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“Considero que este proyecto de La Red ha logrado, por primera vez, establecer un marco analítico aplicable a todos los circuitos sobre la base de unos indicadores que nos permitirán desarrollar un trabajo continuado en los próximos años”, asegura Isabel Pérez, coordinadora de la Comisión de Redes y Circuitos. “Esta metodología de trabajo, además, se puede tomar como un protocolo aplicable a otras áreas de trabajo de La Red Española”.

El “Estudio sobre Redes y Circuitos de espacios escénicos públicos en España (2006-2010)” pretende facilitar la comprensión detallada del funcionamiento de las redes y circuitos de espacios escénicos españoles y permitir el diseño de estrategias de futuro para garantizar su sostenibilidad. La investigación ha sido desarrollada por La Red Española en colaboración con el Departamento de Sociología y Trabajo Social de la Universidad de Valladolid, bajo la dirección de Francisco Javier Gómez González.

Han sido más de dos años de trabajo para una investigación pionera en la que han participado diez de las redes y circuitos asociados a la Red nacional. Se trata del Circuito de Espacios Escénicos Andaluces, el Circuito Profesional de Artes Escénicas y Música de la Región de Murcia, la Red Aragonesa de Espacios Escénicos, la Red de Teatros de Castilla y León, el Circuit de Xarxa d´Espais Escènics Municipals de la Diputación de Barcelona, la Red de Teatros Castilla-La Mancha, la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid, la Rede Galega de Teatros e Auditorios (AGADIC), el Circuito de Teatro y Danza de Tenerife y SAREA, la Red Vasca de Teatros.

La Comisión de Redes y Circuitos trabaja, a partir de esta exhaustiva investigación, en “la valoración de los datos y la información que nos ha proporcionado el Estudio con el objetivo de elaborar una recomendación de buenas prácticas que pueda ser de utilidad a todos los circuitos”, según explica Isabel Pérez.

“Cada red o circuito -continúa Pérez- tiene su propia forma de organizarse y también, en función de la idiosincrasia de la política cultural de cada comunidad autónoma, unas pautas y unas directrices; esto no impide, todo lo contrario, que sí podamos detectar objetivos, procesos y necesidades comunes para todas las redes y circuitos, y trabajar en las fórmulas que optimicen la gran labor que se ha venido realizado durante todos estos años”.

El Estudio aborda todos los aspectos relevantes en las redes y circuitos en nuestro país, desde el análisis del contexto de cada una de estas entidades hasta la evaluación de sus resultados, pasando por el marco normativo en el que están circunscritas, la trayectoria de sus programas, sus procesos de financiación y dinámicas de trabajo, mecanismos de incentivos o el análisis de la repercusión que han tenido -y tienen- en la democratización del acceso a las artes escénicas en un amplio espectro geográfico.

Para Isabel Pérez, “el inmenso valor de esta investigación única en España nos obliga a redoblar esfuerzos en esta línea de trabajo, ya que esta metodología de trabajo nos permite actualizar año a año la información y evaluación de las Redes y Circuitos que han intervenido en el estudio y ofrecer así una información única sobre la evolución presente y futura de estos programas culturales”. De ahí que Pérez reclame “la involucración de todos los gestores culturales en un proyecto muy riguroso y de gran trascendencia”.

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En la primera parte del programa, como introducción al concierto, Ara ofrecerá en solitario diferentes improvisaciones compuestas por él mismo,  para a continuación, acompañado del quinteto de viento de la Orquesta Sinfónica del Teatro Chapí -flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa- interpretar el Concierto para violín en Re M. Op. 61 de Beethoven.  Los arreglos para orquesta de cámara han sido llevados a cabo por Gaspar Ángel Tortosa Urrea.

La segunda parte estará dedicada a Vivaldi con sus “Las Cuatro Estaciones”, para lo que Ara contará con un quinteto de cuerda  y clave de la Orquesta,  que interpretarán junto al solista los cuatro movimientos del concierto. “Las Cuatro Estaciones” es el título de un libro de cuatro conciertos para violín y orquesta  (La primavera, El verano, El otoño y El invierno), incluido en  Il cimento dell'armonia e dell'inventione,, Op. 8. Es una obra descriptiva que evoca  a través de elementos de lenguaje musical, distintos aspectos de las estaciones del año, y es considerada como una de las obras más famosas del repertorio universal.

Ara Malikian ha sido reconocido en numerosos concursos de prestigio internacional; como solista ha sido invitado a actuar en más de cuarenta países; y ha colaborado en conciertos de violín y orquesta, bajo la batuta de conocidos directores. Su presencia ha sido solicitada por importantes compositores de música de cine, en películas como “Hable con ella”, “Los lunes al sol” o “El otro barrio”.

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En la última edición de Mercartes hubo 89 stands que ocuparon 1.530 m2 y fueron visitados por 1.186 profesionales. El incremento sostenido de participación que han alcanzado las cuatro ediciones anteriores ha consolidado a MERCARTES como una cita comercial imprescindible para los profesionales y empresas de artes escénicas de España. Además de la zona de expositores, ofrece la XII edición del Salón Internacional del Libro Teatral y varias actividades para la promoción de intercambios comerciales.  Para la edición actual se ha reducido el formato a dos días y se han ajustado las modalidades y tarifas de acceso.

Ya está disponible la primera versión del Avance de Programa, con el detalle de las actividades que se celebrarán durante la feria, y el catálogo con las tarifas para la Contratación de Stands (pulse en este enlace para acceder).

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La compañía que dirige, El Espejo Negro, tiene un largo currículum. Desde su creación en 1989, ha producido once espectáculos, tres de los cuales están en cartel, entre ellos 'El fantástico viaje de Jonás el espermatozoide' (Espectáculo Recomendado en La Red Española), que le valió el Premio Max al Mejor espectáculo infantil. Ha sido su segundo montaje dirigido al público infantil; el primero, 'El piojo Matías', también obtuvo el Premio Max 2009 en la misma categoría.

¿Le plantea alguna reflexión el hecho de haber recibido sendos Premios Max por los dos únicos montajes infantiles que ha producido?
Me plantea tener que pensar que debemos seguir trabajando el espectáculo infantil en paralelo al teatro para adultos. Lo cierto es que es un apartado creativo muy interesante y en nuestro país se programa mucho teatro infantil...

¿Cómo cree que debe concebir un autor o una compañía un montaje dirigido a niños/as?

El espectáculo tiene que estar muy bien hecho, sea para adultos o para niños.

¿Y qué hace que tenga éxito?
No sé dónde está la clave del éxito. A veces, cuando no funciona un espectáculo, no sabes muy bien por qué. Otras, es cierto que, a medida que avanzan los ensayos, uno debería ser honesto y decidir no estrenar porque en los ensayos ya ves que aquello no va a funcionar.

En el caso de El Espejo Negro, ¿cuál es la fórmula que cree que 'funciona'?
Nacimos en el 89 y tenemos un lenguaje propio, y ese lenguaje propio es lo que reivindicamos en todo lo que hacemos en El Espejo Negro. Eso, y que siempre presentamos espectáculos técnicamente impecables.

¿Qué papel juega el apartado técnico del montaje de 'El fantástico viaje...'?
En esta obra, como en el resto, desde el punto de vista técnico, planteamos muchas facilidades para los espacios escénicos porque nosotros mismos llevamos todo el equipo de luces y sonido, sólo pedimos una conexión a la corriente eléctrica. Eso sí, el espectáculo requiere unas medidas mínimas del escenario: 8 de ancho por 6 de fondo y 5 de alto... Y hemos tenido que decir que no a algunos espacios porque no tenían esas condiciones, pero han sido muy pocos.

Al adentrarse en el  teatro infantil y familiar, ¿ha encontrado alguna peculiaridad, algo que le haya llamado la atención respecto al teatro para adultos?
En ocasiones, cuando se habla de teatro infantil, parece que “todo vale”, y no es así. Hay que ser muy riguroso con lo que estás haciendo, sea cual sea el espectador  al que te diriges. Pero ese “todo vale” te lo encuentras cuando presentas un espectáculo infantil. ¡A veces hay quien pretende que los cachés sean más bajos! Y esto no es así, o no debe ser así. El coste del montaje, los actores, los técnicos..., todos tienen que cobrar lo mismo: un actor en un espectáculo infantil no es menos que un actor en un espectáculo de adultos, es un profesional haciendo su trabajo.

¿Hace falta algún tipo de asesoramiento cuando se está creando un espectáculo dirigido a niños y niñas?
Sí, me he dejado asesorar por profesores de primaria, profesores de educación especial, por actores y actrices con mucha experiencia en este terreno... Bueno, y además también soy padre. Por lo demás, el teatro infantil no tiene por qué ser siempre didáctico. Mi punto de partida es el divertimento. Si, por el camino, enseñas algo, pues muy bien. Pero el hecho de que entretenga ya es un valor en sí mismo.

¿Cuál es el punto de partida para crear un espectáculo infantil que logre atraer a ese público específico?
Lo importante es que los espectáculos estén enfocados para niños inteligentes, no hay que menospreciar la inteligencia del niño, hay que darle calidad y dirigirte a él con honestidad. Para incentivar el teatro entre los críos hay que hacer acciones con ellos desde pequeños, en el colegio, en talleres y cursos... Hacerles aprender divirtiéndose, eso es lo que hace que un niño desarrolle el gusto por el teatro y, al mismo tiempo, inquietudes: el teatro te anima a querer aprender más, a leer, a tener otros intereses...

El haber recibido el Premio Max, ¿se ha traducido en un mayor número de funciones de su obra?
Tenemos mucho trabajo, el problema, como otras compañías, es la falta de pago. A nosotros nos deben todavía 90.000 euros de varios espectáculos distintos. A veces, tengo  la sensación de que estamos subvencionando nosotros las programaciones de otros porque una función tiene un coste, hay que pagar al elenco, a los técnicos... A final de mes, hay que pagar nóminas. Y, si no te pagan, es como si la compañía hubiera corrido con los costes de esa programación. Y luego, para más 'inri', tienes que escuchar críticas hacia las compañías porque reciben subvenciones, como si la subvención fuera un regalo, como si no estuvieran subvencionados también tantos otros sectores: la agricultura, la pesca... ¿Es que nosotros somos menos? La política cultural de este país, especialmente la teatral, necesita un cambio.

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Pulsa aquí para acceder a más información sobre la Escuela de Verano 2012 de La Red

Licenciado en Filosofía, diplomado en Relaciones Laborales y licenciado en Ciencias de Trabajo por la Universidad de Barcelona, Raúl Torres trabaja en la actualidad como director del Área de Recursos Humanos del Grupo Audens Solutions, donde desarrolla estrategias de gestión del talento, planes de comunicación y dirección de equipos de trabajo. Entre los días 11 y 15 de junio, participará como docente en los cursos programadas en el marco de la Escuela de Verano de La Red. Alcanzar una comunicación eficaz y dominar las técnicas de negociación para la resolución de conflictos son, entre otros, los objetivos del curso que impartirá en Almagro bajo el título 'Trabajo en equipo y coordinación de personas'.

Uno de los cursos programados en la Escuela de Verano aborda contenidos novedosos respecto a ediciones precedentes. Es el caso del taller 'Trabajo en equipo y coordinación de personas', ¿es un ámbito de formación suficientemente extendido en el sector de las artes escénicas? 
Sin ningún tipo de duda, es más, en este sector los valores humanos están muy presentes, lo que genera un perfecto entorno para crear y disfrutar trabajando en equipo. Con este curso, la Escuela de Verano ofrece una magnífica oportunidad de potenciar, con un poco más de intensidad, las habilidades individuales de cada uno. El objetivo del taller es muy práctico, partiremos de la experiencia actual de los alumnos, identificaremos los elementos claves de cada situación para que al final la experiencia de trabajar en equipos y coordinar personas sea única y enriquecedora. Nos vamos a divertir, esto también te lo garantizo.

Imagino que una situación de crisis tan agravada como la que vive el país afecta de forma significativa a los relaciones de trabajo y a las dinámicas de comunicación, ¿qué ventajas aporta la formación para hacer frente a contextos de ansiedad y crisis como el actual?
El ingenio debe despertarse ante una situación de crisis, de forma que se pueda encontrar una oportunidad de mejora en el cambio que se avecina. Para ello se van a tener que superar los miedos, los bloqueos y las ansiedades que se producen cuándo la necesidad de resultados nos envuelve.
Cómo lograr esto, cómo lograr alcanzar nuestros objetivos (hasta personales te diría yo), requiere de un saber hacer, que pasa por la ayuda de los demás. Sólo trabajando en equipo, aunando esfuerzos, bien coordinados con una exquisita comunicación, nuestras metas se convierten en logros… ¿Sabemos hacerlo? ¿Sabes cómo vencer tus miedos?

