestas serán vistas en Euskadi por primera vez.

Destaca también la importancia de la decena de actividades previstas en el apartado Antzerkia Zabaltzen/Teatro abierto, con las secciones Atalak, Proyecto Bebés, Funciones accesibles, Encuentros con el público, Teatro para leer, etc.

En esta edición, Vitoria-Gasteiz recibirá a reconocidos nombres de la escena internacional, muchos de los cuales repiten su visita al certamen, como Need Company, Wajdi Mouawad y Family Flöz; otros acuden por primera vez a Vitoria; es el caso de dramaturgo uruguayo Sergio Blanco, la compañía belga Peeping Tom o la argentina Romina Paula.

A estas figuras, se suman otras de la escena española como Vicky Peña, Nathalie Poza, Javi Gutiérrez, Luis Bermejo, Pepe Viyuela y Ana Rujas.

Entre los grandes directores y directoras del Estado, nombres como Mario Gas, Andrea Jiménez, Sergio Peris-Mencheta, David Serrano y Cris Blanco.

Imagen: “Sombras, por supuesto”, de Romina Paula

La Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca cumple 39 ediciones y tendrá lugar en la capital oscense y en la localidad cercana de Chimillas del 21 al 25 de septiembre; el 21, jornada previa, se celebra en Chimillas y ya, del 22 al 25, en Huesca.

La Feria mantiene sus líneas de programación con especial atención a los lenguajes contemporáneos y a las nuevas dramaturgias, estructuradas en dos secciones: la programación general y “Sin Condiciones”, dedicada a la exhibición en zonas no urbanas en colaboración con la Comarca Hoya de Huesca.

La programación consta de alrededor de 30 espectáculos de teatro, danza y circo, con nueve compañías aragonesas, además de estatales e internacionales. Han sido seleccionados entre 1.541 propuestas recibidas, lo que supone un incremento del 25 por ciento respecto a la edición anterior, incluyendo proyectos de nuevos países como Países Bajos, Venezuela, Turquía o Congo.

La programación (puedes verla aquí) pivota sobre tres líneas fundamentales: espectáculos recientes y que prácticamente no se han visto en el territorio nacional (hay ocho estrenos), espectáculos de danza de creadoras y coreógrafas mujeres y producciones que reflexionan sobre cuestiones políticas y sociales, como globalización, consumo fugaz, pertenencia, cuidado, choque generacional, adolescencia…

Además de la programación escénica, la Feria sigue consolidándose como una cita de referencia para los profesionales, con actividades de reflexión, formación y networking. Será sede de acciones para la internacionalización de compañías en el marco de Pyrenart II, y reforzará su atención a los jóvenes a través de la sección “Escena 12-25”.

La programación se completa con propuestas de carácter participativo y de proximidad, como las Cabinas Literarias, una instalación ubicada junto al Palacio de Congresos que invita al público a sumergirse en la escucha de poemas y textos literarios dentro de cabinas telefónicas inglesas.

La programación del Temudas Fest cuenta con 36 compañías y un total de 72 funciones. Celebrado tradicionalmente en julio,  Temudas se ha trasladado a septiembre para facilitar la organización y descongestionar el calendario cultural. El escenario principal se encuentra en el Parque Santa Catalina.

Entre las compañías en cartel este año, hay 30 nacionales y seis internacionales procedentes de Reino Unido, Francia y Chile; entre las 30 nacionales, seis son de Canarias.

Así, encontramos en el cartel nombres como Manolo Alcántara, Pau Palaus, Led Silhouette, Marrch, Jimena Cavalletti, La Corcoles, Zen del Sur o Vaivén Circus, así como los franceses Deus ex Machina o L’Eolienne, o los británicos Dance Theatre y Motion House.

Este festival multidisciplinar, con 39 espectáculos y un total de 72 funciones, inclutye propuestas de teatro, danza, música, circo y espectáculos familiares.

El festival incorpora una gastronómica y actividades paralelas como las Jornadas de Teatro de Calle, que tendrán lugar del 17 al 20 de septiembre en el Museo Elder, con la participación de profesionales del sector.

Otra de las novedades de esta edición será el espectáculo “Lolita Pluma, reina del Parque Santa Catalina”, una obra con marionetas que rinde homenaje a este personaje emblemático de la ciudad, a cargo de Titiriclown y Manu Medina.

Danza Xixón alcanza su 25ª edición con un completo programa de actividades que irá del 2 al 26 de octubre. La programación incluirá una veintena de funciones, que se repartirán por nueve escenarios diferentes. Ese apartado, el abierto a todo el público, será de nuevo el plato principal a lo largo de octubre, el mes tradicional de la danza en la ciudad. Pero nuevamente habrá también seminarios especializados y también para el público en general, así como otras propuestas enmarcadas en “Más Danza”, donde se engloban los encuentros de creadores con el sector.

El programa de espectáculos se desarrollará principalmente en el Antiguo Instituto de Gijón, pero también se mostrarán propuestas en el teatro Jovellanos, el Espacio Escénico El Huerto, la Laboral, el Museo del Ferrocarril, los Centro Municipales Integrados de Pumarín Gijón Sur y el Llano y en la plaza Mayor en el Mercado Ecológico y Artesano.

Entre las compañías en cartel en el certamen se encuentran Elías Aguirre, Ángel Durán, Iron Skulls, Paula Comitre, Gillermo Weikchert, Losdeadae Dance Company, Zig-Zag Danza, Kiko López, Animal Religión o Led Silhouette.

Entre las novedades, se encuentran dos propuestas en “Más Danza”. Por un lado, está “Danzatera”, un proyecto para jóvenes creadores de hasta 35 años, por el que un jurado elegirá una de ellas, que después será incluida en la programación escénica de la Fundación Municipal de Cultura. Y además también se impulsará el “Danzódromo”, que consistirá en una fiesta de celebración de esos 25 años de Danza Xixón y está planeado para el domingo 26 de octubre, el último día del evento, con una fiesta de la danza para todos los públicos, con animación musical y animadores para disfrutar de las artes del movimiento.

También habrá cuatro proyecciones de películas y documentales en los Centros Municipales Integrados de El Llano, Pumarín, El Coto y La Calzada. Además, los organizadores repetirán con el espacio de divulgación, reflexión y encuentro en torno a la danza, bautizado como “La Danzatería”. Ahí además se enmarca una exposición, “25 años en movimiento”, para hacer un recorrido histórico sobre el cuarto de siglo de vida de Danza Xixón.

Del 19 al 21 de septiembre, Coslada vuelve a convertirse en un espacio de encuentro para la creación contemporánea con la celebración de la quinta edición del Festival Coslada Radial.

Danza, música, teatro, circo, propuestas familiares, experiencias no convencionales, talleres y teatro comunitario conforman la propuesta artística de este festival, que se desarrolla en diferentes puntos de la ciudad.

Durante tres días se podrá disfrutar de distintas actividades gratuitas o con una aportación simbólica de 1€ por control de aforo y se mostrará al público el trabajo que algunas de las compañías residentes en Coslada llevan a cabo durante todo el año.

Más de la mitad de los artistas presentes en esta edición son de Coslada.

La propuesta de teatro comunitario de esta edición será la performance “La Carmen de Coslada”, de la artista Romina de Novellis (Francia/Italia), una acción coral en la que participa ciudadanía del municipio y que tendrá su presentación final el último día.

Las propuestas de danza se componen de “Lost-Solo” de la compañía de Italia Atacama, “A&S: Viajeras del Espacio” de la Compañía Baal de Mallorca y de las propuestas de Coslada “Zapatos Rojos” de Óscar Rivilla, Daniela Merlo y Rebekah Rhodes, “Resistir un latido” de LD2, Compañía Joven de Coslada, y “(Para) un momento”, de La Petite Mort y Puntos Suspensivos.

Los talleres están encabezados por la performance comunitaria La Carmen de Coslada, para la que los participantes ensayarán los tres días de festival para mostrar el último. Además, tendrá lugar el Taller de Danza Contemporánea de Patrizia Cavola, directora de la Compagnia Atacama de Italia y el Taller de Butoh de la artista local Verónica Garzón.

El circo tendrá su cabida en el festival con el espectáculo “Circo Belui” de la artista Isa Belui, y por “¡Vaya circo!” de la Compañía Baya de Madrid. Otras experiencias serán las propuestas de narrativa expandida “Todo y Nada”, de Nelson Galtero, las “Cabinas literarias” de Proyecto Cultura de Extremadura, experiencia sensorial que invita a escuchar poemas dentro de tres cabinas telefónicas, y la instalación interactiva “Stage_On The Road” de Larumbe Danza, que permite acceder a contenidos inmersivos de una plataforma virtual creada para difundir la danza y las artes vivas en entornos digitales.

Además, este año Coslada Radial incorpora en su programa la presentación final del proyecto europeo Music In You: durante seis días 42 jóvenes y profesionales de Alemania, Francia, Hungría, Italia, Polonia y España convivirán en Coslada en el marco del proyecto europeo Music In You, una iniciativa impulsada por Erasmus+, INJUVE y la Unión Europea, con el objetivo de utilizar la música y las artes escénicas como herramienta de transformación social y medio para construir comunidad.

Este proceso culminará con una muestra final abierta al público en la que los y las jóvenes participantes compartirán el resultado de un año de creación colectiva.

Los espectáculos podrán verse en los 60 escenarios de estas seis Comunidades Autónomas que forman parte del Itinerario Constelaciones, que incluye dos extensiones fuera de las fechas del programa oficial, encuentros con los públicos, siete colaboraciones con festivales y tres funciones destinadas a público escolar.

Las compañías gallegas que integran el cartel de CEN son Chévere, Premio Nacional de Teatro en 2014, que ofrecerá “Hellen Keller, ¿la mujer maravilla?”; Paula Quintas Cía., con su espectáculo “Multiperspectivas#3”, y Pérez & Fernández, que estrenará fuera de Galicia y en castellano “Nanay de la China”.

Por su parte, Asturias intervendrá en el intercambio cultural de CEN con Guayominí Producciones y su “Hamlet”; Zig Zag Danza, que presentarán “Postales rotas”, espectáculo que logró el Premio Jovellanos a la Producción Escénica 2024 y cuatro galardones en la última edición de los Premios Oh! de las Artes Escénicas de Asturias, y La Roca Producciones junto a Acar Teatro del Mundo presentarán “Zozobra” (Premio Oh! al mejor intérprete).

La participación de Cantabria correrá a cargo de las compañías El Tejo Producciones, que presentará “El jardín de las posibilidades”; Ábrego Teatro, con su producción “Soñando a Lorca”, y Escena Miriñaque, Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2024, que girará con “tÁ”.

En representación de Euskadi, se han seleccionado las creaciones de Tartean Teatro con “El dilema del corcho”; niMú con “Pausa” y Olatz Gorrotxategi con “Progreso”.

Navarra ofrece estas tres propuestas artísticas: “Halley” de Led Silhouette; “Una mera curiosidad”, de Producciones Maestras y “Yúgen”, de La Banda Teatro Circo.

La Rioja estrena su participación en CEN con las compañías El Perro Azul, que representará “Globe Story”; Chamán Producciones, con su propuesta “Oveja perdida ven sobre mis hombros que hoy no solo tu pastor soy sino pasto también”, y Sapo Producciones, que presentará “Te regalo el sol”.

Estos 18 espectáculos de la séptima edición, tres por territorio, conforman una programación itinerante de artes escénicas de corte generalista en la que prevalece la diversidad de lenguajes, estéticas y formatos, tanto para público infantil y adolescente como adulto; producciones de teatro de texto, nuevo circo, danza y artes del movimiento, creación contemporánea, espectáculos didácticos y experiencias site-specific.

En esta edición se mantienen actividades como talleres, coloquios y encuentros con el público. El Catálogo de Espectáculos Recomendados Camino Escena Norte y la iniciativa Mirando las constelaciones redondean la oferta de CEN en 2025.

Asimismo, Habitación Peregrina PRO es un espacio de convivencia profesional donde las compañías entran en contacto, conocen sus líneas de trabajo y propuestas estéticas, profundizan en la realidad de los distintos circuitos de programación, exploran vías de coproducción y acceden a propuestas de formación que sean de interés para su desarrollo profesional. El encuentro será en Santander, en el Palacio de Festivales de Cantabria del 16 al 18 de septiembre.

Camino Escena Norte es un proyecto de intercambio cultural a través de las artes escénicas entre Galicia, Asturias, Cantabria, Euskadi, Navarra y (ahora también) La Rioja.

El Mercat de Música Viva de Vic-MMVV propone en su 37ª edición una mirada innovadora buscando nuevos referentes de la música en directo. Ésta será la primera edición de la nueva dirección artística formada por Joan Rial, Jordi Casadesús y Rubèn Pujol, que tienen el objetivo de continuar haciendo del MMVV una feria musical de referencia internacional, poniendo en el centro las necesidades de la industria y del sector.

Vic acogerá del 17 al 21 de septiembre grandes conciertos a cargo de artistas como Maria Arnal y Jay-Jay Johanson, así como grandes nombres del panorama musical catalán como La Ludwig Band, 31 FAM o Sidonie.

“Himno vertical”, el nuevo proyecto musical de Rocío Márquez entre el flamenco, la clásica y lo experimental, será el concierto inaugural de esta edición.

El MMVV se alargará hasta el domingo 21 de septiembre recuperando el concierto de clausura en la Plaça Major, este año protagonizado por Mishima.

Esta edición 2025 contará con 73 actuaciones y la mitad de propuestas catalanas, sumadas a un 25% de propuestas estatales y un 25% de internacionales.

La Comisión de Música de La Red estará presente en esta 37ª edición del Mercat de Música Viva de Vic. Allí, el 19 de septiembre, mantendrá además una reunión de trabajo. 

El jueves 11 de septiembre arranca la 45ª edición de FiraTàrrega, que se extyenderá hasta el 14 de septiembre. La edición 2025 de la feria tiene como objetivo reforzar su papel como mercado internacional de las artes escénicas. El certamen ofrecerá 54 espectáculos con 329 artistas bajo el leitmotiv “Connectar”; del cartel, un tercio de los montajes serán estrenos.