La definición de los roles en los equipos de trabajo es uno de los temas clave para el funcionamiento eficaz de cualquier organización. El sector de las artes escénicas se caracteriza por un tejido de empresas de pequeño tamaño, donde es habitual que muchas funciones o responsabilidades sean asumidas por una sola persona… Al final, muchos hacen mucho. ¿En qué medida afecta a la coordinación de equipos y a la comunicación?
En los cursos de regiduría de ediciones anteriores de la Escuela este tema ha sido siempre fundamental. El tener que hacer de todo en un momento dado o el asumir diferentes papeles o roles en un proyecto concreto es algo habitual en este sector. Por ese motivo, el calibrar perfectamente al equipo, el ser generoso a la hora de comunicar, el saber resolver las situaciones cuándo tocan, se hace imprescindible para cumplir con la fecha de estreno.

Asertividad, negociación, resolución de conflictos… comienzan a ser temas frecuentes en el ámbito laboral, aunque quizá no tanto en sectores vinculados a las artes o la cultura, ¿hay ciertos recelos a introducir estos temas en sectores profesionales donde prima el componente más creativo?
Saber decir lo que uno piensa y sin que por ello se genere un conflicto no es fácil, y menos cuando el ambiente ya está “caldeado” previamente. En el curso vamos a probar cómo negociar estas situaciones, ensayaremos el mejor momento para resolver los conflictos. Hacerte entender sin que te malinterpreten a veces es una misión imposible. ¡La Ley de Murphy existe! Ser creativos es entender el conflicto como una oportunidad y, en ese sentido, trabajaremos para utilizarlo a nuestro favor.

Uno de los epígrafes del curso lleva el titulo de 'No me chilles que no te veo', ¿tienes la impresión de que nos gritamos precisamente o tendemos a evitar los conflictos?
El mundo del espectáculo, de las artes escénicas es el gran especialista en la comunicación. Grandes creaciones han sido justo una parodia de lo que debe ser la comunicación, yo a veces intento evitar un conflicto chillando… ¡no me preguntes si lo logro! Tener claro qué es una cosa y qué es otra ayuda a tomar decisiones correctas. El curso tiene cuatro grandes áreas: trabajo en equipo, comunicación, negociación / resolución de conflictos y coordinación de personas,  y yo pregunto ¿no son acaso diferentes caras de una misma moneda? ¡Ven al curso y lo hablamos!


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En la primera semana del festival, cuatro grandes propuestas llegarán a tres escenarios de la capital, procedentes de Francia, Canadá, España y Reino Unido, respectivamente: The Suit (El traje), Playing Cards 1: SPADES (Juego de cartas 1: PICAS), OJO y The Master and Margarita (El maestro y Margarita).

Procedentes de Francia, Peter Brook, uno de los directores más influyentes del teatro europeo contemporáneo, y su compañía Théâtre des Bouffes du Nord serán los encargados de inaugurar el festival, con el estreno en España de The Suit (El traje), en los Teatros del Canal.

Otro de los platos fuertes del festival llega de la mano del genio prolífico y visionario Robert Lepage. El inimitable creador canadiense ha elegido Madrid como escenario del esperado estreno mundial de su más reciente creación: Playing Cards 1: SPADE (Juego de cartas 1: PICAS). Éste es el primero de cuatro espectáculos inspirados en las reglas, los signos, la numerología, la mitología y los personajes que rodean el mundo del juego. Le seguirán: CORAZONES, DIAMANTES y TRÉBOLES.

Lepage saca una vez más a escena la magia de los efectos multimedia más punteros, para abordar una cuestión tan devastadora de la condición humana como es la guerra. Más allá de la suerte, el azar y la desmesura, la acción se desarrolla en dos ciudades, construidas en el corazón de dos desiertos: por un lado, Las Vegas, paradigma de los excesos del mundo occidental; y por el otro, Bagdad, durante la invasión estadounidense de Irak. Esta acción ha sido ideada para un escenario circular, con el fin de ofrecer una visión de 360º al espectador. Y así será en el Teatro Circo Price, los días 9, 10, 11, 12 y 14 de mayo, a las 20 horas y el día 13 de mayo, a las 19 horas.

Por su parte, el joven bailarín y coreógrafo Antonio Ruz también ha elegido el Festival de Otoño en primavera para el estreno absoluto de su última creación, OJO. Ruz se ha forjado una sólida trayectoria junto a una de las compañías más reputadas de la escena coreográfica actual, la formación alemana Sasha Waltz & Guests Berlin. Con este nuevo trabajo, inspirado por el arte, la literatura y el cine, el artista busca encontrar un lenguaje corporal en el que la ceguera, la oscuridad y la sombra estimulen la imaginación del espectador. Las representaciones serán: en el Centro Cultural Paco Rabal - Palomeras Bajas, el día 12 de mayo, a las 20; y en los Teatros del Canal (Sala Verde), el día 19 de mayo, a las 20:30 horas, y el día 20 de mayo, a las 18:30 horas.

Completando la oferta de la primera semana del Festival de Otoño en primavera, la compañía británica Complicite regresa a España con el estreno de The Master and Margarita (El maestro y Margarita). Tras sus aplaudidas The Street of Crocodiles (1994) y Measure for Measure (2005), este año traen una obra maestra de la literatura rusa, adaptada bajo el poderoso estilo del director Simon McBurney. Paradigma del teatro multidisciplinar de vanguardia, el teatro visual de Complicite integra música, texto, imagen y acción, y propone sugerentes escenografías y deslumbrantes efectos visuales para afrontar, en esta ocasión, la legendaria novela de Mijaíl Bulgákov. El texto es una sátira fantástica escrita en 1928, en la Rusia de los sóviets gobernada bajo el férreo control estalinista, que supone una crítica feroz plagada de metáforas. Se representará en los Teatros del Canal (Sala Roja), los días 13 y 14 de mayo, a las 18 horas; y el día 15 de mayo, a las 12:30 y 18:30 horas.

Más información sobre el Festival de Otoño, pulsando en este enlace

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La puesta en marcha de la Escuela de Verano, la reciente presentación del Estudio sobre Redes y Circuitos de Espacios Escénicos en España o la preparación del plan de trabajo a desarrollar en Mercartes fueron algunos de los puntos que la Junta Directiva de La Red Española trató en su reunión del pasado 19 de abril. La Junta comenzó con una valoración del presupuesto de la entidad para el presente ejercicio, que ha sufrido un descenso de en torno al 5%, un dato que, en palabras del presidente, José Luis Rivero, “nos permite mantener activos todos los programas que venimos llevando a cabo en los últimos ocho años”.

La Junta trató en su reunión sobre los principales programas de acción que se llevan a cabo desde La Red Española y sobre el enfoque que habrá de marcar las pautas de la gestión en los próximos meses: “En estos momentos -explica José Luis Rivero-, sin descuidar otras líneas de trabajo de nuestro programa, queremos incidir de manera especial en un concepto: el de las artes escénicas en su vertiente educativa y como elemento indispensable de la cohesión social”.

En este sentido, La Red pretende impulsar la proyección de este mensaje centrado en la legitimación social de las artes escénicas y brindar a sus espacios asociados las “herramientas necesarias para ahondar en esta línea de trabajo y para poner en valor el papel que han jugado y están jugando los espacios escénicos públicos como vertebradores de su entorno social”. “El papel de los teatros públicos en el desarrollo de las artes escénicas en España ha sido y es fundamental. Y va a seguir siéndolo: ésa es nuestra voluntad y nuestro compromiso”, asegura José Luis Rivero.

Uno de los elementos fundamentales de este Plan de Acción es el desarrollo de un ambicioso programa de comunicación para los próximos meses, que tiene como objetivo poner en valor entre los asociados -y también de cara a todo el sector de las artes escénicas y la sociedad en general- la actividad que lleva a cabo La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública. Según José Luis Rivero, “forma parte de nuestra misión el poner de relieve los valores sociales y también economicistas de las artes escénicas; al mismo tiempo, con este plan de comunicación interna y externa queremos poner el foco sobre los logros que hemos tenido en estos años y sobre los programas que se están llevando a cabo. Hay que recordar que La Red Española fue pionera en el estudio, el análisis y la organización de actividades en torno a la gestión de públicos”.

La Junta Directiva quiso dejar patente en su reunión la necesidad de que todo el sector de las artes escénicas se muestre unido por una causa común: “la defensa de un modelo social, integrador y creativo para el crecimiento y desarrollo de las artes escénicas”. Este llamamiento a que todos los agentes (creadores, escenarios, productores, compañías, profesionales de la gestión cultural...) trabajen en sintonía surgió a raíz de la valoración del plan de trabajo de cara a la feria Mercartes 2012 (14-16 de noviembre), en cuya Junta Ejecutiva está presente La Red Española. En este punto, Rivero afirma: “La Red y todos sus asociados tienen que llegar a Mercartes con un discurso muy claro con el que reivindicamos y ponemos en valor el  papel indispensable de los espacios escénicos públicos en el crecimiento de las artes escénicas en nuestro país”.

El trabajo de las comisiones

La reunión del 19 de abril sirvió también para sentar las líneas generales sobre las que se desarrollará el trabajo de las diferentes comisiones de La Red. Se aprobó la puesta en marcha de la Escuela de Verano 2012 (área de trabajo correspondiente a la Comisión de Formación), que este año alcanza su séptima y que se celebrará entre los días 11 y 15 de junio edición (ya está abierto el plazo de inscripción). Igualmente, desde la Comisión de Circuitos se hizo una valoración del Estudio sobre Redes y Circuitos de Espacios Escénicos Públicos, recientemente presentado a los medios de comunicación, en el que se destacó el hecho de haber logrado establecer “un marco analítico aplicable a todos los circuitos sobre la base de unos indicadores que nos permitirán desarrollar un trabajo continuado en los próximos años”.

Desde la Comisión de Teatro y Circo se apuntó, entre otros temas, la necesidad de ampliar dicha comisión y de atender a las demanda, por parte de los asociados, de un calendario de reuniones más amplio. La Comisión de Música llamó la atención sobre la necesidad de integrar esta disciplina en todas las acciones y programas de La Red como forma de potenciar su visibilidad y darle un mayor impulso, mientras que, desde la Comisión de Danza se informó de los trabajos preparatorios del Encuentro Internacional para el Intercambio de la Danza y las Artes del Movimiento, MOV-S, del 14 al 17 de junio, y se hizo una evaluación, muy positiva, del Proyecto Danza a Escena-Circuito de Danza. El índice de participación de los espacios asociados en Danza a Escena ya fue muy elevado en 2011 y, aun así, en 2012  se han vuelto a superar todos los ratios de años anteriores. En este sentido, Rivero puso el acento en el éxito de este proyecto que se desarrolla en colaboración con el INAEM: “La cooperación entre La Red Española y el INAEM es, sin duda, una vía natural para el desarrollo de proyectos que, como Danza a Escena, son ambiciosos en sus planteamientos y muy positivos en cuanto a resultados”.

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La Academia es un espacio abierto a la reflexión, el conocimiento y el diálogo que se desarrolla de forma previa al inicio del festival de Clásicos en Alcalá que se desarrollará en la ciudad complutense del 14 de junio al 1 de julio.

El objetivo del ciclo es enriquecer al futuro espectador de Clásicos. Cada una de las conferencias contará con la intervención de un especialista en materia escénica y de un representante del espectáculo que originará el encuentro. El asistente podrá profundizar así en el conocimiento del autor, el contexto y la obra que se representará en días siguientes con motivo de la duodécima edición de Clásicos en Alcalá.

Academia de espectadores da comienzo el próximo día 9 de mayo a las 18.00 h en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares y este es su programa:

Miércoles 9 de mayo

“La dama boba” de Lope de Vega, con la participación de Laila Ripoll, directora y autora de la versión y Manuel Pérez Jiménez.

Miércoles 16 de mayo

“El coloquio de los perros” de Miguel de Cervantes, con la participación de Emilio del Valle, director y adaptador de la función y Héctor Brioso.

Miércoles 23 de mayo

“La lengua en pedazos” de Juan Mayorga, a partir de El Libro de la vida de Teresa de Jesús, con la participación de Juan Mayorga, autor y director de la función y Manuel Martí, "Estilo y personalidad de Santa Teresa"

Miércoles 30 de mayo

“Farsas y églogas” de Lucas Fernández, con la participación de Ana Zamora, directora de la función y Fernando Gómez Redondo.

Miércoles 6 de junio

“Noche de reyes” de William Shakespeare, con la participación de Eduardo Vasco, director de la función y Fernando Galván Reula, "Shakespeare, autor de comedias”

En 1995, el Área de Cultura del Ayuntamiento de Leioa se lanzaba a la aventura de organizar, con vocación de continuidad, un Festival de Humor con una programación definida por espectáculos de sala. Doce años después, Umore Azoka es una cita obligada en el calendario de ferias y festivales. Durante cuatro días, los espacios más singulares de la ciudad se transforman en un escaparate para conocer las últimas tendencias, formatos y vanguardias en el ámbito de las artes de calle. Charlamos con Ana López Asensio, directora del Área de Cultura del Ayuntamiento de Leioa.

La Feria nacía en 1995 como un Festival de Humor, con una programación claramente definida por los espectáculos de sala… ¿Cómo ha crecido Umore Azoka durante este tiempo?

La Feria ha vivido tres grandes etapas. Una primera, de tanteo y definición, que se prolongó hasta 2002; un segundo periodo, con un punto de inflexión, que tuvo lugar en 2003; y una última fase de crecimiento y consolidación. Durante estos últimos años, se han ido definiendo con claridad las características y señas de identidad de Umore Azoka; su apuesta por espectáculos de pequeño y mediano formato, que encuentren salida en el mercado, la variedad de disciplinas y géneros, y cierto equilibrio en cuento a la procedencia de las compañías invitadas. En este contexto, apostamos por propuestas heterogéneas, fácilmente adaptables a diferentes espacios y que cumplan determinados parámetros de idoneidad técnica y económica.

La cercanía de Bilbao no ha sido un obstáculo para que Umore Azoka creciera y ocupara un espacio propio en la oferta cultural de Euskadi, ¿es más difícil consolidar una propuesta como la Feria en un contexto con mayor oferta?

Leioa cuenta con ciertas ventajas. Se halla lo suficiente lejos de Bilbao como para poder generar sus propios programas culturales y lo suficiente cerca para poder atraer algunos públicos. En efecto, Bilbao y Getxo, por su proyección económica, concentran la oferta cultural de nuestro entorno, y reciben también la mayor cobertura, pero hemos sabido construir una feria adaptada a las características de Leioa. Tenemos clara nuestra vocación de servicio hacia los habitantes de este municipio, pero el concepto de Feria también está muy presente. De momento, hemos logrado mantener ese equilibrio. Nuestro público, además, ha ido creciente durante estos años. Ha evolucionado en cuanto a criterio artístico, actitud y  respecto hacia las compañías. Hay un ejercicio de fe compartido con los ciudadanos.

La gran eclosión de festivales en muchas ciudades del Estado y su apuesta por los lenguajes de calle, que atraen a gran público, parece haber cuestionado el papel de las ferias y su trascendencia como encuentro de carácter comercial y profesional, ¿cómo crees que evolucionará  este mercado de exhibición en los próximos años?

Evidentemente, las ferias tienen que adaptarse a los nuevos tiempos y buscar un espacio propio. Muchas citas culturales, entre ellas las ferias, se están replanteando la opción de celebrarse con carácter bienal, otras barajan la especialización en diferentes formatos o géneros, en algunas ferias se está diluyendo el componente más artístico y prima la heterogeneidad... En cualquier caso, los cambios en todo el sector ya se perciben en las ferias, que diseñan su programación con las producciones que nutren la oferta artística de cada momento. Y los cambios económicos están afectando al modo en que lanzan o montan algunos espectáculos, con repartos más reducidos o escenografías mínimas. Al final, todo se va adaptando a la realidad de los nuevos tiempos y la oferta cultural.

En la edición precedente, eran más de 150 los profesionales acreditados en la Leioa, ¿qué previsión manejáis en 2012?

Hasta el momento, hemos recibido alrededor de 90 solicitudes, aunque esperamos movernos en las mismas cifras que años precedentes. Por otro lado, en Leioa se dan cita muchos profesionales que no se han inscrito. En algunas ocasiones, se trata de responsables de pequeñas casas de cultura de Euskadi. Es cierto que contamos con la complicidad de algunos programadores de otras comunidades del Estado muy fieles a la Feria, que repiten año tras año, y la tendencia general es recibir también a un mayor número de distribuidores. Nuestra línea de crecimiento y expansión pasa ahora por atraer más programadores internacionales, aunque estamos condicionados por algunas limitaciones. No tenemos una estructura propia de feria, lo que dificulta la labor de promoción y contacto a nivel internacional.

Habéis recibido más de 400 propuestas sobre las que, imagino, habéis trabajado intensamente para seleccionar las 45 compañías invitadas, ¿qué criterios os han inspirado a la hora de realizar la programación?

Es la tarea más compleja pero también la más atractiva y apasionante. El resto de funciones tienen un componente más administrativo o de gestión. Al final, la feria se adapta a la realidad de la oferta actual. En el proceso de selección, prima el componente artístico y la calidad, también valoramos que las propuestas que recibimos sean estrenos o que no se hayan visto antes en otras ferias de nuestro entorno. Además, queremos que Umore Azoka respalde a las compañías que apuestan por el riesgo. Pero, en términos generales, los criterios básicos son la calidad artística y la idoneidad técnica y económica. También es muy importante que haya cierta relación entre el espacio y el espectáculo. Durante los últimos años, hemos recibido más propuestas con cierta atmósfera intimista, que precisan de unas condiciones especiales para su puesta en escena. Por otro lado, cuando ya hemos completado la selección individual de todas las propuestas, debemos analizar que programación, en su conjunto, sea compacta y variada, que atienda a diferentes perfiles de públicos, que haya espectáculos nocturnos… Confeccionar este puzzle es la tarea más bonita.

La Feria se ha convertido en un escenario clave en el calendario de las compañías vascas. Es habitual que edición tras edición, estrenen en Leioa formaciones como Trapu Zaharra, Gaitzerdi,  Xabi Larrea, Matrioska o Ane Miren. Imagino que debe ser una responsabilidad ser el gran escaparate del teatro de calle vasco…

En efecto, para nosotros es una gran responsabilidad. De hecho, con muchas compañías de Euskadi mantenemos un contacto frecuente a lo largo de todo el año. Seguimos su proceso de creación, conocemos las características de su proyecto y, en algunas ocasiones, estamos en condiciones de ofrecerles acuerdos de colaboración que incluyen el adelanto de una parte del caché. También les ofrecemos espacios de ensayo o formamos grupos de contraste para que puedan medir la respuesta del público. Somos conscientes de que muchas compañías asumen un gran riesgo al estrenar sus espectáculos en una feria. Por eso es trascendental esta labor de cercanía. Por otro lado, existen otras fórmulas también muy interesantes para algunas formaciones. El pasado año, por ejemplo, Markeliñe hizo un “show case” para profesionales del montaje ‘"Anomalía magnética", que luego presentó en el Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid. Este tipo de iniciativas funcionan muy bien.

Para conocer la programación de  XIII Umore Azoka de Leioa puede consultar el siguiente enlace: http://www.umoreazoka.org

El ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, acompañado de la alcaldesa de Madrid, Ana Botella, entregó a Machi la estatuilla de Víctor Ochoa que le acredita como ganadora de esta sexta edición del premio.

"Nunca pensé que un personaje que me causara tanto dolor, a la vez me causara tanta alegría", ha dicho Machi, dirigiéndose al director y autor de la obra, Miguel del Arco, al que ha dedicado el trofeo y que competía, a su vez, por la dirección de "Veraneantes".

Wert señaló que Carmen Machi es "la actriz con más registros que se pueden imaginar" y ha citado como ejemplos la serie "Aida" y las obras "Agosto" y la premiada.

"Juicio a una zorra" es un montaje escrito y dirigido por del Arco para el Festival de Mérida, que se pudo ver en el Teatro de La Abadía poco antes de que Machi participase en "Agosto" con su antigua compañera en la serie "Siete Vidas", Amparo Baró.

La premiada ha competido por el galardón precisamente con Baró, por "Agosto"; con del Arco, por "Veraneantes"; con Mario Gas, por "Un tranvía llamado deseo"; José María Pou, por "Llama a un inspector"; Albert Boadella, por "Amadeu" y Jordi Galcerán por "Burundanga".

La lista de candidatos la completaban Paloma Pedrero por "En la otra habitación"; Aitana Sánchez Gijón por "Santo"; Alfredo Sanzol por "En la luna" y Julieta Serrano por "La sonrisa etrusca".

En su sexta edición, el jurado ha estado formado, entre otros, por Francisco Nieva (presidente y ganador del año pasado), Luis María Anson, Juan Echanove, Nuria Espert, José María García-Luján, Antonio Garrigues, Juan Mayorga, Manuel Llorente y Ruperto Merino.

El ganador sucede a Juan Echanove, Angélica Liddell, Juan Mayorga, Nuria Espert y Francisco Nieva.

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Con “La consagración de la primavera” como estandarte en homenaje a la primavera y a su poder creativo, y con la presencia de la actriz Carmen Machi como anfitriona, el Festival Teatro Gayarre; Otras miradas, Otras Escenas alcanza su séptima edición, una nueva cita con algunos de los referentes de las artes escénicas actuales nacionales e internacionales como el coreógrafo Ismael Ivo, los directores de escena Miguel del Arco o Carme Portaceli, o con la citada Carmen Machi, sin duda una de las grandes damas de la escena española. Una nueva cita con la contemporaneidad que de nuevo nos remite a lo que se hace hoy, ahora, en el mismo tiempo en que vivimos.

El Festival Teatro Gayarre lleva a escena, cada año, como estandarte de esta programación, una nueva coreografía de"La Consagración de la Primavera", una de las obras más rompedoras y relevantes creaciones de los míticos Ballets Rusos, que marcaron los caminos de la estética musical del siglo XX y que significaron un cambio radical en la forma de entender la danza.

En esta ocasión  podrá disfrutarse de la versión de "Les Danseurs Napolitains" de Italia que dirige el brasileño Ismael Ivo.

Esta es la programación detallada :

• Martes 15 de mayo. 8 tarde

"Nuestra Clase", Compañía: Factoría Escénica Internacional

Autor: Tadeusz Slobodzianek. Adaptación y dirección: Carme Portaceli. Intérpretes: Jordi Rico, Carlota Olcina, Jordi Brunet, Ferran Carvajal, Roger Casamajor, Lluïsa Castell, Gabriela Flores, Albert Pérez, Xavier Ripoll e Isak Ferriz.

El 10 de junio de 1941, los judíos de Jedwabne (Polonia) fueron conducidos hasta un granero y quemados vivos. La masacre fue atribuida a los ocupantes nazis. En 2001, se descubrió que los verdaderos responsables fueron polacos: la gente del pueblo, sus propios amigos y vecinos. Una valiente denuncia del Holocausto polaco

• Jueves 17 de mayo. 8 tarde

"Drácula". Compañía: Vortice Dance (Portugal). *ESTRENO NACIONAL

Coreografía: Cláudia Martins y Rafael Carriço. Bailarines: Cláudia Martins, Rafael Carriço, Jorge Libório, Maria Diogo, Rafaela Reis, Ángela Bacellar, Luz Bacellar, Joana Puntel, David Silva, Fábio Simões, Rita Pereira, Renato Vieira

Dirigida por los bailarines y coreógrafos Claudia Martins y Rafael Carriço, Vortice Dance es la compañía más joven y prestigiosa dentro del panorama nacional portugués. Partiendo del argumento clásico del “Drácula” de Bram Stoker se adentran en un mundo de imágenes oníricas. La compañía explora en nuevos lenguajes, en ideas sugerentes que transmiten una atmósfera mística del sufrimiento, la alucinación, la furia y la pérdida.

• Sábado 19 de mayo. 8 tarde

"Tom Pain (una obra basada en nada)". Entre Piernas Producciones

Autor: Will Eno.  Dirección: Alberto Villareal Díaz. Intérprete: Gerardo Trejoluna

Tom Pain, un hombre absolutamente normal, pero con una honestidad de la que muchos carecen. Se dirige al público para contar tres momentos de su vida, permaneciendo siempre descalzo sobre un bloque de hielo real. El poder de la obra radica en estar frente a frente con un hombre dispuesto a convertir el dolor en una provocación, un divertimento, un placer escénico para el espectador. La obra fue estrenada en el Festival de Edimburgo, donde obtuvo el Primer Premio Fringe y el Premio Herald Angel. En 2005 en Nueva York, fue finalista para el Premio Pulitzer en la Categoría de Drama.

• Lunes 21 de mayo. 8 tarde

"Juicio a una zorra". Kamikaze producciones

Texto y dirección: Miguel del Arco. Intérprete: Carmen Machi.