Un total de 28 compañías serán catalanas (50%), 16 del resto del Estado español (30%) y diez internacionales (18%) procedentes de seis países, entre los cuales destaca la presencia de Irlanda, con 4 propuestas; también habrá compañías de Bélgica, Francia, Portugal, Reino Unido y Andorra.

Una importante novedad de FiraTàrrega es la apuesta para concentrar la actividad en el centro de la ciudad en cuatro grandes espacios, ofreciendo una mayor comodidad al público. Estos espacios se reparten en cuatro grandes zonas: Reguer, Centro, Llotja (que por primera vez exhibirá piezas) y Piscines.

La Llotja, el espacio para profesionales acreditados, espera a unos 1.100 profesionales. Destacará la presencia de delegaciones profesionales de Italia, Alemania e Irlanda.

Con respecto a las disciplinas, 23 piezas serán de teatro, 15 de danza y 11 de circo, un 72% pensadas para la calle y un 24% para salas.

FiraTàrrega 2025 se inaugurará con la pieza itinerante de gran formato “INTERFERENCIA 03: Breu inici d’aproximació fugaç al prefaci del segon folre en l’esfondra. Trajecte a 85pm”, de Marc Salicrú, coproducida entre Mercè Arts de Carrer, el festival Grec y FiraTàrrega.

FiraTàrrega acogerá un encuentro profesional internacional, con invitados de diferentes países europeos, en el marco del proyecto “Itinerarios en Red” impulsado por La Red Española de Teatros.

Imagen: “INTERFERENCIA 03: Breu inici d’aproximació fugaç al prefaci del segon folre en l’esfondra. Trajecte a 85pm”

Los Premios del Público de la XXVIII Feria de Teatro de Castilla y León que convoca cada año la Asociación de Amigos del Teatro de Ciudad Rodrigo y que concede el público a través de sus votos en la aplicación de la Feria ya tienen nombre. Las compañías Histrión Teatro, Nostraxladamus y La Pera Llimonera han sido las merecedoras de los galardones en las tres categorías existentes: teatro de sala, teatro de calle y público familiar, respectivamente.

Gema Matarranz era la encargada de poner en escena el 28 de agosto “Dysphoria”, un trabajo en el que la actriz se adentraba en el asunto de la identidad de género desde la postura de una madre. La obra, de la compañía andaluza Histrión Teatro, con dramaturgia y dirección de María Goiricelaya, ha convencido al público, que, con sus votos, le ha otorgado el premio de mejor espectáculo de sala en esta edición de la Feria.

Uno de los once estrenos absolutos de este año era “Rumbo Latòti”, una aventura circense que transcurría en un barco tripulado por acróbatas y músicos. Esta producción de la compañía oscense Nostraxladamus ha sido la más votada en la categoría de mejor espectáculo de calle.

“RUCS, El maleficio del brujo” ha sido el elegido en la categoría de mejor espectáculo familiar. Esta producción está dirigida por Toni Alba, autor del texto junto a Pere Casanovas y Pere Romagosa. La compañía catalana La Pera Llimonera reinterpretaba en esta producción el mundo de los cuentos de la mano de dos comediantes que van de pueblo en pueblo. La propuesta fue la primera de las dirigidas específicamente a niños a partir de 4 años de las programadas en el Teatro Nuevo Fernando Arrabal de la localidad salmantina.

El XIII Festival Internacional de Circo de Castilla y León, “Cir&Co 2025” arranca este jueves 28 de agosto en Ávila con una programación de 216 actividades y 44 funciones, que se podrán disfrutar tanto en la ciudad, hasta el domingo 31, como en la provincia, hasta el jueves 4, gracias a la extensión del evento que llegará hasta siete municipios abulenses.

Cir&Co 2025 incluye diferentes disciplinas de circo, magia, danza y teatro musical, con espectáculos para todos los públicos y con la participación de 21 compañías de siete nacionalidades diferentes, que pondrán en escena cuatro estrenos en España y seis en Castilla y León.

La programación se abrirá en la tarde del jueves 28 de agosto, con la puesta en escena del espectáculo “Kaleido” de la compañía de Castilla y León “Stellar Circus”, en el espacio Lienzo Norte, que podrá verse de nuevo el viernes 29 y el sábado 30 de agosto.

El festival se desarrolla en espacios de calle emblemáticos. En el Episcopio tendrán lugar las actuaciones de la compañía ítalo-francesa Circo in Rotta y la andaluza Truca Circus; hasta el palacio de Bracamonte llegará el circo y música de los franceses CIE.I.SI además del clown de la compañía regional Las Pituister; en el palacio de Superunda Caprotti tendrán lugar los espectáculos clown de la compañía castellanomanchega CÍA. La Belle École, mientras que el claustro de San Francisco será el escenario para el teatro de objetos de la navarra Estefanía de Paz Asín.

También forman parte de la programación las compañías Iara Gueller', de procedencia belga y brasileña, la catalana De tal palo o las francesas Cirque au Carré y Le Faux Renversé.

Completan el programa Cía Pakipaya, Alauda Teatro, Arawake Theatre, Lo Ludens, Cie. Ça Tourne o Cie Del L’Echelle.

Por segundo año, el Festival llegará hasta siete municipios de la provincia de Ávila: Piedralaves, El Hoyo de Pinares, Navaluenga, El Barraco, El Barco de Ávila, La Adrada y Arenas de San Pedro, donde se representarán varias funciones.

El Teatro Circo Albacete, miembro del Consorcio Cultural Albacete (circuito asociado a La Red) acoge a partir del 1 de septiembre la exposición itinerante “Maravillas de un museo, en Almagro maravillas. Un viaje a todas partes”: será el primero de los doce espacios escénicos que acogerán este proyecto expositivo del Museo Nacional de Artes Escénicas en los próximos meses.

La exposición se inauguró en el Museo Nacional de Artes Escénicas (MNAE), el Almagro, el pasado 2 de junio y es una retrospectiva con la que el MNAE se une al 25 aniversario de La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública: recorrerá una docena de teatros asociados de Castilla-La Mancha, Región de Murcia, Comunitat Valenciana y Comunidad de Madrid.

“Maravillas de un museo, en Almagro maravillas. Un viaje a todas partes” está comisariada por el catedrático de literatura de la UCM Javier Huerta Calvo y diseñada por Flores Design_io. Se trata de una instalación audiovisual que pretende introducir a los espectadores del siglo XXI en el gran mundo del teatro, a través de las “maravillas” que atesora el Museo Nacional de Artes Escénicas.

La muestra se “encomienda” A Cervantes y su “retablo de las maravillas” para encerrar dos milenios largos de vida teatral. Los protagonistas de su entremés, Chanfalla y Chirinos, son los protagonistas de una exposición que “se ha puesto al día mutando en una posmoderna pareja: Cha y Chi, o sea, una pareja chachi”. Ambos personajes son los guías de un viaje que lleva al espectador a esos lugares esenciales de la existencia humana: los puntos donde se alojan el placer y el dolor, la risa y el llanto, la fortuna y la desdicha, la vida y la muerte.

A modo de cómic, cada viñeta, individualizada con la aleluya correspondiente, “incluye algunos de los elementos claves en la construcción de una obra dramática: dibujos y pinturas de asunto dramático –textos, retratos, escenas–, manuscritos, bocetos escenográficos, figurines, fotografías, libros, programas... Todo un material —destaca el comisario de la exposición— que, en su mayoría, se encuentra a disposición de investigadores y curiosos en el MNAE”.

La propuesta museográfica se basa conceptualmente en una reinterpretación "modernizada" del pliego de aleluyas tradicional, que se traslada a un mosaico de 9 pantallas.

Desde mañana 26 de agosto y hasta el sábado se celebra en Ciudad Rodrigo la 28ª edición de la Feria de Teatro de Castilla y León, que incluirá 16 estrenos, 11 de ellos absolutos. El programa contará en total con 43 espectáculos procedentes de 13 comunidades y de Portugal, además de la participación de 14 compañías de Castilla y León

El certamen acoge una amplia muestra de disciplinas y lenguajes escénicos: teatro de texto, de títeres y objetos, gestual o documental, danza, circo y nuevo circo…

La selección de espectáculos, realizada entre las 977 propuestas recibidas de todas las comunidades autónomas y de otros 23 países configura, un programa integrado por 43 espectáculos procedentes de 13 comunidades y de Portugal.

La programación atenderá un año más al territorio principal de la Feria, el occidente peninsular, del que procede más de la mitad de la programación, gracias a las 23 formaciones procedentes de Castilla y León, Extremadura, Galicia, y Portugal.

En su vertiente internacional, la Feria dará cabida a las portuguesas Companhia Universo Paralelo, con “Jacarandá”; Este con “Descamino”, que presenta un elenco integrado por actores de Portugal y de Castilla y León, y PIA (Projectos de Intervenção Artística), que estrena en España el espectáculo itinerante de calle “Caricature”.

La colaboración estable con el país vecino fructifica un año más en el acuerdo con la Feira de Teatro Ibérico de Fundâo, que incluirá en su cartel a la compañía de Castilla y León Alauda, además de la obra galardonada con el Premio del Público al mejor espectáculo de sala en la 27ª Feria de Teatro de Castilla y León, “Xpectro”, de Zen del Sur; en virtud del mismo convenio, la cita mirobrigense programará “Descamino”.

Una de las novedades de este año es la creación de un itinerario de programación de la disciplina de teatro documental, dentro del cual se exhibirán cuatro espectáculos, con el patrocinio del Instituto de las Mujeres, del Ministerio de Igualdad, para dar visibilidad al trabajo profesional de creadoras en el campo de las artes escénicas, cuyas propuestas (las firmadas por Proyecto 43-2, Estrella R. y Ruido Interno, Les Pinyes y Olatz Gorrotxategi) se apoyan en investigaciones sobre hechos reales.

Catorce de los títulos se representarán al aire libre, parte de ellos en un entorno monumental que pondrá de relieve la riqueza patrimonial de Ciudad Rodrigo, y el resto en las diferentes salas y espacios habilitados, como el Teatro Nuevo Fernando Arrabal.

Además del programa educativo para niños, niñas y jóvenes Divierteatro y del habitual curso de formación para jóvenes en animación teatral, las actividades complementarias contemplan distintas convocatorias para profesionales.

Más de medio centenar de profesionales y sesenta entidades se acreditaron el pasado año, de los que un 61 % repite todos o casi todos los años, y el 80 % de las formaciones participantes cerraron contratos en los cuatro meses posteriores a la cita mirobrigense.

La vigesimoctava Feria de Teatro de Castilla y León acogerá distintas actividades para favorecer la dinamización del sector; entre ellas, presentaciones de proyectos y talleres formativos para profesionales, como el que se realizará en colaboración con la Coordinadora de Ferias de Artes escénicas del Estado (COFAE), enfocado en esta ocasión a la comunicación cultural, y otro específico sobre teatro documental, motivado por la iniciativa del Instituto de las Mujeres para promover esta especialidad, así como un encuentro profesional en colaboración con la Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Castilla y León (Artesa).

La Feria de Teatro está organizada por la Junta de Castilla y León, con la colaboración del Ayuntamiento de Ciudad Rodrigo y la Diputación Provincial de Salamanca y bajo la gestión y coordinación de Asociación Cultural Civitas.

Cuenta, además, con el apoyo del INAEM, el Instituto de las Mujeres, la Junta de Extremadura, el Gobierno de Aragón, la Federación de Autónomos y Empresarios de la Comarca de Ciudad Rodrigo (Afecir) y COFAE.

A principios de septiembre, el Festival Internacional Outono de Teatro-FIOT Carballo presentará el programa completo, que se desarrolla, como cada año, en sala y espacios de calle, con distintas líneas programáticas: Programa de Sala, OTNI, Rúa dos Contos, Teatro de Rúa, FIOT en Ruta, Micro-escenas M2, FIOTeen e Fiotiño, además de actividades paralelas como exposiciones y jornadas profesionales.

En el primer avance de la programación figuran tres producciones con sello gallego a cargo de las compañías Contraproducións, Ainé y Galeatro.

Galeteatro y Xarope Tulú, en coproducción de FIOT, estrenará el sábado 27 de septiembre su espectáculo para público familiar “Berenguela na gaiola”, con dramaturgia y dirección de la Premio Nacional de Literatura Dramática Paula Carballeira. La obra sitúa la acción en una residencia para personas mayores, donde tres ancianas batalla por ser libres.

En “Territorio regueifa”, de Ainé Producións, en coproducción con FIOT (estreno abstoluto, el 4 de octubre), se busca acercar al público el mundo de la regueifa, una de las expresiones culturales más ancestrales de Galicia. Este espectáculo consiste en la celebración de una disputa dialéctica improvisada en verso entre dos o más participantes. Se trata de un proyecto inédito en Galicia, que combina la obra de algunos de los grandes divulgadores de esta manifestación artística, convertidos en protagonistas de la pieza, con la de destacados profesionales de las artes escénicas.

Es estreno en Galicia “Solo quiero ir a Francia”, de Contraproducións, que llega al FIOT el 25 de octubre, un espectáculo en torno a la memoria de la Guerra Civil.

Es el nuevo espectáculo de la productora gallega Contraproducións y está firmado y dirigido por Elisabeth Larena, actriz, dramaturga y directora, que debuta en la dirección de escena. El espectáculo está protagonizado por María Galiana

El FIOT es un festival que “ofrece un programa comprometido con las artes escénicas” y co el teatro más actual. Está organizado pro la Asociación Cultural Telón e Aparte y que cuenta con la colaboración do Concello de Carballo.

Rincones y Recovecos, Festival de Artes Escénicas en Espacio Singular, vuelve con su VIII edición, que se celebrará del 18 al 20 de septiembre en Laboral Ciudad de la Cultura, proponiendo al público recorridos narrativos, circuitos artísticos y actividades gratuitas.

La programación incluye más de una docena de espectáculos de compañías de Asturias, Navarra, La Rioja, Madrid, Andalucía, Comunidad Valenciana, Castilla y León y Aragón.

La inauguración se celebrará en el centro de la ciudad de Gijón, en el Museo de la Ciudadela, donde se podrá disfrutar de “Justina y Jacinta” un espectáculo de calle al estilo de las cómicas del Siglo de Oro.