Carmen Machi interpreta a Helena de Troya, la mujer acusada de dar rienda suelta a la más famosa de la guerras antiguas. Miguel del Arco recoge un nuevo punto de vista, el de la protagonista, quién reivindica su papel en una historia en la que siempre fue culpable. A juicio del crítico Marcos Ordóñez Carmen Machi “va a clavarles en la butaca durante setenta minutos. No, me quedo corto. Carmen Machi te agarra por el cuello desde que pisa la escena, te monta a su lado en la montaña rusa y no te suelta”.

• Viernes 25 de mayo. 8 tarde

"La Consagración de la Primavera". Compañía: Les Danseurs Napolitans

*ESTRENO NACIONAL

Música: Igor Stravinsky. Coreografía: Ismael Ivo.

El actual director de la Bienal de Danza de Venecia, el brasileño Ismael Ivo es uno de los coreógrafos más prestigiosos de la danza contemporánea. Ahora estrena en nuestro país, concretamente en nuestro escenario, su visión de “La consagración de la primavera” donde ha mezclado elementos mediterráneos clásicos y modernos para revivir el ritual de la fertilidad a través de la expresividad artística contemporánea. El coreógrafo transita con descaro por la frontera de la danza y el teatro, mostrando su preocupación por los tabúes sobre el cuerpo en occidente.

• Martes 29 de mayo. 8 tarde

"Fingir". Compañía: Colectivo 96º

Texto y dirección: Lidia González Zoilo. Intérpretes: Lidia González Zoilo y David Franch.

La pieza se plantea como un ensayo en el que dos actores cuentan qué obra representarán, qué gestos y expresiones utilizarán, qué reacciones provocarán en el público. Todo como una gran mentira. En “Fingir” (Premio al Espectáculo Más Innovador de la Feria de Huesca 2011) el propio tema de la performance es la aceptación de la convención, la aceptación de que todo es representación y de que en lugar de luchar contra ello, lo mejor es intervenir, escoger las formas de tomar parte en la performance.

• Viernes 1 de junio. 8 tarde

"La Regenta". Una coproducción de Come y Calla y Teatros del Canal

Una adaptación de La Regenta de Leopoldo Alas Clarín. Dirección: Marina Bollaín. rsión y dramaturgia: Marina Bollaín y Vanessa Montfort. Intérpretes: Mariona Ribas, David Luque, Chiqui Fernández, Alberto Vázquez, Paca López, Raúl Sanz, Ángel Savín.

Ana Ozores, una mujer admirada y conocida en la vida social contemporánea y en apariencia felizmente casada con un político relevante, se verá envuelta en un triángulo amoroso cuyos detalles más escabrosos serán expuestos públicamente. En un plató de televisión asistiremos a la caída de un mito, Ana Ozores, propiciada por Fermín, su mayor confidente. Uno a uno, sus amigos, enemigos, amantes y pretendientes irán desgranando sus intimidades

NUESTRAS MIRADAS.  

• Miércoles 9 de mayo. 8 tarde

"El Círculo de Tierra". Compañía: La Caja Flotante.

Dirección:  Ion Iraizoz. Adaptación y dramaturgia: Ion Iraizoz. Intérpretes: Leire Ruiz, Inés Bengoa, Eneko Otermin, Ramón Marco, Sergio de Andrés, Asun Abad.

¿Por qué nos sentimos identificados con un pedazo de tierra? Quizá sea porque el agua nos sabe mejor o porque el aire nos parece más. Sea por lo que sea la balanza siempre se inclina del lado de la tierra. Pero, ¿a quién pertenece la tierra?

• Viernes 11 de mayo, 7 tarde (Plaza del Castillo) y viernes 18 de mayo, 8 tarde (Civivox Condestable).

"Enfoque, en movimiento". Compañía: Kon moción Taller de Danza

Dirección: Becky Siegel. Vídeo y fotografía: Clemente Bernard. Bailarines: José Juan Ayucar, Ion Barbarin, Txori García Uriz, Marie González, Carolina Herrera, Amaia López, Silvia Marco.

Un encuentro entre la danza, la fotografía, el vídeo y el público. Una actuación que ocurre en dos días diferentes, en dos espacios diferentes, a los dos lados del objetivo.  Kon moción Taller de Danza se une con el fotógrafo Clemente Bernad en este proyecto.

• Miércoles 23 de mayo. 8 tarde

Compañía de Danza Carmen Larraz

" La Red" Dirección: Carmen Larraz. Coreografía: Carmen Larraz. Bailarines: David Pérez, Laida Azkona, Carmen Larraz.

En La Red aparecen tres personas que partirán de uno de los actos más instintivos como ser humano: el relacionarse con otros seres humanos. El desarrollo del proceso creativo se basa en una estructura dramática dividida en tres partes simbolizada en tres colores:

Blanco; Rojo y Azul.

OTRAS ACTIVIDADES

• EXPOSICIONES

“Camerinos” (fotografía), Sergio Parra

                Lugar: Civivox Condestable

                Fechas: del 15 de mayo al 17 de junio de 2012

Horarios: de martes a sábado, de 9.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 horas (domingos y festivos, cerrado).

“Pequeñas historias, grandes mentiras”, Alicia Otaegui y María Monye

                Lugar: vestíbulo del Teatro Gayarre

                Fechas: 9 de mayo-1 de junio de 2012

                Horarios: Días de función

• PROCESOS CREATIVOS: ENCUENTROS CON…

Carme Portaceli, directora de escena .

                Fecha: 14 de mayo de 2012

Ismael Ivo, coreógrafo y bailarín

                Fecha: 24 de mayo de 2012

Marina Bollain, directora de escena

                Fecha: 31 de mayo de 2012

Lugar: Teatro Gayarre

Horario: 20.00 horas

Organizan: Fundación Municipal Teatro Gayarre con la colaboración de la Escuela Navarra de Teatro

La compañía madrileña Morboria Teatro estrenaba el pasado mes de marzo en el Teatro Juan Bravo de Segovia “El rey y el bufón”, un montaje basado en textos del autor contemporáneo belga Michel de Ghelderode (1898-1962) que aborda la cara más oscura del poder, regresando para ello al siglo XVI español. La obra recala ahora en la Sala Mirador de Madrid (barrio de Lavapiés) donde podrá entre los días 26 y 29 de abril y 3 y 6 de mayo.

Eva del Palacio, directora de la compañía, se adentra así en el universo imaginario de Ghelderode con una trabajo que lleva a escena el enfrentamiento de dos personajes: un rey degenerado y neurótico, encarnado por Felipe II, y su bufón Folial, que encarna la mezcla de monstruosidad e inteligencia. Con esta propuesta, Morboria recupera a un autor que apenas ha sido representado en nuestro país y que en palabras de Eva del Palacio “merece un espacio en la cultura española”, ya que España tuvo un peso importante en su trabajo. De hecho, la obra del autor belga apenas ha sido llevada a escena por un reducido número de compañías de teatro de ensayo, como la Fura dels Baus.

Los textos del dramaturgo belga, que escribió más de sesenta obras teatrales, un centenar de cuentos y numerosos artículos sobre el arte y el folclore, se inspiran en la época cumbre de la gran pintura flamenca y en los terrores medievales. Seres grotescos, crueles y macabros encarnan un rudo primitivismo en escenarios cargados de grandes dosis simbolistas o surrealistas. Como destaca Eva del Palacio “Ghelderode nos propone no mirar la parte alegre, sino la cara oscura, creando una farsa macabra y cruel que remite incluso al esperpento de Valle-Inclán”. El actor Fernando Aguado encarna en esta ocasión al rey enloquecido en un trabajo intenso y cargado de tensión dramática, mientras que Diego Morales da vida al bufón, destinatario del juego de humillaciones y maltrato de su personaje.

“Rompiendo el cascarón” es el "único ciclo permanente de teatro para bebés del mundo" y "abre puertas artísticas y hace lo que el mercadillo del arte no permite: una labor de cultivo que da sus frutos", recordaba el director del ciclo, Carlos Laredo, durante la presentación. Y es que durante los próximos meses el teatro para bebés protagoniza una apuesta singular y decidida para introducir a los más pequeños en el universo imaginario de las artes escénicas.

La programación de este octavo ciclo de teatro para bebés ha unido las artes escénicas y las artes plásticas. También hay lugar para la danza contemporánea, que protagoniza “Reflejos”, el espectáculo de Larumbe Danza que ha inaugurado el programa de representaciones, pasando por el teatro de marionetas, de objetos o imágenes. Después, llegará el turno para la compañía granadina Arena en los Bolsillos, especializada en trabajos escénicos de títeres y objetos para la primera infancia, que presentará el montaje “Afuera es el lugar”. 

La mezcla entre disciplinas artísticas como el teatro, la música, el cine y las artes plásticas protagoniza “Na barriga”, el espectáculo que proponen los portugueses Companhia Caótica. Otros trabajos incluidos en la programación son “kubik”, de Teatro Paraíso Antzerkia, “Pacama”, de Katarsis Teatro, “Le grand saut”, del grupo belga Teatre de La Guimbarde, o “A fleur d’eau” un montaje de la formación francesa Compagnie Praxinoscope que combina el teatro de sombras, las marioneta y la poesía y que se inspira en los textos del genial autor granadino Federico García Lorca. La música llegará con las compañía Degli Alfieri y su “Concerto fragile” y la compañía Musicalmente con ‘Concierto para bebés en el mes de junio’, sin olvidar la ópera de Drammatico Vegetale. Por su parte, Ambulantes Teatro recala en el ciclo con el espectáculo “Déjate llevar”, una sugerente puesta en escena en la que tienen cabida ollas, mezclas imposibles, experimentos sin ingredientes, sonidos con texturas o arrullos de mar, mientras que Eugenia Manzanera lo hará con la obra “Caracoles”.

El ciclo se consolida así como un referente escénico para el público madrileño en un programa que extenderá su cartel de funciones hasta el próximo 3 de junio con las obras de seis compañías españolas, dos portuguesas, dos italianas, una francesa y una belga. Los montajes tendrán una duración aproximada de unos treinta minutos y un aforo de entre 30 y 80 espectadores. Los niños deberán estar acompañados de un adulto. 

Programa:

Del 21 al 25 de marzo. Larumbe Danza (España). Reflejos

Del 28 de marzo al 1 de abril. Arena en los Bolsillos (España). Afuera es un Lugar

Del 4 al 8 de abril. Companhia Caótica (Portugal). A Barriga

Del 11 al 15 de abril. Teatro Paraíso (España). Kubik

Del 18 al 22 de abril. Casa Degli Alfieri (Italia). Concerto fragile

Del 25 al 29 de abril. Compagnie Praxinoscope (Francia). A Fleur d'eau

Del 3 al 6 de mayo. Katarsis Teatro (España). Pacama

Del 9 al 12 de mayo. Theatre de La Guimbarde (Bélgica). Le grand saut

Del 13 al 18 de mayo. Ambulantes Teatro (España). Déjate llevar

Del 20 al 24 de mayo. Eugenia Manzanera (España). Caracoles

Del 26 al 31 de mayo. Drammatico Vegetale (Italia). Que si que no

2 y 3 de junio. Cía Musicalmente (Portugal). Concierto para bebés

“Facilitar la comprensión detallada del funcionamiento de las redes y circuitos de espacios escénicos españoles y permitir el diseño de estrategias de futuro para garantizar su sostenibilidad”. Este idea ha impulsado la edición del primer Estudio sobre Redes y Circuitos de Espacios Escénicos Públicos, un trabajo desarrollado por La Red Española de Teatros en colaboración con el Departamento de Sociología y Trabajo Social de la Universidad de Valladolid, bajo la dirección de Francisco Javier Gómez González, que será presentado esta semana en rueda de prensa.

Tras más de dos años de trabajo, ve la luz una investigación pionera en la que han participado diez de las redes y circuitos asociados a la Red nacional. Se trata del Circuito de Espacios Escénicos Andaluces, el Circuito Profesional de Artes Escénicas y Música de la Región de Murcia., la Red Aragonesa de Espacios Escénicos, la Red de Teatros de Castilla y León, el Circuit de Xarxa d´Espais Escènics Municipals de la Diputación de Barcelona, la Red de Teatros Castilla-La Mancha, la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid, la Rede Galega de Teatros e Auditorios (AGADIC), el Circuito de Teatro y Danza de Tenerife y SAREA, la Red Vasca de Teatros.

El estudio ha sido realizado a través de encuestas, entrevistas en profundidad y mesas de contraste que han contado con la participación de más de 35 profesionales vinculados a la industria escénica de nuestro país, y entre sus conclusiones pone de manifiesto la dimensión de las redes, que en 2009 “programaron el 13 % del total de representaciones de teatro y danza ofertadas en 2009”. También destaca cómo “su funcionamiento ha permitido generar estándares de calidad a nivel de infraestructuras, inversión, personal y gestión en los espacios escénicos públicos” además de su papel “trascendental en la democratización del acceso de muchos ciudadanos a las artes escénicas, configurando un modelo de vertebración territorial con una cobertura potencial que supera los 16 millones de personas”.

Contenidos

El contexto de las redes y circuitos, su origen y evolución protagoniza uno de los apartados centrales del estudio. Este epígrafe ofrece un recorrido crítico por las primeras experiencias desarrolladas en algunas comunidades autónomas, en su mayor parte bajo el impulso de las Consejerías de Cultura o sus Direcciones Generales adscritas. Como constata la investigación, las redes y circuitos surgen en entornos diferentes, partiendo de dinámicas distintas, pero con una fuerte coincidencia: potenciar la industria cultural regional y racionalizar la gestión de la oferta teatral en su zona de acción.

Por su parte, los apartados II y III del estudio abordan el contexto y realidad cultural de las diez redes integradas en la asociación nacional. El marco normativo y la trayectoria de estos programas protagoniza un apartado que también analiza el número y la tipología de los socios y miembros integrados en cada red. Así, por ejemplo, la investigación revela que en 2010 el número de espacios escénicos y ayuntamientos adheridos a las diez redes objeto del estudio ascendía a 682, una cifra superior a la registrada cinco años atrás.

Los datos del estudio permiten trazar un mapa sobre la cobertura que las redes y circuitos prestan a sus diferentes territorios. En su conjunto, los municipios de los espacios escénicos asociados a las diez redes alcanzan una población de 16.481.179 de habitantes. De media, las redes cubren porcentajes de población que rondan el 50% de su ámbito territorial, una cifra que alcanza una cobertura superior al 80% de la población en el caso de Castilla-La Mancha o del 70% en el caso de Aragón y Murcia.

Procesos de funcionamiento e incentivos

Otro de los bloques destacados del estudio aborda con detalle los procesos de funcionamiento interno de las redes y circuitos. El estudio analiza los procesos de trabajo más comunes, las semejanzas entre las diferentes redes y circuitos y sus singularidades, “derivadas de la realidad social y cultural a la que atiende cada programa, así como a las finalidades institucionales”. El informe también constata la frecuencia de los incentivos a determinados géneros, una línea de ayudas vinculada “a la intención de incentivar aquellos géneros que cuentan con especiales dificultades para su programación o que tienen una especial relevancia dentro de la política cultural de una comunidad o provincia”.

Financiación, inversiones y programación

Otro de los apartados presta atención a los recursos económicos y humanos movilizados por las diez redes y circuitos asociados a La Red Española. El análisis pone de manifiesto que la inversión total durante 2010 ascendió a 34.073.03 euros, una cifra superior a la de los ejercicios de 2006 y 2007 aunque un 10% inferior a la del año precedente, 2009. Esta cantidad permitió la actuación de 1618 compañías de pequeño, mediano y gran formato cuya producción artística englobaba disciplinas plurales y heterogéneas, como el teatro para adultos, las propuestas infantiles, el teatro musical, la magia, el circo, la música popular y música clásica, la ópera, la zarzuela, el ballet o la danza contemporánea.

De forma complementaria, el estudio  ofrece una visión panorámica de qué géneros son comunes a todas las redes y circuitos para vertebrar la oferta de este modelo de exhibición. Los datos recopilados constatan que el teatro de adulto y las propuestas infantiles son un rasgo común en la programación de todas las redes, recibiendo el mayor porcentaje del presupuesto y generando el mayor número de espectadores. Una afirmación que se ve matizada por una tendencia general, durante los últimos años, a reducir el peso porcentual del teatro en favor de otros géneros, un “hecho vinculado por otro lado a los incentivos regulados por cada red o circuito para promover un tipo de programación específica”.

Instalado en una antigua corsetería del madrileño barrio de Lavapiés, Nuevo Teatro Fronterizo (NTF) lleva la firma de José Sanchís Sinisterra (Valencia, 1940). Una apuesta personal que quiere prolongar “la siempre necesaria tarea de revisar y cuestionar el lugar, el sentido y la función del hecho teatral”. Foros, cursos, encuentros o funciones teatrales se difuminan deliberadamente en ese espacio fronterizo que también representa “un espacio de resistencia” frente a los códigos del mercado, las estadísticas, las audiencias y la cultura de los grandes fastos. Una ambiciosa tarea que, como reconoce Sanchís, se inspira sobre todo en un “teatro necesario”, donde el creador se formule preguntas sobre el proceso creativo. El impulso que supone NTF “para la creación e investigación teatral contemporánea iberoamericana" y "el amplio abanico de actividades que ofrece" le han hecho valedor del Premio Max de la Crítica 2012. 

Teatro comunitario, teatro de proximidad, teatro comprometido… ¿se siente más cómodo con alguna etiqueta? 

El proyecto de NTF no se reduce a una sola visión, hay compromiso social, pero también estético, filosófico, reflexivo… Las etiquetas limitan un poco, prefiero pensar que hacemos un “teatro necesario”, un trabajo que responde a la pregunta ¿qué teatro hace falta?. En la corsetería nos asomamos a aquellas zonas que el teatro dominante en este país ha dejado vacías…

Esta semana, un diario de tirada nacional publicaba un reportaje que abordaba la desafección de la sociedad frente a sus creadores y artistas… Vargas Llosa acaba de editar ‘La civilización del espectáculo’, un ensayo que denuncia la banalización de las artes… ¿Comparte esa visión apocalíptica?

En parte… Considero que hay grandes zonas de la creación que se han dejado contaminar por el concepto de mercadotecnia, por los criterios de audiencia, por las expectativas del mercado, es algo que viene sucediendo desde hace diez o veinte años. Esta idea ya estaba presente en Barcelona durante en la década de los 80. La ciudad, con algunos grupos como Dagoll Dagom o Els Joglars, fue la avanzadilla en la aplicación de esos criterios, que ahora se han ido extendiendo a otro espacios de la cultura… Debemos aprovechar los recursos del marketing pero no convertirlos en un único criterio. Hay un arte de la resistencia frente a ese otro que ha contaminado el teatro dominante. Hay hueco para otras directrices y es probable que incluso la crisis nos permita recuperar un teatro menos mercantilizado. 

Es importante tener presente por qué y para qué hacemos arte. Responder al por qué implica criterios subjetivos que tienen que ver con las faceta física, evangélica o hasta mesiánica del creador… Es realmente complicado. Pero el “para qué” es determinante, debemos preguntarnos a qué demanda explícita responde lo que uno hace, producir experiencias vivas y movernos en el sentido de los cambios sociales… No hay una sola fórmula.

Recientemente hablaba del "sistema teatral" para referirse a ese modelo de exhibición contaminado. Y es que durante los últimos años se ha instaurado un discurso dominado por conceptos como el de “industria cultural”, “marketing cultural” o “consumo”... ¿El dinero ha invadido también el teatro?

En cierto modo comparto esa idea. Hace años que sentí la inquietud de que el hecho teatral se equiparara con cualquier otro producto del mercado… En ocasiones el artista se ensimisma, se encasilla y crea un territorio endogámico a su alrededor para perder de vista lo que ocurre en la calle. Hay que salir, escuchar, moverse, cosa que no es fácil. No hay un recetario.

¿Qué nos ha pasado entonces? Disponemos de más información que nunca, pero es dudoso que sepamos más que antes… 

Existe una gran diferencia entre información y conocimiento. Recibimos avalanchas informativas, tenemos acceso a océanos de información. Pero el conocimiento se relaciona con la reflexión y con los procesos de indagación colectiva. Esto no se encuentra con facilitad en los medios de comunicación, en internet o en los medios sociales. Hay que experimentar el mundo en una doble dirección: vivirlo y ponerlo en una probeta. 

Nuevo Teatro Fronterizo funciona como una asociación sin ánimo de lucro instalada en una vieja corsetería del barrio de Lavapiés, ¿se siente en la clandestinidad?

La idea de frontera ya explicita nuestro lugar… No estamos en la cúspide de la atención de los medios ni tampoco habitamos una zona marginal. Es en la frontera donde ocurren las cosas, allí están las fricciones, las tensiones, todo… El centro es siempre más rígido, encorsetado y cosificado, está muy cerca del poder…

Antes de que Nuevo Teatro Fronterizo echara a andar hubo varias tentativas frustradas para obtener cierto apoyo institucional. Transcurrido un tiempo ¿valora la libertad de no hallarse influenciado por subvenciones ni dependencias económicas?

Si te soy sincero, pensamos que tiene ventajas no depender del apoyo oficial ni de ciertas políticas de subvención indiscriminada. Pero nuestra situación no siempre es grata. Existe cierta inquietud por el futuro más inmediato. De hecho, en nuestra lanzadera hay siete proyectos -algunos de dimensiones y formato considerables- que aún no hemos puesto en marcha por la dificultad de hacer frente a determina inversión. Si tuviéramos cubiertos los gastos corrientes podríamos lanzarnos… En cierto modo, añoramos la concepción inicial que teníamos del proyecto de NTF, un modelo que tuviera cubierta la supervivencia de la infraestructura, como sucedió con la Sala Becket en Barcelona, y que nos diera la suficiente tranquilidad para pensar a largo plazo…

Quizá con el premio y la atención de los medios llegue ese apoyo institucional…

Tengo un optimismo moderado. El premio puede tener cierta resonancia, pero espero que repercuta en la dirección de ofrecernos la posibilidad de encontrar entidades o colectivos dispuestos a colaborar, algo que ya ha ocurrido con La Casa Encendida o con la edición en español de Le Monde Diplomatique… Me interesa más esa línea de cooperación.

En la filosofía de su proyecto, hay un fuerte componente de intercambio cultural con colectivos alejados habitualmente del hecho teatral. ¿Quién aporta más a quién? 

Mi concepto del teatro se inspira en la experiencia de la reciprocidad y la investigación. Hay una retroalimentación permanente que nos aporta mucho a todos.

Con el Premio Max de la Crítica recoge el testigo de el Festival Don Quijote de París. Su director, Luis Jiménez, sacaba a subasta la “manzana con antifaz” para denunciar el escaso compromiso de las administraciones… 

Me gustó, fue un gesto gracioso… Tenían que hacer el Max de Oro, el bronce no está tan al alza.

En unas horas tomará un vuelo para Colombia. ¿Siente que en Latinoamérica, precisamente por su historia económica o social, aún hay sitio para un teatro cercano y abierto a la calle?

Pienso que toda esta focalización mediática en la pérdida y la fragilidad del estado del bienestar en nuestro país tiene que ver con la inseminación y la generación del miedo… Quieren evitar que busquemos alternativas o que arriesguemos en otras direcciones. El discurso economicista hace que la gente se paralice y, en el caso de los creadores, que se asuma un menor riesgo. Se busca, con la complicidad de productores y distribuidoras, un producto que tenga ciertas características superficiales que garanticen el éxito inmediato. Y esto limita la oferta teatral. Pero en Latinoamérica se han promovido fórmulas cooperativas muy diversas e interesantes. También hay espacio para un teatro no profesionalizado, donde el mercado y el dinero no están tan presentes. Quizá la precariedad, aunque no debe generalizarse a toda Latinoamérica, influye para que el creador tenga más conexión con los colectivos sociales.

¿Qué llevará en la maleta?

Mi problema, cuando viajo, es precisamente seleccionar qué libros o materiales llevaré conmigo. Cargo con algunos libros de temas con los que estoy trabajando. Mi próxima obra es la tercera parte de una especie de trilogía del desastre… Primero fue el empleo, luego los recortes, ahora abordaré la manipulación de la economía. Quiero reflejar el modo en que el mundo está regido por ludópatas. Estamos secuestrado por centenares de ludópatas que juegan en bolsa, se mueven en el mundo de la banca, los capitales industriales, la producción y el consumo.

El Departamento de Gestión Cultural del ICCMU (Universidad Complutense de Madrid) y la Asociación Española de Fundraising han organizado el seminario "En busca del arca perdida", que tendrá lugar en Madrid los días 4 y 5 de mayo. Esta iniciativa cuenta con 80 plazas y se celebrará en la sede de la Sgae, situada en el número 4 de la calle Fernando VI. En este seminario se abordará el fundraising para organizaciones culturales, un nuevo modelo de financiación que permite la captación de recursos al margen de los sistemas más habituales. Los ponentes del seminario serán Fátima Anllo Vento, Mercedes Antona, Marcos Concepción Raba, Manuel Palencia-Lefler Ors e Ignasi Vendrell.