Este año, el Festival Rincones y Recovecos incorpora una novedad muy especial que amplía sus fronteras creativas. Gracias a la colaboración con el festival Escenario Insólito de La Rioja, Rincones y Recovecos pone en marcha un intercambio artístico que une a los dos territorios, Asturias y La Rioja, bajo una misma idea: descubrir las artes escénicas en lugares inesperados, con el público como protagonista activo.

La cita tendrá lugar el sábado 20 de septiembre en varios espacios no convencionales de la Laboral Ciudad de la Cultura. En esta ocasión, el público disfrutará de tres propuestas tan diferentes como sorprendentes: “Aire”, de Nun Tris Producciones; “Pico y Pala”, de Meraki; y “Rompeolas”, de Higiénico Papel. Las tres se presentarán en un recorrido único y continuo, pensado para que la experiencia sea inmersiva y completa.

Al finalizar las funciones, cada espectador podrá ejercer como jurado, emitiendo su voto para elegir la propuesta que mejor le haya conquistado; el resultado se anunciará esa misma noche, durante la clausura del certamen. La compañía ganadora recibirá una invitación para actuar en el festival Escenario Insólito en enero de 2026, mientras que Rincones y Recovecos acogerá en Gijón un espectáculo procedente de La Rioja. En esta primera edición, el invitado es “A Ciegas”, de Peloponeso Teatro.

El programa del segundo semestre contará con nueve espectáculos escénicos de teatro, uno de danza, otro de ópera, y un ciclo de ocho proyecciones de cine en versión original.

La programación comenzará el 18 de agosto con el espectáculo de calle “Home”, galardonado con el premio al Mejor espectáculo de calle FETEN 2025. La compañía Cris Clown llevará su propuesta llena de humor hasta el Paseo del Espolón.

Además, también en agosto comenzará un ciclo de cine en versión original con ocho títulos de prestigio internacional, seleccionados por su relevancia en festivales como Cannes, Berlín, Sundance o San Sebastián.

En septiembre, la programación escénica cobrará protagonismo con algunos de los títulos más exitosos del panorama nacional. El 12 y 13 de septiembre llegará “Iconos o la exploración del destino”, una nueva propuesta de Rafael Álvarez ‘El Brujo’, que presentará un montaje con su inconfundible sello de narración, humor y reflexión.

Los días 21 y 22 de septiembre será el turno de “Una madre de película”, una comedia protagonizada por Toni Acosta bajo la dirección de Juan Carlos Rubio.

También en septiembre se representará “Inmaduros”, con Carlos Sobera al frente del reparto; “Asesinato en el Orient Express”, basada en la obra de Agatha Christie, con Juanjo Artero, y “Pijama para seis”, una comedia de enredos interpretada por Gabino Diego y dirigida por Francisco Cánovas.

La ópera también tendrá su espacio en esta programación con la representación, entre otros espectáculos, de “La Traviata” de Giuseppe Verdi, a cargo de Ópera 2001.

Ya en diciembre se ofrecerá “Bon Voyage!”, un espectáculo de teatro musical y visual interpretado por la Orthemis Orchestra, enmarcado en el programa Platea; “Los Hermanos”, adaptación del clásico de Terencio con dirección de Chiqui Carabante, on Pepón Nieto e Eva Isanta; “Parejas imperfectas”, texto contemporáneo de Martyna Majok con Toni Cantó y Lola Baldrich, “A la luna”, una propuesta teatral dirigida por Cynthia Miranda, y “La Bella Durmiente”, a cargo del Ballet Clásico Internacional.

Está abierta hasta el 15 de septiembre a las 14:00 h (horario peninsular la convocatoria artística de la XXII edición de MadFeria-Feria de Artes Escénicas de Madrid, que adelanta su habitual fecha de celebración: el encuentro se celebrará del 26 al 30 de enero de 2026 en El Escorial y Madrid capital.

Las compañías profesionales pueden presentar como máximo una propuesta a la convocatoria. Deben tener en cuenta que MADferia tiene como misión potenciar las artes escénicas de lenguajes contemporáneos, nuevas dramaturgias y propuestas de innovación y emergencia.

En la presente convocatoria podrán presentarse propuestas de teatro, danza, circo y artes vivas; de pequeño y mediano formato; destinadas a público adulto, infancia y juventud.

Se prestará especial atención a las producciones que no hayan realizado más de 6 plazas en el territorio estatal (en comunidades distintas a la suya), así como que no hayan formado parte de las programaciones de otras ferias generalistas del Estado. Se valorarán aquellos espectáculos estrenados a partir del 1 de junio de 2024.

MADferia dará soporte técnico a la compañía en el montaje de su espectáculo y le proporcionará ayuda para la carga y descarga de su material y escenografía.

La ficha técnica (rider) que la compañía aporte en la solicitud será la única que se tomará en cuenta para la selección del espectáculo.

Las compañías que formen parte de la programación de MADferia recibirán una contraprestación económica en función del número de intérpretes de la pieza y de si tienen su sede fuera de la Comunidad de Madrid.

En el momento de la selección, se informará a la compañía de su asignación económica para que pueda valorar su participación en la feria.

Alojamiento y manutención

MADferia proporcionará una noche de alojamiento a los intérpretes de la pieza y un máximo de dos técnicos de las compañías que sean de fuera de la Comunidad de Madrid, en régimen de habitación doble. Excepcionalmente, se cubrirá una noche más de alojamiento, únicamente a los técnicos, si los horarios de montaje pactados con la dirección técnica así lo requieren.

MADferia proporcionará el almuerzo del día de la actuación para todas las compañías programadas.

Una vez realizada la inscripción la compañía recibirá un correo electrónico automático de confirmación. En caso de no recibirlo, debe contactar con la organización para confirmar la inscripción. Las inscripciones se revisarán a partir del 1 de septiembre.

+ Información y formulario de inscripción

El Auditorio de Tenerife (espacioi asociado a La Red) será la sede principal de las 17ª Jornadas de Inclusión en las Artes Escénicas, 2026, que se celebran por primera vez en un contexto insular y que pondrán la atención en las realidades ligadas a la migración.

El INAEM y el Cabildo de Tenerife organizan de forma conjunta esta edición, en la que La Red Española de Teatros participa como entidad coorganizadora.

Las Jornadas abordarán este año la cuestión de los desplazamientos migratorios como parte de nuestro pasado, presente y futuro, y los retos que se nos plantean como sociedad e individuos.

Las Jornadas abordarán la complejidad de esta temática con rigor y sensibilidad, vinculándola con las artes escénicas y la música desde una perspectiva interseccional y en el marco del desarrollo de los Derechos Culturales.??

El encuentro se celebra desde el miércoles 22 de abril hasta el viernes 24. El Auditorio de Tenerife será la sede principal de esta cita, que extenderá además parte de su programación por diferentes sedes.

El buzón de correo contenidos.inclusion@inaem.cultura.gob.es está abierto a la recepción de propuestas artísticas y proyectos de gestión cultural o relacionados con la inclusión que puedan encajar con la temática y la naturaleza de las Jornadas.

Próximamente se abrirá la convocatoria para la selección de proyectos consolidados cuyos autores realizarán una breve presentación de los mismos en las Jornadas.?

El Festival Cádiz en Danza acaba de publicar un resumen audiovisual del III Seminario Internacional sobre Mediación Artística, que, bajo el título “De qué va esto”, se celebró del 10 al 13 de junio en el Centro Cultural Maria Victoria Atencia de la Diputación de Málaga y en el marco del Festival Internacional Cádiz en Danza.

En el encuentro participaron agentes culturales, artistas, educadoras y público general con el objetivo de interrogar cómo se produce, se gestiona y se acompaña lo artístico desde el cruce entre cultura y educación, participación o derechos culturales. La Red formó parte del grupo motor de contenidos y aportó dos casos de estudio que forman parte del proyecto de mediación Ornitorrinco: el proyecto Azogue es una red estable de proyectos de mediación implementados en la provincia de Albacete que se refuerza con la colaboración entre los municipios participantes, con acuerdos específicos sobre recursos, programación y objetivos compartidos. Forman parte del programa el Teatro Circo Albacete y los municipios de Almansa, Casas Ibáñez, Caudete, Higueruela y Tarazona de la Mancha.

Por su parte, el programa de Educación, Mediación y Participación del Área de Artes Escénicas del Ayuntamiento de Murcia “Experimenta Escénica” (desarrollado entre 2023 y 2024) está concebido para ofrecer una experiencia que complemente la programación, donde artistas, mediadores, profesores y alumnos/as son los protagonistas de un diálogo que se construye a través de una forma de sentir el teatro como algo capaz de agitar el espíritu crítico, la sensibilidad y el amor por las artes escénicas. “Experimena Escénica” se divide a su vez en diferentes programas dirigidos a colectivos específicos y concebidos como actividades diversas: Teatrápame, Club de Lecturas Dramáticas, Talleres infantiles, Talleres juveniles, Formación del profesorado, Pensamiento a escena, Exposiciones y EscénicaLab.

El Teatro Principal de Alicante ha decidido otorgar la llàntia (lámpara) de honor al Teatro Chapí de Villena en el centenario de su construcción. La gala de entrega de los Premios José Estruch correspondientes a esta temporada 2024-2025 se celebrará el próximo 20 de octubre en el propio Teatro Principal, que rendirá tributo a la figura de José Estruch, referente del teatro contemporáneo alicantino.

Estos premios, creados en 2016, recuerdan al director de escena alicantino y reconocen los trabajos teatrales de cada temporada que se han subido al escenario del Teatro Principal de Alicante. Los concede el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert y el propio Teatro Principal de Alicante.

Los ganadores de la novena edición de los premios José Estruch en la categría de mejor interpretación de reparto ha recaído en el elenco completo de “Los lunes al sol”, la adaptación teatral de la película del mismo título, formado por Mónica Asensio, Marcial Álvarez, José Luis Torrijo, Fernando Cayo, Fermi Herrero, Fernando Huesca, César Sánchez y Lidia Navarro.

En relación con los galardones anunciados a través de un comunicado, la llàntia a la contribución a las artes escénicas de la Comunidad Valenciana ha recaído en la compañía Esclafit Teatre, mientras que en el apartado interpretativo, Javier Cámara ha sido distinguido como mejor actor principal por su papel en “VaniaXVania” y Aitana Sánchez-Gijón recogerá el premio a la mejor actriz principal por su trabajo en “La madre”.

El galardón a la mejor dirección ha recaído en Sergio Peris-Mencheta por “Blaubeeren”; mientras que la llàntia al mejor espectáculo ha sido para “Forever”, de Kulunka Teatro, una coproducción del Centro Dramático Nacional, el Teatro Victoria Eugenia de Donosti y el Teatro Arriaga de Bilbao.

El jurado, que se reunió el pasado 16 de junio para deliberar sobre los premios otorgados, está compuesto por los siguientes profesionales: Mila García, actriz; Marc Llorente, crítico teatral de el diario “Información”; Elena Candela, actriz; Manuel Palomar, técnico de Cultura del Ayuntamiento de Alicante; Diego Juan, actor; Juana María Balsalobre García, doctora en Historia y crítica de arte; Rosa Mª Monzó, exdirectora de la Biblioteca Gabriel Miró; Iván Jiménez, director, actor, autor y pedagogo teatral; Juan Antonio Ríos Carratalá, catedrático de Literatura de la Universidad de Alicante; Antonio Díez Mediavilla, catedrático de Didáctica de la Literatura de la Universidad de Alicante; Antonio Sempere, periodista, escritor y crítico cinematográfico en el diario “Información”; y María Dolores Padilla Olba, subdirectora del Teatro Principal de Alicante.

El Festival FRESCA! se celebra por tercer año consecutivo en Casa Mediterráneo, Alicante, transformando de nuevo el espacio y convirtiendo el andén de la antigua estación de ferrocarril en un espacio escénico no convecional. Con una programación eminentemente internacional, este año refuerza el apoyo a los profesionales valencianos.

Casa Mediterráneo, como escenario principal, acogerá cinco espectáculos de gran formato que se representarán los días 18, 20, 22, 24 y 26 de junio a partir de las 22.00 horas.

Asimismo, el Espai Frescoreta!, también en Casa Mediterráneo, vuelve a ser la apuesta familiar del festival, este año con cuatro espectáculos los días 19, 21, 23 y 25 de julio.

FRESCA! 2025 arranca el martes 15 de julio con su programa ‘FRESCA AL CARRER!’ en los Jardines de la Diputación de Alicante con La Zigurat Circus Band, que pone en escena un espectáculo de música y teatro de calle. Los siguientes días en el programa encontramos, entre otros, a JAM, con su espectáculo “L’actitud”, galardonado con el Premio Drac d’Or de la Fira de Titelles de Lleida, 2023, o “Prometeo”, una producción del Palau de les Arts Reina Sofía en coproducción con OtraDanza, Institut Valencià de Cultura y la participación del Festival Dansa València, el Auditorio de Tenerife y Centro Danza Matadero de Madrid, creada y dirigida por la coreógrafa Asun Noales.

Espai FRESCORETA! arranca el 19 de julio con la obra de teatro-circo contemporáneo “Somos”, de la compañía murciana Circuspunto Teatro.

El día 20, al escenario principal llega desde Dinamarca la compañía de circo contemporáneo Copenhagen Collective, y el 21, en Espai FRESCORETA!, el espectáculo de teatro gestual y clown “Embolic” de la compañía catalana Cia Pau Palaus.

Hasta el 26 de julio estarán en Alicante las compañías Dels Altres, Maleta Company y Cie. Balancetoi, la compañía flamenca de Manuel Liñán, el clown Jean Philippe Kikolas y Bambalina Teatre Practicable, que cerrará el programa del festival su versión de “Edipo-Rey” de Sófocles, que adapta y dirige Jaume Policarpo, con más de 35 artistas en escena entre actores y actrices, músicos y coro.

Toda la información del festival, en la web: www.festivalfresca.es.

FRESCA! está organizado por el Institut Valencià de Cultura con el epoyo de la Diputación de Alicante y Adif.

El Ministerio de Cultura presentó ayer el Plan de Derechos Culturales, un programa que cuenta con un presupuesto de 79 millones de euros y que contempla 146 medidas concretas para los próximos años dirigidas a hacer accesible la cultura a toda la ciudadanía a través de múltiples acciones, como descuentos para familias monoparentales en los museos y teatros del Ministerio, ayudas para llevar la cultura a los pueblos, al sistema educativo o a las mujeres reclusas para ayudar a su reinserción, etc.

El plan de acción incluye, junto al Ministerio de Consumo y Agenda 2030, la puesta en marcha del primer estudio sobre desigualdad en el ámbito de la cultura para tener datos y poder aplicar mejores políticas, lo que contribuirá a elaborar una Ley de Derechos Culturales.

Según el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, “éste es un plan para combatir que haya zonas en nuestro país, España, donde por haber nacido en un determinado código postal no tienes una biblioteca, un teatro, capacidad de poder gozar de la cultura. Este es un plan para combatir que por haber nacido en una determinada familia con una determinada renta, tengas una barrera para ejercer plenamente tus derechos culturales.

Urtasun presentó este plan junto a su artífice, la directora general de Derechos Culturales, Jazmín Beirak, quien resaltó la doble dimensión del mismo: Por un lado, “los condicionamientos que existen de acceso y de participación cultural, las desigualdades socioeconómicas, territoriales, de género, étnicas o por discapacidad y cómo las instituciones tienen que hacerse cargo de ello”, y por el otro, “los impactos positivos de la cultura en muchos ámbitos, como son el territorio, la salud y el medio ambiente y también cómo la cultura contribuye a abordar grandes retos de nuestro presente y nuestro futuro.

El plan tiene 146 medidas, de las que 100 se han puesto en marcha ya o se van a poner en marcha en lo que queda de legislatura, y el resto deben llegar hasta 2030. Está dotado con 79,3 millones de euros hasta 2027, de los que 66 millones van a ayudas y subvenciones y de los que 46 millones son nueva inversión.

El Plan de Derechos Culturales incorpora el Plan de Igualdad de Género en la Cultura, que se presentó en diciembre de 2024, y que incorpora criterios de género en subvenciones y contratos para garantizar realmente y hacer efectiva la igualdad de oportunidades, o la creación de la Unidad de Atención y Prevención de Violencias Machistas en el sector cultural.

El Plan reconoce la importancia de la cultura para las zonas menos pobladas, por lo que se va a fomentar la existencia de proyectos culturales en el medio rural con cuatro millones de euros transferidos a las comunidades autónomas y una línea de ayudas a proyectos propia del Ministerio.

El tercer gran bloque del plan es fortalecer el tejido profesional de la cultura, su sostenibilidad y su independencia, mejorar las condiciones laborales, económicas y de reconocimiento del trabajo cultural.

Para eso el Ministerio asegura que sige avanzando en aprobar más medidas del Estatuto del Artista y en adaptar la ley de contratos del sector público.

Las compañías profesionales de danza que deseen concurrir a la convocatoria #DanzaaEscena2026 pueden presentar sus solicitudes desde hoy mismo, lunes 7 de julio.

El plazo de inscripción se extenderá hasta el próximo viernes 5 de septiembre a las 12:00 (hora peninsular).

Tenéis información completa sobre requisitos y proceso en la web Danza a Escena.

Hace poco más de un mes que arrancaba en Almagro la XVIII edición de la Escuela de Verano de La Red. Queremos agradecer a los/las 12 profesores/as y a los/las más de a 150 alumnos y alumnas su asistencia a esta edición 2025, que celebramos del 2 al 6 de junio.
 
En este año 2025, como en ediciones anteriores, hemos tratado de diseñar una oferta formativa completa, exigente y útil, que en esta ocasión ha estado configurada por dos cursos de carácter técnico y un curso para gestores y gestoras dividido en tres itinerarios formativos. 
 
La Red cuenta para la organización de la Escuela de Verano con la inestimable colaboración de: Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música–NAEM, Centro de Tecnología del Espectáculo, Institut del Teatre–Diputació de Barcelona,  Diputación de Ciudad Real,  Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro,  Ayuntamiento de Almagro y  Universidad Politécnica de Catalunya.
 
Confiamos en vernos en la Escuela de Verano de La Red de 2026.

A continuación puedes ver un resumen audiovisual de esta Escuela 2025.

Un breve resumen de la Escuela de Verano de 2025

Taller “Herramientas sobre nuevas prácticas y retos contemporáneos”

Curso “Elevación y suspensión de elementos escenográficos en el escenario”

Curso “Regiduría de espectáculos en vivo y eventos”

Aprovechando este momento en el que la edición 2025 del circuito llega a su ecuador, queremos compartir con todos/as vosotros/as nuestra satisfacción por cómo se han desarrollado estas cinco ediciones de Circo a Escena. Por ello, hemos realizado un informe que recoge, además de los objetivos con los que nació este circuito –en el que hemos puesto todos nuestros esfuerzos y entusiasmo–,  un balance del trabajo realizado en estos años. (+ descargar informe)
 
–El circuito Circo a Escena nació con el objetivo de incrementar la presencia de esta disciplina escénica en la programación de las entidades escénicas asociadas a La Red (teatros, auditorios, festivales…)  y ‘normalizar’ su presencia en salas y en espacios de exhibición convencionales.
 
–El circuito ha pretendido combatir la “estacionalización” del circo, que tradicionalmente ha venido programándose únicamente en épocas del año muy concretas. Hemos tratado con ello de favorecer la profesionalización del sector al impulsar sus oportunidades de contratación.
 
–En estos cinco años (contando las funciones que quedan de la edición 2025), se contabilizan 342 funciones, un total de 116 espectáculos programados a cargo de 87 compañías y 160 espacios de exhibición en todo el territorio nacional.
 
Este informe sirve para poner en valor Circo a Escena, destacando su utilidad y la consecución de los objetivos planteados. La Red sigue trabajando con el INAEM y CircoRed en el diseño de los escenarios futuros del circuito.
 

El compromiso de nuestros/as socios ha sido fundamental

La implicación de nuestros/as asociados/as en estas cinco ediciones ha sido fundamental y tenemos que agradecer a todos/as el compromiso que han tenido –y tienen– con este circuito y con el circo: 
 
–Han sido –y son– muchos los espacios que han participado en Circo a Escena sin haber programado antes de manera regular esta disciplina. 
 
–Y sobre todo: en estos años se ha constatado un aumento del presupuesto propio por parte de los espacios participantes en la programación.
 
Así que queremos daros las gracias a todos/as: compañías, creadores/as, programadoras/es… por hacer que el circo llegue cada vez a un público más amplio y por contribuir a hacer crecer el tejido artístico.
 
Circo a Escena es un circuito artístico promovido por el INAEM, desarrollado por La Red Española de Teatros en colaboración con sus espacios escénicos asociados y con CircoRED-Federación de Asociaciones de Profesionales de Circo de España, y financiado por el Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia de la Unión Europea para incrementar la presencia y visibilidad del circo en las programaciones.

Una veintena de socios y socias de La Red Española de Teatros y representantes del INAEM participan del 24 al 28 de junio en una nueva edición del proyecto ‘Gestión de espacios escénicos internacionales’, una iniciativa que los ha llevado en un viaje a Portugal para conocer distintos teatros y festivales de aquel país.

Este proyecto, que se enmarca en las acciones de internacionalización impulsadas por La Red con el apoyo de los fondos europeos a través del INAEM y con la colaboración de la Direção-Geral das Artes [DGARTES] y la Rede de Teatros e Cineteatros Portugueses [RTCP], permitirá a nuestros/as programadores/as y gestores/as conocer de primera mano las estructuras de gestión y algunos de los principales proyectos que protagonizan en la actualidad el tejido escénico portugués.

Esta experiencia ha sido diseñada para el intercambio y la colaboración, para la activación de la movilidad de artistas de ambos países, el intercambio de buenas prácticas y la generación de proyectos conjuntos. Desde nuestra Comisión Internacional se ha preparado un programa que trata de abarcar la diversidad de la escena portuguesa, de espacios y temáticas, alineadas con los intereses de los gestores/as de La Red.

La delegación de La Red conocerá estos días a los/as responsables de los principales espacios escénicos de cinco ciudades, incluidas las grandes fundaciones culturales. Conoceremos ejemplos de accesibilidad, descentralización, mediación y trabajo con las comunidades, residencias artísticas y programaciones multidisciplinares y contemporáneas. Nos detendremos también en algunos proyectos específicos para niños/as y jóvenes y en diversos proyectos de apoyo a la creación portuguesa que han conseguido ponerlos en el foco de la escena europea e internacional.

Ayer martes 26 de junio, en la primera jornada del viaje se celebró en el Palacio Galveias la inauguración institucional de este viaje de intercambio con la presencia de Paz Santa Cecilia, Directora general del INAEM; Américo Rodrigues, Director General Das Artes de Portugal, y María José Mora, Directora Adjunta de Artes Escénicas del Institut Valenciano de Cultura y Vicepresidenta de La Red.

La delegación española mantuvo ayer martes un primer encuentro de trabajo con Gil Silva, responsable del Teatro das Figuras, José Maria Vieira Mendes, componente de Cía. Teatro Praga, Inés Barahona y Miguel Fragata, directores artísticos de Formiga Atómica, Sofia Cabrita y Miguel Nascimento, miembros del equipo de dirección de Estação Teatral, y Madalena Victorino y Giacomo Scalisi, coordinadores artísticos de la cooperativa cultural Lavrar o mar.

El programa de trabajo prosigue el 25 de junio con una visita al Teatro Municipal Sao Luiz, donde tendrán la oportunidad de visitar el espacio escénico de la mano de su director Miguel Loureiro y la directora ejecutiva del teatro, Ana Rita Osório. También conocerán el Teatro do Bairro Alto (donde se reunirán con su responsable Fransisco Frazao y su equipo artístico) y la Fundación Gulbenkian. En la que podrán conocer algunos de los proyectos más relevantes que ha puesto en marcha la institución cultural en el ámbito de la promoción artística, la participación, las acciones filantrópicas o la creación de públicos. La jornada concluirá con la asistencia a una sesión de presentación del Plan Nacional de las Artes. Adenda Joven a la Carta de Porto Santo a cargo de Sara Barriga Brighenti, subcomisaria del Plan.

El jueves día 26, la delegación española visitará el Teatro Luís de Camões —en la que mantendrá una reunión con su directora artística, Susana Menezes— y el Centro Cultural Belem CCB, donde se entrevistarán con su máxima responsable, Nuria Enguita, y otros gestores culturales portugueses, como-Pedro Penim, del Teatro Nacional Doña María, y David Cabecinha y Carla Sousa, representantes de festival y Espaço Alcântara, antes de conocer Espaço do Tempo y entrevistarse con su director y gestor de la Plataforma PT25, Pedro Barreiro.

El viernes 27 de junio las citas tendrán como lugar en Coímbra y Oporto. Por la mañana, está programada una visita al Teatro Académico Gil Vicente, escenario de un encuentro de trabajo con su director, Silvio Correia Santos; Catarina Saraiva, directora del Festival Linha de Fuga; Vasco Neves, co-director Festival Citemor; Fernando Giestas, miembro de la Compañía Amarelo Silvestre; componente de Terceira Pessoa; y António M. Cabrita, representante del Teatro Viriato. Ya por la tarde, los gestores españoles conocerán el Teatro Municipal de Porto e intercambiarán impresiones con Drew Klein sobre la línea de programación del espacio escénico, el proyecto CAMPUS de residencias artísticas y el festival DDD-Festival días de danza. Asimismo, conversarán con Gonçalo Amorin, director artístico de FITEI, y Julieta Guimaraes., directora de Festival TRENGO de Circo.

El viaje concluirá el sábado 28 con varios encuentros de trabajo que permitirán a los socios y socias de La Red conocer la estrategia de programación artística desarrollada en los polos culturales de Matadouro y CACE y el programa Cultura en Expansión (de la mano de Rui Silvestre) y una sesión de trabajo en la Fundação Serralves junto al equipo de artes performativas de la institución y otros invitados (como Ricardo Nicolau, director adjunto del museo y coordinador de artes visuales, la coordinadora del espacio Cristina Grande, y la directora de Materiais Diversos, Cristina Planas).

Ya por la tarde, podrán visitar Gneration, un espacio de creación, performance y exhibición para la música y el arte contemporáneo que explora la relación entre arte y tecnología y se entrevistarán con el director del Teatro Circo de Braga, Luis Fernándes, director artístico del Teatro Circo de Braga, miembros del Equipo Pele y del Equipo MEXE, y Hugo Cruz, director artístico y coordinador general de Braga 25, Capital Cultural.

Este cuaderno incluye 25 propuestas escénicas de diversos géneros: Danza Moderna y Contemporánea, Espectáculos para niños y niñas, Danza Flamenca y Española, Piezas cortas, Danza participativa y Espectáculos de Calle.

Podéis consultarlas en más detalle en la sección Comisión de Danza.

DANZA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA
–“Aurora Boreal”, de Paula Quintas cía
–“Caramel_Les Impuxibles”, de Pablo Messiez
–“Cicatriz”, de Antón Reixa y Kirenia M. Acosta
–“Fronterizas y Fronterizas invisible”, de MariPaula
–“La Quijá”, de Paloma Muñoz [CÈL·LULA#5 Mercat de Les Flors]
–“Las Magias”, de Teresa Lorenzo
–“Normcore- lo normal”, de Lucía Vázquez
–“Remachine”, de Jefta van Dinther
–“Swan”, de Mar Aguiló
–“Transeúnte (sala)”, de _Daniel Rodríguez
–“WE. Nosotros y los tiempos”, de Mal Pelo

ESPECTÁCULOS PARA NIÑOS Y NIÑAS
–“Paisajes de oro”, de Sharon Fridman

DANZA FLAMENCA Y ESPAÑOLA
–“Lâs alegrías”, de María del Mar Suárez, La Chachi
–“Muerta de amor”, de Manuel Liñán
–“Sevillanas Solteras”, de Israel Galván/ Igalvan Company

PIEZAS CORTAS
–“Burnt”, de Lasala
–“Cuentas corrientes”, de Jessica Castellón & Boris Orihuela
–“Dos pies para dos”, de Olaia Valle y Gilles Noël
–“Dual”, de Marcat Dance
–“Lo que los árboles no cuentan”, de Kiko López & Héctor Plaza
–“NO (Pieza Corta)”, de La Venidera
–“Sangre y klorofila”, de Proyecto Larrua
–“Todo este ruido (Espacio no convencional)”, de Qabalum

DANZA PARTICIPATIVA
–“Danzas Romànticas”, de Montdedutor - Guillem Mont de Palol / Jorge Dutor

ESPECTÁCULOS DE CALLE
–“Cicatrius (o contrapàs de mamuts i altres feres)”, de Vero Cendoya

Pamplona acogió ayer la XXVIII edición de los Premios Max, en la que la producción “Casting Lear” ha sido la ganadora a mejor espectáculo de teatro, mientras que el montaje “Afanador”, una producción del Ballet Nacional de España, ha logrado cinco premios: mejor espectáculo de danza, composición musical, dirección de escena, diseño de vestuario e iluminación.