El fundraising, un nuevo modelo de financiación

Gran parte de las organizaciones culturales se enfrentan actualmente con enormes dificultades para llevar adelante sus proyectos. La escasez de recursos está poniendo en peligro la continuidad de muchas de ellas. Las reglas del juego del sistema cultural español, fuertemente sustentado sobre ayudas públicas, han cambiado bruscamente y la mayor parte de las organizaciones no han tenido tiempo a adaptarse al nuevo contexto. El tradicional esquema de financiación se está viniendo abajo y es necesario afrontar el cambio con rapidez, pero también con solvencia. Si en el pasado las ventas de los productos y servicios de nuestras organizaciones, sumadas a las ayudas públicas, permitían cuadrar el círculo, en estos momentos es necesario aprender a captar recursos de otras fuentes con las que establecer acuerdos, complicidades o a las que podemos invitar a participar, a formar parte de nuestro proyecto.

El fundrasing es un amplio entramado de procesos y técnicas para la captación de los recursos que se extiende más allá de las subvenciones, la venta de productos y servicios o los productos financieros. Es una disciplina ampliamente desarrollada en otros países en el marco de la gobernanza de las organizaciones no lucrativas, del tercer sector o sector no lucrativo. En nuestro país ha sido asumida en las últimas décadas en sectores de acción social y en el marco de organizaciones no gubernamentales, pero no ha tenido igual proyección en el campo de la cultura. Si en el pasado se ha considerado que las características del mundo cultural en España no permitían aplicar el fundrasing en nuestro país, la gran transformación que se está operando en el sector y algunos cambios que se avecinan – como la reforma de la Ley de Mecenazgo, que se está discutiendo actualmente en el Gobierno, y en especial en el Ministerio de Educación y Cultura – nos invitan a adquirir una nueva perspectiva; a prepararnos y estar atentos.

El Departamento de Gestión Cultural del ICCMU, que ya organizó en 1997, hace ahora quince años y en colaboración con la Asociación Española de Fundaciones, el primer curso de fundraising para organizaciones culturales, quiere renovar su interés por este campo, en este caso de la mano de Asociación Española de Fundraisng, y brindar una nueva oportunidad a los gestores culturales para actualizar sus conocimientos y adquirir competencias con las que hacer frente al presente para ganar el futuro.

Tras un arduo proceso de selección entre las más de cuatrocientas propuestas recibidas, Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa ha cerrado la programación oficial de su decimotercera edición. Del 17 al 20 de mayo, 45 compañías nacionales e internacionales ofrecerán 47 espectáculos, 20 de ellos en calidad de estrenos absolutos.

Circo, clown, magia, intervenciones urbanas, teatro, música y danza conviven en una cartel que contará con la participación de 14 compañías vascas (como Gaitzerdi Teatro, los veteranos Trapu Zaharra, Ana Miren o Teatro Salitre, entre otras), dos formaciones andaluzas, dos grupos procedentes de Aragón, una nutrida presencia de compañías catalanas y otras producciones de Castila y León, Madrid o Valencia. La presencia internacional también será destacada, con una selección de 14 propuestas que llevan el sello de compañías afincadas en Alemania, Argentina, Bélgica, Chile, Francia, Reino Unido o Italia.

Umore Azoka apuesta en firme por las artes escénicas que experimentan con el espacio urbano, por aquellas compañías que utilizan la calle como escenario idóneo para sus creaciones. Como en ediciones precedentes, la Feria propone un año más un conjunto de actividades paralelas a las representaciones habituales. Es el caso de la exposición "La codorniz, 70 años", que tendrá como escenario la sala de exposiciones Kultur Leioa, las Jornadas Artekale, que se desarrollarán durante las mañanas de los días 13 y 14 de mayo, la asamblea ordinaria de SAREA-Red Vasca de Teatros o el Rally Fotográfico Umore Azoka.

Y es que la calle es, precisamente, lo que singulariza a Umore Azoka y el principal reclamo para que quienes busquen espectáculos singulares, tanto público como profesionales, acudan a Leioa los días 17, 18, 19 y 20 de mayo. Los profesionales interesados en inscribirse en la Feria pueden hacerlo hasta el próximo 4 de mayo en http://www.umoreazoka.org/es/programadores_prof.php. El número de plazas es limitado, motivo por el cual la organización gestionará las inscripciones por orden de recepción. La asignación del hotel está condicionada por la disponibilidad de plazas y criterios de organización general. 

El Encuentro Internacional para el Intercambio de la Danza y las Artes del Movimiento, MOV-S celebrará su cuarta edición entre los días 14 y 17 de junio en Cádiz. La cita se desarrollará bajo el paraguas del Festival Cádiz en Danza, que dirige Pepe Vélez y que extenderá su calendario de representaciones entre el 9 y el 17 de junio con la mirada puesta en el ámbito escénico iberoamericano.

A partir del próximo 9 de junio y hasta el 16, Cádiz en Danza incluirá la presentación de artistas españoles, portugueses y latinoamericanos y se podrán ver los espectáculos de Entremans, Proyecto d_ruses, Roser López, Sofía Dias & Vitor Roriz, Vortice Dance Company, Sonus Dos, Sólodos, Roser López Espinosa, Roseland, María Cabeza de Vaca, Claudia Vicuña, El Punto! Danza Teatro, Tumakat, La Macana, Álvaro Frutos, Manuel Rodríguez, Sonia Sánchez, Manuel Rodríguez y Elías Aguirre, Federica Folco y Josie Cáceres, Mal Pelo, Israel Galván, Kukai, Andrea Quintana, Patricia Caballero, Daniel Abreu, Christian Duarte y La Veronal.

Por su parte, MOV-S, que ya ha publicado su programación, propone del 14 al 17 de junio un interesante espacio para el encuentro, la participación y el intercambio de ideas en forma de grupos de trabajo, presentaciones de proyectos, clases colectivas así como una veintena de espectáculos de la mano de diferentes coreógrafos y compañías como La Macana, Manuel Rodríguez & Elías Aguirre, Israel Galván, Mal Pelo, Josie Cáceres & Federica Folco, Sonia Sánchez, Andrea Quintana, Patricia Caballero, Daniel Abrey o Kukai. Álvaro Frutos, Cristian Duarte y La Veronal completan la presencia artística del programa del encuentro.

De forma complementaria, MOV-S está impulsado un proceso participativo a través de un amplio conjunto de entrevistas a profesionales del sector, la gestión cultural, el pensamiento y la creación contemporánea. La organización, que este año estableció tres modalidades de inscripción: participar de forma activa en una de las tres mesas de trabajo programadas, asistir exclusivamente a las representaciones artísticas o apuntarse en ambas iniciativas, ha programado las reuniones durante los días 15 y 16 de junio, excepto la conferencia inaugural (14 de junio) y la sesión de conclusiones (17 de junio). Por su parte, las funciones de los espectáculos incluidos en la programación artística tendrán lugar los días 14, 15 y 16 de junio. Consulta todos los detalles de la programación en http://www.mov-s.org/programacion/calendario

La Asociación Teatral Agón de Cuenca convoca una nueva edición de los Premios AGÓN de Teatro, una cita creada como homenaje al que fuera su fundador y director, Carlos Molina Martínez. Las compañías interesadas en participar en estos galardones llevarán a escena la obra ‘El Juicio’, de Molina Martínez. Para ello, deberán remitir antes del 20 de septiembre una instancia a la Asociación detallando la trayectoria del grupo y los datos de su representante o director. Asimismo, tendrán que presentar la documentación gráfica del montaje, tres copias en DVD de la obra, y los datos sobre el reparto y la dirección del espectáculo. Como en ediciones precedentes, el grupo ganador representará la obra en el Teatro Auditorio de Cuenca. La cita será el 18 de octubre.
Un jurado designado por la Asociación Teatral Agón y cuyas decisiones serán inapelables concederá los tres galardones de la convocatoria. El primer grupo clasificado recibirá 7.221 euros y podrá ser incluido, en el caso de aquellos grupos profesionales, en la programación de la Red de Teatros de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha. Por su parte, el segundo premio, dotado con  2.281 euros y estatuilla, contempla tres actuaciones a taquilla en diferentes localidades de la provincia, mientras que el tercer y último galardón, dotado con 1.501 euros y estatuilla, también podrá actuar a taquilla en tres poblaciones de Cuenca. El Jurado podrá declarar desierto el primer premio, no así el segundo y tercero, y se reservará el derecho a conceder cuantas menciones o reconocimientos de carácter especial crea estime convenientes, siendo sus decisiones irrevocables e inapelables. Las bases completas de la convocatoria pueden consultarse en

http://amigosdelteatrocuenca.blogspot.com/2012/02/premiosagon-de-teatro-de-cuenca.html

Enmarcado en el circuito artístico DANZA A ESCENA, desarrollado por el INAEM y La Red Española de Teatros en colaboración con distintos espacios escénicos de todo el país, la última propuesta escénica de la compañía Cienfuegos Danza recalaba el pasado 7 de octubre en el Teatro Jovellanos de Gijón y el sábado, 8 de octubre, en el Echegaray de Málaga. ‘1,618… Davinci, Leonardo inspira danza’ es el resultado de la investigación que el director y coreógrafo Yoshua Cienguegos ha llevado a cabo sobre aquellos aspectos menos divulgados del trabajo científico de Leonardo Da Vinci. Según plasma en Málaga Hoy la periodista Rocío Armas “… dieron como resultado una ovación unánime… Excelencia coreográfica, técnica depurada y un alfabeto propio con el que desafiar el espacio”.

Ana Luján, Leticia Ñeco, Maynor Chaves, Raquel Torrejón, Sergio Moya, Marina Rodríguez, María Arques y el propio Yoshua Cienfuegos se convierten en “ocho máquinas de precisión, ocho devotos del genio renacentista y ocho piezas que encajan el puzle”. Con la música original de Rut Quiles y vestuario de Pascual Peris, Málaga Hoy define el espectáculo como “Fe de vida para una compañía con mucho camino sobre el que seguir avanzando. En ascendente y con el riesgo como brújula. 1,618, la divina proporción, la proporción perfecta”. Por su parte, Susana Martín Romero relata para la Agenda de Ocio Cultural Modernícolas que “no hay una historia que contar. La danza queda despojada de todo artificio para presentarse tal cual es… Yoshua Cienfuegos deja a un lado el lirismo propio de la danza contemporánea, para dar una vuelta de tuerca y generar un lenguaje subversivo y violento donde la belleza poética recae sobre la anatomía del cuerpo. Uno se va del teatro dándose cuenta de que la danza no está diseñada para ser entendida, sino para ser admirada”.

La precisión y abstracción en la ejecución de la coreografía se unen a una puesta en escena muy cuidada, además de un virtuosismo interpretativo que conecta con todo tipo de público. A raíz de su paso por el Teatro Jovellanos de Gijón, La Nueva España reseñó el exigente y exhaustivo ejercicio de exploración corporal que supone el montaje que, “con momentos sorprendentes y excelentes resultados se trata de una obra para contemplar y profundizar sin prisas, con un notable trabajo por parte del director, el cuerpo de baile y los componentes escénicos, que supone un interesante puente entre pasado, presente y futuro” y Diario Sur Málaga destacó “un arduo trabajo coreográfico y una intensa preparación de los componentes consiguen una armonía prodigiosa y perfectamente conjuntada con una envolvente y vibrante banda sonora”.

‘The Room’ está interpretada por bailarines de estilos y tendencias artísticas heterogéneas. ¿Cómo se aborda un proceso coreográfico con personalidades tan distintas?

Aunque los bailarines son diferentes comparten una formación técnica muy solida, y tratan de poner esta habilidad a disposición de la coreografía. De hecho, la compañía hace una clase de ballet como calentamiento diario, cosa que sorprende a la gente. Creo que es mi trabajo dar dirección y cohesión al grupo, pero no lo considero como una tarea especial, diría que nunca he pensado que es un proceso que debo abordar. De hecho me gusta que la gente sea distinta y se trata de hacer que cada una luzca el máximo posible mientras proyectamos un estilo singular, coherente e interesante.
   
Su compañía desarrolla coloquios en centros cívicos y programas de danza dirigidos al público escolar. ¿Qué os han aportado estas experiencias?

En ambos casos es curioso porque tienes un público francamente honesto, y no te puedes esconder. En los programas escolares, si los alumnos están aburridos lo están, si quieren reír ríen. Así que es un buen barómetro de la pieza. Pero también encontramos que los niños entran mejor y sin prejuicios que los adultos, y a veces perciben las cosas con más claridad.
En los coloquios bailamos piezas "a pelo" sin luces ni escenario, presentando el  trabajo en su estado mas desnudo. A mí me gusta porque el público puede experimentar lo esencial; se puede ver el bailarín de cerca y muchas veces se da cuenta de cómo es el trabajo físico... Y una vez que consigues que el público hable puedes estar un buen rato charlando con ellos.