“Casting Lear” es, en palabras de su directora, Andrea Jiménez, “un homenaje al teatro y al delicado equilibrio que exige navegar entre la ficción y la realidad en el intento de gestar un encuentro que, de otra forma, no sucedería”.

Por su parte, la obra que más premios ha cosechado, “Afanador, es una representación creada a partir del imaginario del fotógrafo colombiano Ruven Afanador que juega con los sueños, la belleza y las infinitas posibilidades para crear arte. Esta obra de danza fue la gran ganadora de la noche tras obtener los reconocimientos a mejor espectáculo de danza, composición musical, dirección de escena, diseño de vestuario e iluminación. Premios que el equipo ha agradecido y han servido para dar alzar la voz a favor de un arte como el ballet.

Mientras, Enric Auquer se hace con el Premio Max a mejor actor por su papel en “El día de Watusi”, una obra basada en la novela de Francisco Casavella donde dos jóvenes investigan qué ha pasado con el gran Watusi, icono de la transición española.

Ágata Roca ha sido reconocida con el premio a mejor actriz por su pepel en “El imperativo categórico”, un espectáculo que versa sobre una profesora de filosofía de mediana edad que sufre una crisis existencial y encuentra la solución a sus problemas a través del asesinato.

Listado de ganadores

Mejor espectáculo de teatro
Casting Lear

Mejor espectáculo de danza
Afanador

Mejor espectáculo musical o lírico
Farra

Mejor espectáculo de calle
Fugit

Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar
Cuento de Navidad (encapsulando a Dickens)

Mejor espectáculo revelación
Contra Ana

Mejor autoría teatral
Itziar Pascual por Pepito, una historia de vida para niños y abuelos

Mejor autoría revelación
Ester Guntín por Quiso negro

Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreográfica
Andrea Jiménez y Juan Mayorga por Casting Lear

Mejor composición musical para espectáculo escénico
Juan Cristóbal Saavedra, Enrique Bermúdez, Jonathan Bermúdez, Gabriel Georgio González y Roberto Vozmediano por Afanador

Mejor coreografía
Guy Nader y María Campos por Natural order of things

Mejor labor de producción
La Fam Teatre por Ambulant

Mejor dirección de escena
Marcos Morau por Afanador

Mejor diseño de espacio escénico y videoescena
Víctor Peralta por Thauma

Mejor diseño de vestuario
Sílvia Delagneau por Afanador

Mejor diseño de iluminación
Bernat Jansà por Afanador

Mejor actriz
Ágata Roca por L'imperatiu categòric

Mejor actor
Enric Auquer por El día del Watusi

Mejor intérprete femenina de danza
María Campos por Natural order of things

Mejor intérprete masculino de danza
Alfonso Aguilar por Natural order of things

La Associació de Companyies de Teatre Professional de Catalunya (CIATRE) organiza la segunda edición de Fira Terres, la feria de teatro de sala de Cataluña, que en esta ocasión se celebrará del miércoles 4 al domingo 8 de febrero de 2026 en Granollers, Canovelles y Les Franqueses del Vallès. Este certamen tiene como objetivo generar nuevas oportunidades para las compañías de teatro de sala, ofreciéndoles una plataforma de presentación y visibilización de sus propuestas, y fomentando el contacto entre profesionales.

Ya está abierta la convocatoria para formar parte de la programación de la feria. Las compañías pueden inscribirse hasta el 12 de julio de 2025 a través del formulario disponible en la web de la feria, donde también se pueden consultar las bases que regulan la convocatoria.

La feria seleccionará un máximo de 14 montajes dirigidos al público adulto, con disponibilidad para girar durante 2026 y 2027. De estos 14 montajes, 11 serán de compañías catalanas y 3 de otras comunidades autónomas. Para su selección se tendrán en cuenta criterios de diversidad de formatos, trayectoria de las compañías, facilidad para representarse en salas de teatro y viabilidad económica y técnica.

Una comisión formada por un representante de la Associació de Companyies de Teatre Professional de Cataluña (CIATRE) y cuatro profesionales expertos del ámbito teatral será la encargada de seleccionar las propuestas.

Fira Terres reunirá programadores de todo el territorio catalán, así como del resto del Estado español, con el objetivo de generar sinergias y facilitar el contacto entre compañías y agentes del sector. Además, se invitará a compañías de otras comunidades autónomas para fomentar la cooperación. Durante los cinco días de feria, además de poder ver las propuestas seleccionadas, los profesionales acreditados dispondrán de espacios de encuentro e intercambio con otros profesionales del sector teatral y agentes del ámbito público y privado. La primera edición se celebró en enero de 2025 en Girona, Salt y Bescanó.

Fira Terres es una iniciativa enmarcada en el Pla d’impuls del teatre de Catalunya del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, la Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC), la Associació d’Empreses de Teatre de Catalunya (ADETCA), la Associació de Companyies de Teatre Professional de Catalunya (CIATRE), la Associació Professional de Teatre per a Tots els Públics (TTP), el Col·lectiu de Companyies de Teatre Independents de Catalunya, la Plataforma d’Arts de Carrer (PAC) y UNIMA Catalunya.

El cuaderno (que puedes consultar aqúi) contiene 24 propuestas artísticas de diversos géneros:

TEATRO CONTEMPORÁNEO

– “Caperucita en Manhattan”, de Fundación Teatro de la Abadía

– “Feriantes”, de El Patio Teatro

– “Manual básico de lengua de signos para romper corazones”, de Factory Prods

– “Palmasola - un pueblo prisión”, de Klara Theaterproduktionen

– “Panza de burro”, de Delirium Teatro

– “Travy”, de Bitó Prods.

– “Vulcano”, de Cassandra Projectes Artístics

TEATRO DOCUMENTO?

– “Federico. No hay olvido, ni sueño: carne viva”, de Proyecto 43-2

TEATRO CLÁSICO CONTEMPORÁNEO

– “Hamlet”, de Guayominí Prods.

MULTIDISCIPLINAR

– “El bar nuestro de cada día”, de Chipi la Canalla

– “Farra”, de Cía. Lucas Escobedo

– “Verne”, de Onírica Mecánica

NUEVAS VANGUARDIAS

– “Kill Me”, de Marina Otero

– “Soy un Baile”, de Rosa Romero

– “Thauma (un poema escénico)”, de La Mula

INSTALACIÓN

– “Arbre (árbol)”, de Arrels de bosc

TEATRO PARA NIÑOS Y NIÑAS

– “La isla del tesoro”, de Inhabitants

– “La Tormenta”, de Zero en conducta

– “Sé Tortuga”, de Xip Xap Teatre

– “Tumbalafusta”, de La Ruta 40

– “Un trozo de pan”, de Cía. Les Pinyes

ESPECTÁCULOS DE CALLE

– “AHNI ”, de Hermanas Picohueso

– “Fleurir les abîmes”, de Claire Ducreux

– “Yo no tengo nombre”, de El Conde de Torrefiel

Al comienzo de la celebración el presidente de La Red, Juan Herrero, quiso reconocer el trabajo desarrollado por la Oficina de Gestión, un pilar fundamental de nuestra asociación, desde los primeros años de andadura hasta la actualidad. En nombre de la Oficina, nuestra directora gerente, Elvira Gutiérrez, dirigió unas palabras a todos los presentes en un discurso lleno de agradecimientos y en el que puso en valor el trabajo de todas las profesionales que forman parte de la Oficina y de los/as colaboradores. Las palabras claves en este discurso: motivación y compromiso.

Quiso recordar también expresamente la labor fundamental e “inspiradora” de su precedente en el cargo de directora gerente, Irene Pardo, actual directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, figura clave en el impulso de La Red en estos años.

Y dado que nos encontrábamosmos en plena celebración de la Escuela de Verano, tres figuras también claves en la creación y diseño de los proyectos de formación de La Red, y principalmente de la Escuela de Verano, relataron a los/as presentes cómo transcurrieron aquellos primeros años en que se propuso la –entonces algo arriesgada– idea de crear una formación anual que se desarrollaría, cómo no, en Almagro, “capital” del teatro del Siglo de Oro: Ricardo Beléndez, Carlos Morán y Toni Tarrida.

La actual Comisión de Formación que ha recogido este legado y se ha encargado de diseñar el proyecto formativo de la Escuela de Verano de 2025 está integrada por Xaquín López, Juan Herrero, Isabel Pérez Izquierdo, Cristina Ramírez, Grego Navarro, Lorena Matute, Toni Valesa, Esperanza Durán y Olga Mojón.

+ Imágenes de la celebración

+ Documento resumen de estos 25 años de La Red

El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) reabrirá el 25 de julio el Castillo Palacio de Magalia, un edificio calificado como Bien de Interés Cultural, situado en las Navas del Marqués, Ávila, con un nuevo uso. Este espacio estará destinado a convertirse en centro de referencia para la creación artística y un lugar de encuentro para el sector cultural, con especial atención a las artes escénicas y la música. Para ello, pondrá a su disposición 38 habitaciones, tres salas de ensayo, un estudio de danza, una sala de conciertos, un salón de reuniones y una biblioteca.

El INAEM financiará un programa propio de residencias de creación e investigación en Magalia. En esta primera edición, las residencias se desarrollarán del 24 de julio al 28 de septiembre y albergarán a siete creadores, creadoras o compañías de diferentes disciplinas seleccionados mediante convocatoria pública.

Los beneficiarios del programa podrán desarrollar procesos de dos a tres semanas de duración, que compartirán con el público mediante espectáculos u otras actividades gratuitas. Los residentes recibirán un acompañamiento en la producción de sus proyectos y una ayuda económica de 3.400€ ó 3.800€ por proyecto, según la duración sea de dos o tres semanas, respectivamente.

La convocatoria, abierta desde el 9 hasta el 25 de junio, está publicada en la web www.magalia.inaem.gob.es

Además de las residencias artísticas, Magalia ofrecerá a artistas y compañías profesionales la posibilidad de realizar estancias de creación y/o investigación artística, para lo cual pondrá a su disposición sus instalaciones con tarifas asequibles para el sector.

Estas estancias profesionales, de al menos una semana de duración, están dirigidas a creadoras y creadores de artes escénicas o música. El precio medio por noche, de 17€ por persona, será menor si se ofrece una actividad gratuita abierta al público o si el proyecto incorpora a personas con diversidad funcional o pertenecientes a colectivos de especial vulnerabilidad. Las estancias de creación de artes escénicas o música podrán solicitarse completando un formulario habilitado en la web de Magalia.

Además, Magalia abrirá sus puertas a otras unidades del INAEM para que puedan llevar a cabo diferentes proyectos, fomentando la colaboración entre los centros de producción del organismo y la interdisciplinariedad dentro de las artes escénicas y la música.

El Castillo Palacio de Magalia continuará ofreciendo su espacio para encuentros, cursos, eventos o congresos de carácter cultural o sociocultural organizados por entidades del sector público, empresas culturales o agentes del sector cultural.

En torno a 60 profesionales se han dado cita en el Teatro de Rojas de Toledo durantes dos jornadas, 26 y 27 de mayo, para debatir sobre el futuro de los teatros históricos, edificios que cuentan con una arquitectura teatral histórica y que forman ya parte de nuestro patrimonio cultural. Directores, dramaturgos y representantes de estsos teatros históricos de España y Europa han puesto sobre la mesa temas como la rehabilitación y conservación de estos espacios en las primeras Jornadas Internacionales, un encuentro que pretende iniciar “un camino fructífero y necesario” para los teatros históricos del país. Así lo ha expresado el director gerente del Teatro de Rojas, Paco Plaza.

Durante el encuentro, en el que han participado un gran número de espacios asociados a La Red, se ha propuesto el diseño de un mapa de teatros históricos del país sobre el que actualizar su plan de recuperación y de conservación.

Las jornadas han contado con ponentes internacionales, como el director de escena alemán y promotor de las Rutas Europeas de Teatros Históricos, Carsten Jung.

Además, se han hecho menciones o a “personalidades indispensables” para entender el plan de recuperación de teatros históricos del país, como el propio Carsten Jung, el director de escena Lluis Pascual o José Manuel Garido, uno de los promotores del plan de recuperación de teatros históricos en 1985. También se ha hecho una mención especial a José Luis Rodríguez Noriega, que ha participado en la rehabilitación del Teatro de Rojas.

El alcalde de Toledo, Carlos Velázquez, encargado de la inaguruación de las jornadas, ha agradecido a todas las personas que han hecho posible que se celebre esta primera edición en la ciudad de Toledo.

Carlos Velázquez estuvo acompañado en la inauguración por Francisco Plaza; la concejal de Cultura, Ana Pérez; y la directora de escena Helena Pimienta.

La Red ha colaborado con estas jornadas, junto a la Asociación de Directoras y Directores de Escena de España, European Route of Historic Theatres, la Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Castilla-La Mancha, Association of Historic Theatres in Europe y el Centro de Tecnología del Espectáculo.

Además, en una de las actividades intervenían representantes de espacios asociados a La Red: Grego Navarro (Teatro Gayarre) y Toni Tarrida (Mercat de les Flors); les acompañaba Tomás Navarro, arquitecto encargado de la rehabilitación del Teatro Chapí de Villena.

En el encuentro han participado representantes de 22 espacios escénicos, la gran mayoría de ellos, asociados a La Red: Teatro Principal de Alicante, Teatro Circo de Marte y Teatro Chico (La Palma), Teatro Principal de Zamora, Teatro Circo (Albacete), Gran Teatro de Elche, Teatro Jovellanos (Oviedo), Teatro Juan Bravo (Segovia), Teatro Principal de Zaragoza, Teatro Principal de Palma de Mallorca, Teatro Ayala (Daimiel, Ciudad Real), Gran Teatro (Manzanares, Ciudad Real), Teatro Gayarre, el Corral de Comedias de Almagro), el Teatro Leal (Tenerife), Teatro Victoria (Talavera de la Reina), Teatro Guimerá (Santa Cruz de Tenerife), Teatro Bretón (Logroño), Teatro Circo de Murcia, Teatro Falla (Cádiz), Teatro Chapí y el Corral de Comedias de Alcalá de Henares.

La Comisión de Música de La Red Española de Teatros acaba de lanzar nuestro 32º Cuaderno de Espectáculos Recomendados, una selección de espectáculos de contrastada calidad. El Cuaderno incluye 17 propuestas musicales de muy diversos estilos además de 8 propuestas que conforman la sección Radar.

+ En este enlace encontrarás el Cuaderno en formato on line. ? ?

Y si quieres escuchar a los/as artistas recomendados, aquí tienes dos listas de reproducción:
 
Lista de reproducción en YouTube
 
• Cuaderno de Espectáculos Recomendados
• Sección Radar
 
 
Lista de reproducción en Spotify
 
• Cuaderno de Espectáculos Recomendados
• Sección Radar
 

Sobre la sección Radar

Hay propuestas que nos llaman la atención y que queremos compartir con vosotras/os, aunque en algunos casos todavía tienen poco recorrido o no se ajustan del todo a un formato convencional para teatro. Se trata de propuestas nuevas, frescas o, en algunos casos, sorprendentes que puede que con el tiempo llenen las programaciones de festivales, auditorios y teatros.

Éstas/os son las/los artistas y espectáculos recomendados:

– “Vigilia”, de Anna Andreu
– “Historias de un flamenco con Antonio Rey”, de Antonio Rey
– “El gran sarao del mundo”, de Ballarte Ensemble
– “Operetta”, de Cor de Teatre
– “Daniel García Trío”, de Daniel García Trío
– “Ícaro”, de Dulzaro
– “La liturgia del cos”, de Gregotechno
– “El pequeño país del swing”, de Índigo Jazz
– “Kiki Morente”, de Kiki Morente
– “Por el aire”, de Lin Cortés, Josemi Carmona, Alana Sinkëy y Miryam Latrece
– “Maika Makovski”, de Maika Makovski
– “Hotel Morgan”, de Morgan
– “Musika Tantak”, de Euskadiko Orkestra
– “Esencia humana”, de Olana Liss
– “Barlachí Lorea”, de Sofía Comas & Sonakay
– “Bon Rotllo”, de Xanguito
– “Jolifanto”, de Za! + Perrate

Además, los/as artistas a los/as y grupos que estamos siguiendo la pista y que conforman la sección Radar, son:

– Carla Collado
– Carmen Xia y Suzio Tarik
– Cosmic Wacho
– Fillas de Cassandra
– Luismi Partera
– Marta Garrett
– Teo Planell
– The Ripples

Siete gestores y gestoras de ferias y festivales europeos participan el sábado 14 de junio, en Casa de América, en Cádiz, en un encuentro internacional que ha sido posible gracias al programa “Itinerarios en Red” que este año ha puesto en marcha La Red Española de Teatros en el marco del Convenio de Internacionalización suscrito con el INAEM (Ministerio de Cultura) a cargo de fondos del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia (fondos Next Generation).

El Festival Cádiz en Danza, beneficiario de este programa, se ha propuesto abrirse “al diálogo profesional, al intercambio y a la mirada colectiva del sector”, convocando un encuentro con una delegación europea, un encuentro en el que compartir visiones, generar vínculos sólidos “y crecer juntas bajo un nuevo paradigma de las artes vivas”.

El festival pretende que este encuentro sea el primero de muchos, para construir relaciones y encontrarse y reencontrarse a lo largo de varias ediciones. Este primer itinerario de internacionalización, dentro de la edición 23 del festival, contará con la participación de:

–Celia Kuska, comisaria del Festival KVS (Bruselas, Bélgica)

–Hortense Archambault, directora de MC93 (St Denis, Francia)

–Maria João Mota, directora de Colecvo Pele (Bonfim, Portugal)

–Rita Fialho Valente, del festival FUTURAMA (Alentejo, Portugal)

–Greta Pieropan, comisaria del proyecto Dance Well- OperaEstate (Bassano del Grappa, Italia)

–Lucila Guichon, directora del coletivo MESTIZX (Berlin, Alemania)

–Marianne Feder, de la Bienal de Danza de Lyon (Lyon, Francia)

Este encuentro se enmarca en el Proyecto de Internacionalización 2025 de La Red, en convenio con el INAEM a través de los fondos del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia de la Unión Europea, con el que se facilita financiación a festivales y ferias asociadas con el objetivo de apoyar la invitación de profesionales europeos y fortalecer la internacionalización del sector.

Las calles de Leioa volverán a convertirse en un gran escenario al aire libre con más de 100 espectáculos de teatro, danza, circo y música protagonizados por 50 compañías procedentes de Euskadi, del resto del Estado y de varios países.

Consolidando el carácter global del festival, Umore Azoka reúne a siete compañías internacionales procedentes de tres continentes darán vida a una programación diversa y vibrante; venidos de Taiwán, Francia, Italia, Japón, Portugal y Bélgica.

Desde Japón, el dúo Naoto Okada & Shu Takada, campeones del mundo de yo-yo, presenta “TOY TOY TOY”, un espectáculo fascinante por su sincronización, velocidad y precisión. Entre ambos suman ocho títulos mundiales, y han elevado el arte del yo-yo a una experiencia escénica visualmente impactante.

Desde Argentina visitan la localidad manoAmano, una pareja artística especializada en circo contemporáneo, que une humor, acrobacia y sensibilidad en una propuesta llena de complicidad escénica.

Junto a ellos, compañías de Francia, Italia, Taiwán, Portugal y Bélgica completan el cartel internacional, con espectáculos de fuego, cuchillos de por medio, teatro, humor o incluso música en directo.

En el ámbito estatal, 21 compañías de Cataluña, Galicia, Andalucía, Comunidad Valenciana, Aragón, Navarra, Madrid y Castilla y León mostrarán lo mejor del panorama escénico del Estado. Entre ellas destacan nombres de compañías como Xpectro, Mascletá Poética, Famulus 4.0 o Sinsolo, con creaciones que apuestan por el riesgo, la inclusión, la emoción y el lenguaje escénico innovador.

Imagen: “Xpectro”, de Zen del Sur

Hasta el 15 de junio los artistas podrán presentar sus propuestas escénicas para participar en el 8º Festival Iberoamericano de Circo en España-FIRCO. Del 15 de junio al 15 de julio de 2025 se publicará el fallo del comité de selección y, a continuación, tras confirmar la participación y disponibilidad de todos los seleccionados, el comité completará el listado de actuaciones de FIRCO.

La organización de FIRCO tiene como prioridad que el festival guarde un equilibrio adecuado en representación territorial, género, disciplinas artísticas y otros aspectos que enriquezcan y diversifiquen el festival.

Para inscribirse, los interesados deben tener nacionalidad iberoamericana o residencia demostrable durante más de 2 años en alguno de los países miembros: Andorra, Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Costa Rica, Cuba, Chile, República Dominicana, Ecuador, El Salvador, España, Guatemala, Honduras, México, Nicaragua, Panamá, Paraguay, Perú, Portugal, Uruguay, Venezuela).

Las compañías podrán tener un máximo de 3 componentes y presentar una propuesta escénica con una duración aproximada de entre 5 y 10 minutos.

Las compañías o los artistas seleccionados cobrarán “un premio” de 600 euros por persona; además, se cubre el alojamiento, dietas y transporte internacional durante la estancia completa.

Además, durante el encuentro, los participantes tendrán la posibilidad de obtener diferentes premios: Primer premio de 800€, Segundo premio de 600€, Tercer premio de 400€, Premio del Público (sin aporte económico), Premio Circontinentes (sin aporte económico), entre otros.

FiRCO surge de la necesidad de unir temporalmente las diferentes visiones del circo que se viven en los países iberoamericanos, generando un lugar de confluencia y aprendizaje único que permita fortalecer los lazos existentes entre esta comunidad. FiRCO impulsa el circo y el intercambio cultural mediante la selección de jóvenes talentos artísticos de los 23 países iberoamericanos, que participarán representando sus números de las diferentes disciplinas circenses.

FiRCO cuenta con el apoyo del programa Iberescena.

+ Información e inscripciones

Sección Radar

En este apartado visibilizamos espectáculos con elencos inclusivos y de impacto social que fomentan la diversidad y el pensamiento crítico. En esta ocasión, hemos seleccionado estas ocho producciones:

• “Soliloquio” y “Wayqeycuna”, de Tiziano Cruz
• “Nigamon / Tunai”, de Émilie Monnet & Waira Nina
• “Fantàstic Ramon”, de Escenaris Especials
• “Awalem”, de Ashtar Theatre Palestine
• “Losing it”, de Samaa Wakim y Samar Haddad King
• “The gazelle of Akka”, de Raedla Taha

+ Descargar Sección Radar

8ª edición de “La ventana de inclusión y mediación”

El pasado 31 de marzo llevamos a cabo la octava edición de La Ventana de Inclusión y Mediación, un encuentro en el que las las compañías y artistas comparten de primera mano sus inquietudes y perspectivas en torno a la inclusión y mediación en las artes escénicas. Esta edición estuvo abierta a todos/as los/as asociados/as que quisieron participar en este encuentro online.
                                                                    
Presentaron sus proyectos las siguientes compañías:
 
• Larara, con “Òrgia”
• Culturactiva, con “Nada se sabe”
• Talycual Producciones, con “Parejas Imperfectas”
• Cía. Projecte Escènic Llavor, con “Generación Z. Surfeando la herencia”
• Laura en Órbita, con “Baila el bosque”

+ Información

Recursos

Plan de igualdad en la cultura 2024-2026

Realizado por el Ministerio de Cultura, este plan se configura como una hoja de ruta que guiará las actuaciones ministeriales en materia de igualdad y que sienta las bases para eliminar sesgos y discriminación en el funcionamiento del Ministerio. Incluye un protocolo para la prevención del acoso sexual creado en colaboración con la Academia de Cine.

+ Descargar

Libro: “Genealogías para una gestión cultural crítica”

Libro de la docente, gestora cultural e investigadora Paola de la Vega Velastegui. El texto se adentra en los orígenes y contradicciones de la gestión cultural en Iberoamérica. Con una mirada crítica, pretende revelar la trama colonial y neoliberal que sostiene esta disciplina en el sur global y propone alternativas para desmantelar esas estructuras de dominación.

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Debate: Avanzar en la diversidad cultural de las instituciones y los equipamientos

Debate realizado en la Fira Mediterrània de Manresa liderado por Tania Adam, del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts–CoNCA, la experta en políticas migratorias Salma Amazian y la comisaria de patrimonio colonial Mabel Llevat, entre otras.
Durante la actividad, se abordó la falta de diversidad en las instituciones culturales catalanas y se plantearon acciones que dan luces sobre cómo abordarla.

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Entrevista a Miriam Garlo, protagonista de la película “Sorda”

La actriz sorda Miriam Garlo, premio Biznaga de Plata a la mejor interpretación femenina protagonista por su actuación en “Sorda”, fue entrevistada en 2024 por Marta Montiel, docente del Institut del Teatre, a raíz de su participación en el montaje teatral “El silenci de les falzies”, de Marina Collado. Publicamos íntegra esta entrevista que cobra actualidad con el reciente estreno de la película con la que Garlo ha sido galardonada.

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“Guía de Accesibilidad para teatros, auditorios, espacios de exhibición y compañías”

Guía coordinada por la Fundación Psicoballet Maite León en el marco del Proyecto Europeo On Stage, que engloba los derechos de las personas con discapacidad,  tecnologías a las que pueden acceder, tipos de discapacidades y medidas de accesibilidad que se pueden ejecutar en los espacios escénicos.

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Proyectos destacados

Re-connecta’t

Investigación liderada por la organización de artes escénicas para la transformación social, Plàudite Teatro y el Instituto Catalán de la Salud, con el objetivo de ahondar en el impacto positivo del teatro para el bienestar emocional de niños, niñas y jóvenes en L'Hospitalet de Llobregat (Barcelona). Con una duración prevista para el 2028, el proyecto combina ciencia, educación y arte para abordar problemas de salud mental en jóvenes.

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Triángulo inclusivo

Proyecto comunitario desarollado por la Asociación Cultural Sant Vicenç de Sarrià en el que participa alumnado de ciclos formativos y personas en riesgo de exclusión social. A través del teatro y la danza, reflexionan sobre temas que los interpelan. Este año, han presentado la obra “Identitat artificial”, que reflexiona en torno a cómo nos vinculamos y cuál es el futuro de esas relaciones.

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Citas

X Edición del Festival Visibles (del 22 de mayo al 1 de junio, en varias localidades)

Entre el 22 de mayo y el 1 de junio de 2025 se celebra el Festival inclusivo Visibles organizado por la Sala Tarambana de Madrid y con varios escenarios en esta ciudad, además de en otras localidades, como València o Ciudad Real.  Este encuentro acoge propuestas con elencos diversos, ofreciendo un entorno profesional donde exhibir sus creaciones y generar un espacio de discusión en torno a la visión de la discapacidad en las artes escénicas.

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Festival Terrassa Noves Tendències-TNT (del 2 al 5 de octubre, Manresa)

Festival de nuevos lenguajes artísticos que se realizará  en Manresa entre el 2 y el 5 de octubre de 2025. Apoya a prácticas artísticas críticas y comprometidas, abriendo el abanico a distintas posibilidades escénicas e impulsando nuevos formatos. Trabaja con artistas implicados en conflictos como la ecología, la desigualdad, el género y la diversidad.