El próximo 27 de octubre estrenáis en Sabadell ‘Balbir el meu avi’, una pieza inspirada en los cuentos de la mitología hindú. ¿Cómo ha surgido el salto a los espectáculos dirigidos al público familiar?

TND ha sido compañía residente en el SAT! teatre desde 2005 y está especializado en teatro familiar y además tiene campañas escolares. Desde el principio hemos querido trabajar con la dirección del SAT! para crear un espectáculo de danza familiar aprovechando su experiencia, pero las presiones de calendario y las económicas no lo habían permitido. Siempre hemos planteado que cualquier producción que hagamos debe tener las mismas condiciones y no por ser familiar tratarlo como una cosa de menor inversión de dinero ni de esfuerzo artístico, simplemente "para hacerlo". Y este año lo hemos logrado!

...Y si fue una experiencia muy distinta? menos de lo esperado. El planteamiento ha sido que lo mejor que podía aportar TND a una producción familiar es mucho baile, porque este es la línea de la compañía y no conocemos otra cosa. Hemos cuidado que la línea no se fuera a la abstracción o  lo conceptual y que el hilo narrativa fuera claro. En referencia al contenido del espectáculo y la mitología hindú, es fácil, mi abuelo (el meu avi en catalán) "Balbir Ballgreene Nehaul" era hindú y me contaba historias...!

He dicho que no hemos hecho antes una producción familiar, pero sí que hemos estado en la campaña escolar del SAT desde hace unos años utilizando extractos de nuestros programas para adultos (siguiendo mi experiencia como bailarín en Holanda, donde estas actividades eran casi obligatorias para cualquier compañía con convenio con el gobierno...). Esta experiencia me hizo reflexionar sobre las diferencias entre la audiencia adulta y la "juvenil", aunque como he dicho antes, si debo ser honesto a veces veo el publico "infantil" tiene más capacidad imaginativa que el adulto... o vienen con menos conceptos preestablecidos.


Thomas Noone Dance es compañía residente en el SAT! Teatre desde 2005, ¿qué les ha aportado este espacio? ¿cómo ha sido el contacto con otros creadores?

Creo que he contestado a parte de esta pregunta hablando de la creación de Balbir, pero el trabajo como asesor de programación de danza del SAT! con el Festival, las colaboraciones, la danza integrada etcétera, me han dejado ver "el otro lado"(!) del juego. Creo que me ha ayudado a ser más realista y pragmático, veo todo los aspectos, la coordinación técnica, la administrativa, las relaciones programador-artista... muy interesante! El contacto con otros creadores a través del teatro es muy distinto al contacto que tengo como artista en sí.

La crisis ha venido poner en duda muchos de los criterios de programación y la propia oferta cultural que ofrecen los espacios escénicos en nuestro país ¿Cuál es su opinión sobre la situación de la danza?

Si la crisis ha hecho algo es que pienso más que nunca que la cultura es esencial y que nos conecta con nuestro sentido de ser. Si no tenemos creación y compartimos ideas, ¿por qué existimos? perdemos conciencia de nuestra humanidad. El constante mensaje que tenemos desde las instituciones es muy inhumano, en mi opinión, y a veces me conduce a pensar que medimos las cosas cada vez más en términos económicos mal planteados.

Creo que la danza es uno de los lenguajes más universales de las artes escénicas y que llega a todas las edades y culturas, y puede actuar como herramienta de cohesión. Pero sí que hay una responsabilidad para el sector de la danza y el creador en general. Tenemos que recordar que creamos para un público y que también tenemos un deber social y cultural, especialmente cuando dependemos en gran parte de dinero público.
La danza tiene la posibilidad de "sobrevivir" esta crisis, pero reflexionando debidamente sobre lo que se hace, y partiendo de lo que en teoría hacemos mejor, siendo creativos...

El circuito artístico ha ampliado de manera importante su cartel desde la primera edición. ¿Cree que Danza a Escena conseguirá dar mayor visibilidad a la danza en nuestro país? ¿Qué retos debería afrontar en un futuro?

Seguramente Danza a Escena da más visibilidad a la danza. El ejemplo muy sencillo es mi compañía; viajamos a Granada y Tenerife, lugares/autonomías donde nunca he ido antes, además de visitar a Asturias y Madrid donde no hemos ido últimamente. En un momento de bajada de programación general es una gran ayuda.

Pero para mí el truco va a ser si los incrementos causados directamente por la programación dentro de Danza Escena son transferibles a una programación mas estable, es decir, si somos capaces de construir a partir de la base ofrecida, y es un reto que compartimos artistas, compañías y programadores.

El Teatro Jovellanos de Gijón acogía el pasado sábado, 8 de octubre, una de las propuestas calificadas por la crítica de la ciudad como una de las “más intensas de la programación Danza Gijón 2011” (Eduardo G. Salueña, La Nueva España). El londinense Thomas Noone recalaba en el escenario asturiano con ‘The Room’, un montaje que reunía a seis personajes relacionándose entre sí a través de la observación y la actuación. “Noone consolida con esta propuesta, en la que se han implicado artistas como los escenógrafos Max Gaenzel y Estel Cristiá, además del compositor italiano Diego Dall’Osto su puesto entre las mejores compañías de danza del país en el género” (María Lastra, El Comercio).

Durante la gira de la compañía en el marco del circuito artístico Danza a Escena, ‘The Room’ ha recibido los mejores calificativos de los medios de comunicación de la ciudad asturiana. Eduardo G. Salueña escribía para La Nueva España “Hoy en día, y con varios espectáculos en su haber, la trayectoria e importancia de Noone dentro de la creación contemporánea en España es incuestionable” y, en relación al espectáculo añadía, “sin duda, un muy meritorio y agotador trabajo, tanto para los bailarines como para el espectador, que también se ve introducido en la acción sin saber cómo ha empezado ni cómo va a acabar”.

Por su parte, María Lastra firmaba en El Comercio: “un trabajo coral magnífico, que pone de relieve la soltura de su autor y crea ricas combinaciones coreográficas que ejecutan cada uno de los intérpretes con una intensidad de baile impactante, casi extenuante”.

La compañía nace en 1999 con el objetivo de dar a conocer la danza contemporánea y acercar al espectador historias comprometidas.  ¿Creéis en la función social de la danza?
Claro que sí. El arte por el arte no existe. Tiene su función social y esa es la de comunicar, la de mover esa fibra sensible que se llama corazón. Te hace vivir experiencias, sensaciones, te transporta a un espacio metafórico, donde la historia puede o no estar; el arte te hace soñar con otros mundos, otros espacios que armonizan tú conciencia y la razón del hecho artístico. Esta ha sido siempre mi reflexión y estoy seguro de que el arte cambia al ser humano.

Muchos de vuestros montajes están destinados a público infantil.  ¿Cómo han evolucionado en nuestro país las artes escénicas para niños y niñas?
Creo que se ha recorrido un gran camino Se ha logrado que los artistas, programadores e instituciones se conciencien más de que los niños y niñas no pueden ni deben ver un espectáculo en condiciones precarias, sino todo lo contrario, en los mejores espacios teatrales. Y con producciones artísticas cuidadas técnicamente. Estamos hablando de arte para la infancia. Trabajar para este público supone un gran reto. Una vez dije en una entrevista “Sin público no hay función y sin respeto por el público no hay arte”.

Creo que cada vez hay más conciencia de para qué sirve el arte. Lastima de los momentos que estamos viviendo. El arte no puede olvidarse de ninguna manera. Supondría arrebatar a los niños y niñas de nuestro país el derecho a la cultura, que es parte de su desarrollo y del desarrollo del país. Tenemos que proteger el arte y abordar este tema con representantes políticos e instituciones, promover mesas de trabajo conjuntas de una forma responsable y consciente, es decir, con las ganas e ilusión que significa trabajar por y para el arte. También debemos hacer cuentas: ¿qué pasa con los presupuestos de cultura?, ¿dónde se hacen gastos irresponsables?, ¿dónde se invierte el dinero público? Creo que las administraciones públicas hacen una gran labor, pero también debe darse continuidad a muchos programas e iniciativas. Sin el apoyo institucional es difícil mantener a una compañía. Pero es cierto que podríamos desarrollar estrategias y políticas coherentes que nos lleven por un camino más transparente y sólido para el futuro.
 
¿Creéis que cuenta con suficientes apoyos en las programaciones de los teatros públicos?
Hay mucha conciencia, como he dicho antes, pero justo en este proceso llegan los recortes, la crisis.  

En una entrevista concedida recientemente al diario Granada Hoy denunciabas la “verticalidad” y asegurabas que “hay que cambiar las estructuras y crear colectivos en el que todos estén al mismo nivel”.  ¿Alguna idea para avanzar en este proceso?
Granada es una ciudad maravillosa y llena de artistas, una ciudad que tiene un gran patrimonio de arte vivo. Cuenta con algunas de las mejores compañías del territorio español. Con esto se puede hacer muchísimo. Pongámonos a pensar un momento en  que haría yo si ya no tengo el presupuesto que tenia antes, como podría trabajar con estas compañías. Tal vez ellas podrían liderar un programa por si mismas, tal vez ellas sean capaces de autogestionarse sin intermediarios... Solo es cuestión de querer trabajar. En Granada  nos hemos unido siete compañías para darle contenido a cinco tetaros de pueblos de la provincia. El proyecto va adelante  y esperamos crecer con él, se llama Encompañía. ¡Se puede!

Desde el nacimiento de la compañía habéis girado por diferentes países como Méjico, Italia, Serbia, Austria o Francia, incluso habéis desarrollado coproducciones internacionales. ¿Qué diferencias podéis observar en la danza dentro y fuera de España?
La única diferencia es el desarrollo respecto a las artes para la infancia, consolidado con apoyos. Allí no se habla de calidad de espacios ni de apoyos, es algo intrínsico en el hecho artístico.

Habéis recibido varios premios a la mejor música original en producciones como ‘La Mitad de la Verdad está en los ojos’ o ‘Sueños de Cristal’. Siendo la música parte fundamental en vuestro trabajo, ¿cómo trabajáis a la hora de incorporarla a vuestros montajes?
La experiencia ha sido, en cada caso, diferente: uno trabajaba sobre video cuando la coreografía ya estaba acabada, con un resultado muy positivo. Y los otros dos estaban muy relacionados en la creación de la obra trabajando conjuntamente con coreógrafo, bailarines, diseñadores de vestuario, escenógrafos… Todo el equipo presente e implicado en el proyecto. Da.Te Danza es un equipo compuesto por profesionales de amplia formación y diversidad de perfiles que hacen muy fácil que el trabajo final tenga un buen resultado a todos los niveles; musical, coreográfico, iluminación y técnica, gestión …

‘Río de Luna’ es un espectáculo dirigido a los más pequeños.  ¿Cómo responde este tipo de público ante vuestros trabajos?
Siempre digo que no hay que hacer inferior a un bebé, Un bebé es capaz, es inteligente, tiene ojos, tiene oídos y cabeza y analiza y observa lo que pasa a su alrededor. Es sensible a las cosas. Los  bebes son una  delicia, cada vez que miro un espectáculo observo al público. Quisiera  meterme en su cerebro para saber lo que pasa por sus cabecitas, que lo verbalizaran y me transmitieran sus sensaciones. Es maravilloso mirar al público con el chupete y esos ojos, la actitud, la respuesta. No tiene precio. Trabajar para ellos es un gran regalo.

Habéis firmado con el Ayuntamiento de Alhendín vuestra residencia artística en su Teatro Municipal ¿cómo afrontáis este proyecto?
Es un proyecto que nació hace tiempo. El objetivo era dotar de contenido al teatro, buscar la implicación de los habitantes de la zona y también la del público escolar. Las compañías disponemos de las herramientas de gestión necesarias para poner en marcha un programa cultural en un lugar que dispone de los ingredientes necesarios, solo hay que trabajar conjuntamente con los responsables municipales. Da.te Danza no traslada su espacio de creación al teatro del municipio, pero si pretende dinamizar el teatro con propuestas diferentes y abrirlo a una programación diversa que el pueblo asuma como propia.

Da.Te Danza ha conseguido consolidarse con una estructura estable, que ofrece estabilidad a sus bailarines y un nivel de distribución alto, que alcanza el centenar de funciones anuales…
La compañía siempre ha perseguido la excelencia profesional en todos los niveles: artístico, técnico y de gestión. Esta calidad sólo se puede lograr con profesionales cualificados y con la conciencia de que la verdadera inversión en las artes escénicas se hace en las personas. Éstas son éstas las que dotan de auténtico valor a la producción de los espectáculos.