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El Ayuntamiento de Murcia organiza, del 7 al 23 de mayo, la cuarta edición del Festival “Determinantes”, una propuesta que aúna artes escénicas y acción social. El festival incluye siete espectáculos de teatro, danza y circo que se pondrán en escena en el Teatro Circo de Murcia, Teatro Romea y Teatro Bernal, así como talleres, coloquios y encuentros culturales.

Entre los montajes destacados figuran “14.4”, de Barco Pirata Producciones; y “Muchos caballos galopando juntos pueden hacer temblar la tierra”, de Babirusa Danza, espectáculo incluido en el circuito Danza a Escena 2025.

El festival arranca el 7 y 8 de mayo con un taller de técnica teatral, a cargo de David Montero. La programación escénica da comienzo el sábado 10 de mayo, a las 20 horas, en el Teatro Circo de Murcia, con el espectáculo de circo “Mahmud y no solo Mahmud”, de Puntocero Company, un montaje que cuenta una historia real a través de la palabra, la acrobacia y las canciones en directo como la historia de un joven senegalés que parte de su ciudad natal en busca de trabajo en el país vecino.

Además de los propios espectáculos habrá diferentes actividades paralelas como talleres y un encuentro que se desarrollarán en el Teatro Romea.

© Foto: “Muchos caballos galopando juntos pueden hacer temblar la tierra”, de Babirusa Danza

La actriz sorda Miriam Garlo (Murcia, 1984), premio Biznaga de Plata a la mejor interpretación femenina protagonista por su actuación en “Sorda”, fue entrevistada en 2024 por Marta Montiel, docente del Institut del Teatre, a raíz de su participación en el montaje teatral “El silenci de les falzies”, de Marina Collado. Publicamos íntegra esta entrevista que cobra actualidad con el reciente estreno de la película con la que Garlo ha sido galardonada.

Según he sabido a través de otra entrevista, sufriste una lesión auditiva a los siete años después de ingerir una aspirina por recomendación médica.
MIRIAM GARLO: Sí. Sufrí la lesión y mis padres tardaron un tiempo en darse cuenta de lo que me pasaba, y entonces fue todo un peregrinaje de médico en médico. Mis padres tuvieron que luchar mucho para que me hicieran pruebas y se aclarara lo que tenía. Finalmente, después de muchas pruebas repetidas en diferentes períodos, confirmaron que era una sordera que se quedaría para siempre. Aproximadamente era el año 1991.

¿Hubo un retroceso en el habla a causa de eso?
MIRIAM: Yo ya tenía el castellano incorporado como lengua materna. Por lo tanto, dentro de la comunidad sorda, yo soy postlingüística. Cuando me detectaron la lesión, me hicieron ir a muchas sesiones con una logopeda para entrenar el aparato fonador y la articulación. Porque la lengua de signos no fue mi primera opción.

Tienes un 90% de pérdida auditiva. ¿Qué se percibe con un 10%?
MIRIAM: Cada persona sorda es un mundo y a cada una le pasan cosas diferentes. Yo te explico lo que me pasa a mí. No tengo capacidad para discriminar las palabras y eso significa que siento que la persona está hablando a través de las vibraciones que noto, pero no sé exactamente todo lo que está diciendo. No tengo la facultad de trasladar esa vibración a todas las palabras, por eso necesito el contacto visual para leer los labios y entender el discurso.

Tengo más facilidad para percibir las frecuencias graves. Estas las capto bien, pero las frecuencias muy agudas no las percibo. Por ejemplo, no escucho las risas agudas, el teléfono, las alarmas del móvil. Y hay tonos de voces agudas que para mí son imperceptibles. En cambio, las voces que son más graves resuenan por las paredes y eso hace que me sea más fácil percibirlas. Un grito o un portazo fuerte, si pasan cerca, sí que los oigo. Si no, no.

Físicamente percibo las vibraciones del otro a través de la piel. Por ejemplo, los suelos de las salas de ensayo o de los escenarios suelen ser de madera. Entonces, yo sé que hay música o que alguien está hablando porque el sonido se propaga a través de la madera y recibo la vibración en los pies. La piel es una membrana sensible que está absorbiendo las vibraciones como una esponja. Y siendo sorda desde los siete años, esta percepción la tengo muy desarrollada. Gracias al contacto con otro cuerpo también puedo comprender parte del mensaje. Entonces, cuando por ejemplo, Marina me habla, aunque al principio no la entienda, si me lo repite mientras la estoy tocando, sí la entiendo. Y conforme tengo más confianza, es más fácil comprenderla a través del cuerpo vibrante. Por ejemplo, en una situación teatral o cotidiana en la que estemos a oscuras: si alguien me habla y yo le pongo la mano en el cuello o en el pecho, puedo entender el mensaje porque es como si fuera una caja de resonancia del mensaje que el otro está comunicando. O también poner la mano en la boca. Entiendo el mensaje como un compendio de todo: estado de ánimo, alguna palabra suelta y mucha, mucha imaginación. ¡Sí! ¡Imaginación!

Me he dado cuenta que tienes facilidad para construir las frases con muy pocas palabras.
MIRIAM: Sí, hay mucha inventiva o creatividad. Siento tres sílabas y ya entiendo la palabra y capto el sentido. A veces me equivoco y meto la pata y volvemos a empezar. Si la frase es muy larga, es difícil. Es importante que la otra persona aprenda a expresar el mensaje con claridad para que yo pueda captar rápidamente su significado. Y en este caso, menos es más. Cuanto más claro y sintético, mejor.
MARINA COLLADO: Yo soy mallorquina y a veces en Cataluña he tenido que repetir más de una vez las frases porque no me entienden por mi dialecto. En cambio, contigo, ¡me entiendes a la primera! O disimulas muy bien...
MIRIAM: Ciertamente disimulo muy bien porque muchas veces me están hablando y no tengo la más remota idea de lo que me dicen, pero es cuestión de mantener la calma y sé que más adelante alguna palabra sí que entenderé y podré retomar el hilo de lo que me están diciendo.

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La programación escénica de la Feria Internacional del Títere de Sevilla arranca el martes 13 de mayo en el Teatro Alameda, con dos funciones de Títeres Etcétera, que pondrá en escena “Andersen, el patito feo”.

Hasta el domingo 25 de mayo el público tendrá la oportunidad de asistir a 28 funciones a cargo de quince compañías, entre ellas Teatro Arbolé, Marcopán Producciones, LaGalga, Pelele, Búho Teatro, Cal y Canto Teatro o Títeres Caracartón.

El certamen cuenta también con un taller de títere de guante, a cargo de Paz Tatay, y otro sobre creación de esculturas y animales voladores, a cargo de Cal y Canto Teatro. Además, se celebrará la conferencia “Nuevas dramaturgias en las Artes Escénicas para la infancia y la juventud” y el encuentro para profesionales y aficionados “Sostenibilidad en las Artes Escénicas”.

Los escenarios de la programación artística son el Teatro Alameda, Factoría Cultural, la Alameda de Hércules, el Centro Cívico las Sirenas, La Fundición, el Centro Cívivo Torreblanca, el CC La Ranilla, el CC Alcosa, el CC Bellavista y la Sala Cero.

La Feria Internacional del Títere de Sevilla está organizado por el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla y el Ayuntamiento de Sevilla.

© Foto: “Andersen, el patito feo”, de Títeres Etcétera

El Día Internacional de la Danza se celebra todos los 29 de abril desde que fue establecido en 1982 por el Comité Internacional de la Danza del Instituto Internacional del Teatro (ITI). Esta fecha conmemora el nacimiento en 1727 de Jean-Georges Noverre, bailarín y maestro  considerado el creador del ballet moderno.

Cada año el ITI encarga a una personalidad conocida del mundo de la danza la redacción de un mensaje que se lee en todo el mundo. El objetivo de esta celebración y de ese mensaje es el de unir todas las danzas en este día, para celebrar esta forma de arte y mostrar su universalidad.

El Mensaje del Día Internacional de la Danza 2025 le ha sido encargado al legendario bailarín y coreógrafo de origen ruso Mikhail Baryshnikov (Riga, RSS de Letonia, Unión Soviética, 27 de enero de 1948), que tras una larga y exitosa carrera en los escenarios de todo el mundo, todavía hoy en día se encuentra en activo, liderando el centro artístico que lleva su nombre, Baryshnikov Arts.

Mensaje del Día Mundial de la Danza 2025

Por Mikhail Baryshnikov

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Se dice a menudo que la danza puede expresar lo indecible. La alegría, el dolor y la desesperación se hacen visibles; expresiones encarnadas de nuestra fragilidad compartida. En este sentido, la danza puede despertar empatía, inspirar bondad y despertar el deseo de sanar en lugar de dañar.

Especialmente ahora, mientras cientos de miles de personas sufren guerras, lidian con la agitación política y se alzan en protesta contra la injusticia, la reflexión honesta es vital. Es una carga pesada para el cuerpo, la danza y el arte.

Sin embargo, el arte sigue siendo la mejor manera de dar forma a lo no expresado, y podemos empezar por preguntarnos: ¿Dónde está mi verdad? ¿Cómo me honro a mí mismo y a mi comunidad? ¿Ante quién respondo?

La Fundación Municipal de Cultura (FMC) del Ayuntamiento de Valladolid convoca una nueva edición de su programa de residencias artísticas para el desarrollo de hasta 13 proyectos escénicos o musicales en el Teatro Calderón y el Laboratorio de las Artes de ValladolidAbre en nueva ventana (LAVA).

El programa de residencias de la FMC tiene como objetivo poner en valor los procesos creativos, estimular la innovación y los nuevos lenguajes en el campo de la escena y de fortalecer tejido creativo local; esta convocatoria está abierta a creadores, colectivos y compañías profesionales.

En el caso del Teatro Calderón, la convocatoria “Horizontes” seleccionará hasta cinco proyectos para su desarrollo en los periodos comprendidos entre el 1 de julio y el 14 de agosto y entre el 1 de septiembre y el 19 de octubre, con un máximo de 5 semanas por residencia (ampliable, de forma excepcional, a 8 semanas).

Por su parte, el programa de acompañamiento a la creación “Espacios habitados” del LAVA acogerá dos tipos de residencias: de investigación y de creación. La primera, enfocada a apoyar la exploración y el futuro desarrollo de proyectos de creación, establece un periodo máximo de cuatro semanas de residencia y una subvención de hasta 2.000 euros por cada proyecto.

Las residencias de creación, orientadas a la producción de un montaje, contemplan un periodo de desarrollo de ocho semanas y una dotación económica de hasta 5.000 euros por proyecto.

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© Foto: FMC Valladolid

El jurado del Premio COFAE, que se reunió ayer 8 de abril en la Feria de Artes Escénicas y Musicales de Castilla-La Mancha en Albacete, decidió conceder a La Red esta distinción destacando que La Red lleva años “contribuyendo a vertebrar el sector escénico desde el ámbito de la gestión cultural, apoyo a la circulación y exhibición de espectáculos, fomento de la creación artística y promoción de las artes escénicas en el sentido más amplio”.

COFAE-Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas, pone en valor “la labor que [La Red] realiza desde el diálogo, la escucha activa y el encuentro entre las organizaciones culturales, el tejido artístico y la sociedad”. E incide: “Esta organización promueve valores como la diversidad, la accesibilidad, la igualdad y la inclusión conforman las señas de identidad de la asociación, que comparte los objetivos de desarrollo sostenible de la Agenda 2030”.

La argumentación del jurado del premio COFAE pone el foco sobre las iniciativas que se llevan a cabo desde nuestra asocicación para garantizar el acceso a la cultura, especialmente a través de los circuitos Circo a Escena y Danza a Escena, además de otros proyectos de formación y concienciación como la Escuela de Verano de Almagro, el Proyecto de mediación Ornitorrinco o el observatorio de género. También reonoce el papel destacado que ha adquirido en estos años el portal redescena.net como “herramienta de información y difusión muy apreciada por el sector escénico en nuestro país”.

El jurado del premio define La Red como un “espacio de diálogo y trabajo del sector escénico [desempeñando] una relevante labor de liderazgo en el sector escénico, promoviendo acciones de buenas prácticas y fomentando la cooperación entre teatros, instituciones y asociaciones sectoriales”.

COFAE distingue con su premio anual a La Red en un año, 2025, en que precisamente celebramos nuestro 25 Aniversario.

El jurado ha estado constituido por los siguientes miembros:

–Manuel González, director de la Feria de Teatro de Castilla León–Ciudad Rodrigo y Presidente de COFAE
–Joan Morrós, de la Asociación Cultural El Galliner (Premio COFAE 2024)
–Raquel Anadón, del Teatro de las Esquinas
–Miquel Santamaría, socio de Honor de COFAE
–Iratxe Jiménez, miembro de la Junta directiva de la asociación Te veo
–Mari Ángeles García, de Cultural Albacete
–Tomás Gabriel Muñoz, coordinador de Cultura del Ayuntamiento de Illescas

Está abierta hasta el 17 de abril la convocatoria para participar en la jornada formativa “Accesibilidad e inclusión: visibilizar, sensibilizar, formar y compartir”, que se celebra el 30 de abril en Santiago de Compostela, concretamente en el Auditorio del Edificio CINC de la Ciudad de la Cultura de Galicia.

Este evento profesional se dirige a responsables de espacios escénicos y entidades profesionales dedicadas a la producción escénica.

El acceso, previa inscripción (accede aquí al formulario), es gratuito. Las plazas se adjudican por riguroso orden de inscripción.
 
El programa de la jornada arranca a las 10:00 horas: tras la presentación institucional, se proyectará el documental producido por La Red en 2023 “Habitar la escena”, en el que se recogen los testimonios y las reflexiones de doce profesionales vinculadas a la creación artística, a la programación y a la producción desde la perspectiva de la participación, la accesibilidad y la inclusión.

A continuación se desarrollarán una serie de charlas y mesas de debate en las que participan profesionales como Paula Varela Costas, educadora y pedagoga; Carla Méndez Trillo, filóloga y lingüista; Elvis García Torres, actor, o Ana Candela Campello y Javier Díez, integrantes del colectivo We Act, asociación de profesionales del ámbito del arte, la cultura y la comunicación, que tiene como principal objetivo promover unas artes escénicas inclusivas, libres de barreras.

Por la tarde la actividad se articulará en dos talleres prácticas, un taller para responsables de espacios, impartido por Ana Candela Campello, y otro destinado a empresas de producción de artes escénicas, que estará iimpatido por Javier Díez.

La 38ª edición de Dansa València arranca este sábado 5 de abril y se extiende hasta el día 13 con un total de 39 propuestas escénicas bajo el lema “Sueño insinuado”. El programa incluye ocho estrenos, cuatro de sala y cuatro de calle.

Las primeras puestas de largo serán el 9 de abril y correrán a cargo de Javier J. Hedrosa, que investigará en el Edificio Rialto sobre el recuerdo de experiencias escénicas en su instalación “Lo memorable”; y de la compañía británica Humanhood, que presentará en el Teatre Principal “Vortex”.

Por los distintos escenarios de la ciudad pasarán estos días, entre otros, Jesús Rubio Gamo, con “Todas esas cosas dentro de las cosas que llamamos cosas escondidas en…”, OtraDanza, que estrenará su instalación escultórica “Prometeo”, una coproducción del Palau de les Arts Reina Sofía, el Auditorio de Tenerife e IVC Artes Escénicas; La Venidera, que mostrará en El Almudín “No”, donde Albert Hernández e Irene Tena, ex bailarines del Ballet Nacional de España, indagan en nuevas perspectivas en la danza española contemporánea con la colaboración de Marcos Morau, o Cocinando Danza, que estrena en Dansa València “Nel mio respiro”.

Aunque la mayor parte de la programación se desplegará en teatros, plazas y calles de la ciudad de València, este año el festival se expande territorialmente e incorpora otras localidades de la provincia.

Así, el 6 de abril, dos de los municipios afectados por las inundaciones del pasado 29 de octubre, Catarroja y Massanassa, acogerán, respectivamente, “Estrip”, de Paula Serrano, y “El baile de la zurda”, de la compañía de Barcelona LaCerda, que se inspira en las maratones de baile y en los ritmos latinos.

El festival impulsado por el IVC cuenta con una selección de espectáculos de ocho comunidades autónomas: Comunitat Valenciana, Andalucía, Madrid, Navarra, Galicia, Cataluña, Islas Canarias y Cantabria, que se exhibirán en 25 localizaciones, tanto en salas públicas y privadas como en espacios patrimoniales y no convencionales. Teatros, museos y plazas acogerán una selección de piezas que configuran una amplia perspectiva de la creación contemporánea española reciente.

Dansa València cuenta también con un muestrario plural del talento local. Este año se puede reconocer en los trabajos de 17 artistas y compañías, entre ellos, Javier J. Hedrosa, OtraDanza, Cocinando Danza, Paula Serrano, Cristina Valdivieso, Colectivo Dánzate, Jessica Castellón & Boris Orihuela, Kiko López & Héctor Plaza, etc.

Las comisiones de Danza y Creación Contemporánea estarán presentes en este festival; ambas mantendrán sendas reuniones de trabajo en València el 10 de abril.

Imagen: “Lo que los árboles no cuentan”, de Kiko López & Héctor Plaza

Los próximos días 26 y 27 de mayo de 2025 se celebran en el Teatro de Rojas de Toledo (espacio asociado a La Red), las Primeras Jornadas Internacionales sobre Teatros Históricos. En ellas se abordarán temas como sostenibilidad, eficiencia energética, rehabilitación, modernización tecnoescénica y fuentes de financiación, entre otros.

Además, se tratará sobre los avances en dos proyectos en torno a teatros históricos como el “Mapa de los Teatros Históricos de España” y la “Ruta Europea de los Teatros Históricos”.

La Ruta Europea de los Teatros Históricos es un proyecto cultural que conecta teatros históricos de toda Europa para hacerlos más accesibles al público. Los objetivos de este proyecto son conocer y preservar el patrimonio cultural europeo, fomentar la restauración y conservación de los teatros históricos y apoyar la cooperación entre los países europeos.

La Red colabora con estas jornadas, junto a la Asociación de Directoras y Directores de Escena de España, European Route of Historic Theatres, la Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Castilla-La Mancha, Association of Historic Theatres in Europe y Centro de Tecnología del Espectáculo.
 
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Teatro, circo, música y danza vuelven a llenar la actividad cultural Albacete del 7 al 10 de abril. La Feria de Artes Escénicas y Musicales de Castilla-La Mancha celebra su XXIX edición con 18 compañías en cartel, nueve de ellas castellanomanchegas.

Se programarán tres espectáculos de música, uno de circo, dos de danza, uno de títeres y once de teatro. De ellos, la mitad son de compañías castellano-manchegas y dos han recibido ayudas a la producción del Gobierno regional.

La feria contará con actividades paralelas, entre las que destacan un curso de la Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas (COFAE) destinado a que las compañías se formen en cultura y sostenibilidad y también una exposición fotográfica de las pasadas ediciones que se celebrará en la Casa Perona, sede de la Delegación de la Junta en la provincia.

Este año la feria va a ser la sede de la reunión del jurado del Premio Nacional de COFAE, que este año cumple su novena edición.

Las actuaciones se llevarán a cabo en el Teatro de la Paz, el centro cultural José Saramago, el Auditorio Municipal, el Teatro Circo, la Sala Clandestino, la Filmoteca y la propia plaza del Altozano de Albacete.

La programación arranca con música el 7 de abril, con el espectáculo “Una canción de papá”, a cargo de la compañía Dr. Sapo, una propuesta para el público infantil y familiar. Cerrará la programación la compañía Teatro de Malta con su espectáculo de circo “A la gloria con Gloria Fuertes”.

La feria está organizada por la Consejería de Educación, Cultura y Deportes de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha y la Fundación Impulsa, en colaboración con la Diputación de Albacete, el Ayuntamiento de Albacete y la Coordinadora de Ferias de Artes Escénicas del Estado (COFAE).

Imagen: “Masa Madre”, de Cia. Cai

La XXI edición de MADFeria, Feria de Artes Escénicas de Madrid, se desarrollará del 16 al 20 de junio en Madrid y San Lorenzo de El Escorial. El evento arrancará en Madrid el lunes 16, incluyendo un espectáculo en la Sala Cuarta Pared; ese mismo día, se desplazará a San Lorenzo de El Escorial, donde se desarrollarán el resto de actividades hasta el día 20. Los espacios que alojarán la actividad escénica y profesional son el Teatro Auditorio y el Real Coliseo Carlos III.

Las inscripciones para profesionales están abiertas del 1 de abril al 19 de mayo a las 14:00 horas (accede desde aquí).

Las condiciones de participación son válidas para una persona por entidad. En el caso de que más personas de una misma entidad soliciten acreditación, será valorada con posterioridad al cierre del plazo de inscripciones en función de las plazas que haya disponibles.

MADferia no cubre los gastos derivados de transporte, comida, materiales o alojamiento de los segundos acreditados.

Se dará prioridad de inscripción a los programadores y programadoras, ferias, festivales y otros representantes de instituciones públicas, priorizando a su vez a las entidades cuyas líneas de programación coincidan con las de MADferia.

Más información en el email profesionales@madferia.com.

Imagen: MADFeria

Un total de 23 compañías girarán en la XVI edición de Danza a Escena. El circuito, cuyas primeras funciones tienen lugar este viernes 4 de abril en Castelló de la Plana y Torrejón de Ardoz, reúne en los próximos nueve meses, de abril a diciembre, 119 espectáculos de danza moderna y contemporánea, espectáculos para niños y niñas, flamenco contemporáneo y piezas cortas, estas últimas, las más numerosas en esta programación de 2025.

El circuito estará presente en diez comunidades autónomas: Islas Canarias, Galicia, Castilla y León, País Vasco, Catalunya, Comunidad de Madrid, Illes Balears, Comunitat Valenciana, Extremadura y Región de Murcia.

En estas comunidades autónomas habrá un total de 44 espacios escénicos adscritos a las 22 entidades escénicas asociadas a La Red que conforman este año el circuito.

Danza a Escena es un circuito artístico promovido por el INAEM y desarrollado por La Red Española de Teatros en colaboración con sus espacios escénicos asociados, para incrementar la presencia y visibilidad de la danza en las programaciones.

+ Toda la información, así como el calendario de funciones, en la web oficial de Danza a Escena.

El Día Mundial del Teatro 2025 se celebrará el próximo jueves 27 de marzo. Este año el mensaje oficial corre a cargo del dramaturgo griego Theodoros Terzopoulos, quien reivindica un teatro comprometido con su tiempo, responsable y capaz de erigirse como un instrumento que ilumine a la sociedad en épocas de oscuridad.

La celebración del Día Mundial del Teatro es una iniciativa impulsada por el Instituto Internacional del Teatro (ITI).

Uno de los actos más importantes de la celebración es la circulación de Mensaje del Día Mundial del Teatro, donde figuras de renombre internacional son invitadas por el ITI para compartir sus pensamientos sobre el teatro y la cultura de paz, y que este año ha corrido a cargo del dramaturgo Theodoros Terzopoulos, Director de teatro, Profesor, Escritor, Fundador y Director artístico del Teatro Attis, Inspirador de la Olimpiada Teatral y Presidente de la Comisión Nacional de la Olimpiada Teatral.

El primer mensaje del Día mundial del Teatro fue escrito por Jean Cocteau en 1962. 

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2024

A cargo de Theodoros Terzopoulos

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+ Descarga en formato pdf (GALEGO)

+ También puedes descargar el Manifesto Galego do Día Mundial do Teatro 2024 (pdf)

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¿Puede el teatro escuchar la llamada de auxilio que los tiempos modernos están enviando a un mundo habitado por ciudadanos empobrecidos y encerrados en las celdas de la realidad virtual y atrincherados en su asfixiante privacidad? ¿Puede hacerlo en un universo de existencias robotizadas dentro de un sistema totalitario de control y represión que abarca la totalidad de la vida?

El teatro, ¿está preocupado por la destrucción ecológica, el calentamiento global, la pérdida masiva de biodiversidad, la contaminación de los océanos, el deshielo, el incremento de los incendios forestales y los eventos climáticos extremos? ¿Puede el teatro ser parte activa del ecosistema? Durante muchos años ha sido un espectador más del impacto que hemos tenido los seres humanos en nuestro entorno y se ha visto en dificultades para lidiar con este problema.

¿Le preocupa al teatro la manera en que la condición humana está siendo moldeada y manipulada en el siglo XXI por intereses políticos y económicos, los grandes medios informativos y las compañías que configuran la opinión general? ¿Se preocupa por el papel asumido por las redes sociales que facilitan la manipulación y se convierten en obstáculo, casi insalvable, para la comunicación con el Otro?

Un sentido generalizado de temor por el Otro, el Diferente, el Extraño domina nuestros pensamientos y nuestras acciones.

¿Puede el teatro funcionar como un espacio de trabajo para la coexistencia de las diferencias sin tener en cuenta la herida abierta?

La herida abierta nos invita a reconstruir el Mito. Palabras de Heiner Müller: “El Mito es un agregado, una máquina a la cual siempre se pueden conectar nuevas y diferentes máquinas. Transporta la energía hasta que la creciente velocidad explota el terreno cultural”. Y yo añadiría: el terreno de la barbarie.

¿Puede el teatro arrojar luz sobre los traumas sociales y dejar de arrojar luz sobre sí mismo?

Preguntas ciertas que hace Dioniso al teatro cuando pasa por su lugar de nacimiento, el escenario del edificio teatral, y, cual refugiado, continúa su silencioso viaje a través de los paisajes bélicos hoy en día: el Día Mundial del Teatro.

Preguntas que no permiten respuestas definitivas, porque el teatro existe y perdura gracias a preguntas sin respuestas.

Miremos en los ojos de Dioniso, el extático dios del teatro y del Mito, que une el pasado, el presente y el futuro; el hijo de dos nacimientos, Zeus y Semele; la expresión de las identidades fluidas, hembra y macho, iracundo y gentil, divino y animal, en el límite entre la locura y la razón, el orden y el caos; un acróbata en la frontera entre la Vida y la Muerte. Dioniso formula la pregunta fundamental ontológica: “¿De qué se trata?”. Pregunta que conduce al creador a realizar una investigación cada vez más profunda en la raíz del mito y de las múltiples dimensiones del enigma humano.

Necesitamos nuevas formas narrativas cuyo objetivo sea cultivar la memoria y darle forma a una nueva responsabilidad moral y política que emerja de la actual dictadura multiforme de esta nueva Edad Media que vivimos en nuestros días.

Don Felipe inaugurará el próximo jueves 27 de marzo, coincidiendo con la celebración del Día Mundial del Teatro, el nuevo Museo Nacional de Artes Escénicas (MNAE), con sede en el Palacio de los Maestres de Calatrava, en Almagro, adscrito al Ministerio de Cultura a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), como sucesor del Museo Nacional del Teatro.

La colección del Museo Nacional de Artes Escénicas va a estar formada por los fondos custodiados en el anterior Museo Nacional del Teatro, así como los que se vayan incorporando en el futuro.

Este nuevo museo tiene como fines conservar, proteger y promocionar el conocimiento del patrimonio escénico en España y sus áreas de influencia cultural, y fomentar la participación ciudadana en condiciones de igualdad y accesibilidad universal.

Además, tiene como misión mostrar la historia de las artes escénicas como parte integrante e inseparable de la historia de España, así como de impulsar proyectos de investigación en su ámbito temático, material y museológico.

La totalidad de los fondos está relacionada con la historia de las artes escénicas en España: pinturas, esculturas, obra sobre papel (escenografías, figurines, grabados y dibujos), modelos decorados y marionetas; los fondos documentales comprenden fotografías, documentos, manuscritos y planos.

El volumen del archivo musical asciende a más de 20.000 partituras, divididas en música española y extranjera desde los siglos XIX y XX, siendo un archivo “imprescindible” para el conocimiento de la historia de la música en España.

El Museo permanece cerrado al público desde el pasado 7 de noviembre de 2023, cuando se inició las obras de renovación de sus instalaciones.