La compañía está formada por un equipo estable de siete profesionales que forman la plantilla fija de la empresa y que desarrollan su actividad en tres ámbitos de trabajo: gestión/producción, artístico y técnico. Somos conscientes de que este modelo de gestión se presenta de manera escasa o casi nula en la realidad escénica andaluza, lo que nos lleva a considerar nuestro modelo de gestión como un caso atípico que ha posibilitado el crecimiento de la compañía hasta convertirla en lo que actualmente es: una compañía profesional de danza contemporánea estable, con una media de una producción por año y aproximadamente 115 funciones anuales en casi todo el territorio nacional y en varios países europeos.

Casi una excepción entre las compañías de nuestro país, ¿alguna clave para llegar hasta aquí?
No, no hay claves. Esto es tan frágil que nunca sabes donde estarás mañana, por eso no me creo grande, ni me siento más importante que nadie, respeto el trabajo de mis compañeros. Si algún día soy crítico de danza y me pagan por ello entonces criticaré. Mientras, lo reservo para mí. Y disfruto y sufro el trabajo de mis compañeros como un espectador más. No me gusta que me pregunten en las ferias o festivales sobre el trabajo de mis colegas. Me parece impertinente y soez. Para mí, la única clave es la continuidad y la constancia.

El pasado año girasteis en ‘Danza a Escena’ con el espectáculo ‘Tondo redondo’, ¿cómo recuerdas la experiencia?
Danza a Escena es un proyecto del que nos sentimos muy orgullosos, es de esas iniciativas que surgen en una época en la que todos, instituciones y compañías, debemos intentar llegar al mayor número de espectadores. Que la danza sea protagonista en este proyecto era necesario y es un buen camino para poner en valor los espectáculos de danza. ‘Tondo redondo’ es una pieza para bebes ideal para iniciar al público más joven. La gira salió genial. De hecho este año volvemos a participar con otro espectáculo, ‘Río de Luna’, y esperamos poder seguir trabajando juntos.

Director, coreógrafo, bailarín… ¿en qué faceta te sientes más cómodo?
Me siento bien haciendo lo que hago, trabajando a diario y luchando por el proyecto de LaMov, por el que he apostado y creo firmemente.
Bailarín he sido toda mi vida, así que casi me lo sé todo y, a estas alturas, me siento más que cómodo sobre un escenario. ¡Y eso que el aguante del cuerpo ya no es lo que era! A coreografiar empecé hace unos años… y parece que no se me da mal del todo. Es un camino que estoy comenzando a recorrer y creo que queda mucho por andar, mucho por evolucionar, lo noto de una a otra creación. Eso es increíble, ver cómo cambia el proceso creativo de un momento a otro… Y a ser director aprendo cada día, porque cada día me tengo que enfrentar a cosas nuevas, a todo un mundo, el de una compañía de danza. Soy bailarín, coreógrafo y director, sí. Pero, si toca, también soy conductor de furgoneta y hasta psicólogo. En los tiempos que corren tener una compañía de danza agudiza el ingenio.

“Payasos divinos” critica la hipocresía humana, ¿es tan complicado ser honesto en estos días?
No sé si es tanto una cuestión de estos días o si es algo inherente al ser humano. Quizá me inclinaría más por lo segundo… En cualquier caso, sí, es difícil ser honesto hasta con nosotros mismos, nos resulta mucho más fácil ponernos una careta, ver a través de ella y falsearlo todo. Eso fue lo que me condujo a crear ‘Payasos Divinos’. Siempre me ha llamado la atención la figura del payaso, porque, aun pretendiendo ser un ser cómico, creo que tiene mucho de melancolía, de tristeza y de ternura. A través de él intento reflejar esa máscara que nos colocamos para mirar a otro lado.

La música de Beethoven tiene un peso destacado en la obra, ¿os influyó esta partitura en la concepción artística y plástica de la pieza?
Sí. El cuarteto Grosse Fugue de Beethoven es especial porque tiene un ritmo frenético, en ocasiones el sonido es chirriante, el violín resulta desgarrador… pero al mismo tiempo es una pieza preciosa, tiene una fuerza increíble y una belleza desproporcionada. La elegí por eso y porque creo que la potencia que transmite es la mejor manera de reflejar esa hipocresía humana. Intenté dibujar esa complicada partitura y, claro, con ese tempo frenético los bailarines son llevados técnicamente al límite, alcanzan la extenuación, una especie de catarsis. Con ello quería “desnudarlos” y que acabaran sintiéndose como realmente son.

Trabajáis con bailarines que poseen una formación clásica pero, a la vez, producís montajes cada vez más contemporáneos, ¿cómo se conjuga?
Es la única forma posible de hacer espectáculos de calidad. Quiero decir, los bailarines de LaMov tienen una base clásica porque han recibido una formación clásica, porque han querido ser bailarines siempre. Y así, manteniéndola, es la única forma posible de hacer ballet. Bèjart siempre me decía “la barra en un bailarín es su columna vertebral”. Y es verdad, nosotros hacemos todos los días una intensa clase de ballet, la mejor manera de empezar el día. Los montajes vienen después. Cada uno de los espectáculos es un paso más en el camino de LaMov, que siempre va a estar con esa calidad que da el clásico pero en la vanguardia. Es necesario estar al día, evolucionar… si no me resultaría aburrido hasta a mí mismo, y lo que quiero es divertirme cada día con mi trabajo.

¿Qué espectáculos de danza o coreógrafos han influido más en vuestro trabajo?
Indudablemente, uno es lo que ha aprendido y ha digerido. Yo me he formado como bailarín con Víctor Ullate, he crecido y fortalecido con Maurice Béjart y he trabajado con Kilyan, Mats Ek, Maguy Marin o Forsythe. Mi trabajo es el resultado de lo que mamé de ellos, de lo que vivo y de lo que siento, de mis necesidades e inquietudes. Todos me han influido en mayor o menor medida, pero, sin duda, Maurice Béjart  fue especial para mí. Fueron muchos años los que trabajé con él, codo con codo… y aprendí mucho de ese gran hombre, tanto profesional como personalmente.

Con ‘Danza a Escena’ se ha abierto un proceso de trabajo para promover la gira de compañías y llevar la danza a espacios dónde habitualmente no ocupaba un espacio representativo, ¿cómo valoras esta experiencia?
¡Cómo lo voy a valorar! Pues maravillosamente. Siempre es gratificante encontrarte con proyectos de danza que te sorprendan y es fantástico cuando de repente ves bailar a alguien en un sitio nuevo. Creo que está muy bien que vayamos extendiendo la red de la danza.

El programa Danza a Escena era recientemente finalista en la categoría de "Mejor programación de danza" de los Premios de la 25ª Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, celebrada del 26 al 30 de septiembre de 2011, y otorgados por un Jurado integrado por profesionales de reconocido prestigio del ámbito de las artes escénicas nacionales.
El premio al mejor espectáculo de teatro fue para “Calla y come”, de la compañía la Cocina, mientras que el reconocimiento al mejor espectáculo de danza recayó en la pieza “Al menos dos caras”, el último trabajo de la compañía Projects in Movement. Otros galardones recayeron en el espectáculo más innovador, que distinguió la obra “Fingir”, de la compañía Colectivo 96º, y el premio del público, otorgado por votación popular al espectáculo “Dos”, de LaMov Compañía de Danza.
Completaron el palmarés las distinciones al Teatro Lliure, premio a la mejor programación de teatro, al Mercat de les Flors, como mejor programación de danza, el Festival Panorama de Olot, galardonado por su innovadora programación, y el premio a la acción más efectiva en la creación de públicas, que distinguió el trabajo de la Escuela de Verano, un programa formativo desarrollado por La Red Española de Teatros y Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública en las localidades de Almagro y Bolaños de Calatrava.
Alrededor de 400 profesionales del sector acreditados y más de 80 representantes de compañías son las cifras de una cita que también ha promovido espacios para encuentros, presentaciones o foros de debate... Durante cinco días, la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, que cumple 25 años, ofreció numerosas representaciones en distintos lugares de la capital aragonesa, como el Centro Cultural del Matadero, el Palacio de Congresos, el Teatro Olimpia, el Café del Arte o el espacio Arte Joven.

Durante el mes de septiembre, cuatro compañías mostrarán sus montajes en algunos de los espacios escénicos adheridos a esta iniciativa, que desde el pasado mes de abril celebra su segunda edición. El objetivo: incrementar la visibilidad de la danza en los espacios escénicos públicos y apostar por los coreógrafos y compañías que marcan el paso de la creación más actual.

El día 11 de septiembre, la cita será en la Plaza Mayor de Graus (19.30 horas) con la actuación de CobosMika Company. A través de un lenguaje sencillo y una interpretación de calidad, los bailarines que integran la formación catalana llevarán al público una nueva forma de entender la danza. Será con ‘scRakeja’t’, un espectáculo que fusiona lo contemporáneo con el Hip-Hop. Desde su creación en el año 2000, CobosMika ha ideado sus creaciones a través de un lenguaje coreográfico atrevido, explosivo y virtuoso, en el que se unen la improvisación con las artes marciales y el teatro más físico. La compañía catalana ofrecerá otra función de su espectáculo el 25 de septiembre. Entonces, lo hará en la Casa de Cultura de Aoiz (19.30 horas).

Por su parte, Da.Te Danza viaja a la islas el 23 de septiembre para ofrecer dos pases (17.00 y 18.00 horas) de ‘Río de luna’. El Teatro Circo de Marte de Santa Cruz de la Palma es el escenario elegido para mostrar un trabajo que dirige Omar Meza y que explora las relaciones entre los bebés y sus madres. Nuevas tecnologías y coreografías de ritmos lentos y suaves son las señas de identidad del nuevo espectáculo que firma la compañía granadina, galardonada con el premio FETEN 2011 al mejor espectáculo coreográfico.

El 25 de septiembre a las 20.00 horas, Aracaladanza subirá al escenario del Teatro Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes el montaje ‘Nubes’. Se trata de un trabajo dirigido al público infantil e inspirado por la obra plástica el pintor surrealista belga René Magritte. Esta pieza es la segunda parte de una trilogía con la que Aracaladanza se asoma a algunos de los grandes genios de la Historia del Arte. Antes, en ‘Pequeños paraísos’, lo hicieron con El Bosco.

Por último, las actuaciones programadas para el mes de septiembre se cerrarán el día 30 (21.00 horas) en el Gran Teatro Falla de Cádiz de la mano de Cienfuegos Danza. Como ocurre con ‘Nubes’, ‘1,618… Da Vinci inspira danza’ es un montaje basado en la obra de uno de los grandes genios de la pintura. La abstracción y la precisión en la ejecución, una puesta en escena muy cuidada y un gran virtuosismo interpretativo se mezclan en este espectáculo para ocho bailarines que cuenta con música original de Rut Quiles.

Para poder presentar las propuestas artísticas es requisito imprescindible estar registrado en www.redescena.net y seguir las instrucciones de la Convocatoria de Propuestas Artísticas.

La Comisión de Ballet, Danza y Artes del Movimiento de La Red elaborará el próximo mes de septiembre un Catálogo de espectáculos, seleccionados entre los espectáculos presentados.

Las funciones que formarán parte del Circuito Danza a Escena tendrán lugar entre enero y diciembre de 2012.

La Obra Social de Unnim hacía público el pasado 26 de junio el palmarés de los Premios Unnim de Teatro, unos de los galardones más destacados de la escena teatral catalana y cuyo objetivo es reconocer las producciones teatrales en cualquiera de sus géneros e incentivar “la creatividad y el oficio teatral”.

El espectáculo ‘El mal menor’ de loscorderos.sc, uno de los 18 espectáculos seleccionados este año para girar en el circuito artístico ‘Danza a Escena’ (promovido por el INAEM y desarrollado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública) se alzaba con el máximo galardón, el Primer Premio del jurado.

El jurado estaba compuesto por reconocidos profesionales de las artes escénicas, como la actriz Silvia Bel, el director teatral Josep Mª Mestres, y el periodista Toni Puntí. "El riesgo y el compromiso de una propuesta que explora diferentes lenguajes y aborda cuestiones de contemporaneidad" fueron aspectos que motivaron la concesión del galardón. El jurado valoraba también la capacidad de la obra para "desafiar al espectador" y "deslumbrar por la fuerza y la técnica de unos intérpretes en estado de gracia y entrega absoluta".

Finalmente, el jurado quiso conceder una mención especial para el espectáculo ‘Flirt’, de Guillem Albà y Always Drinking. Por su parte, el espectáculo ‘Operetta’, de la compañía Cor de Teatre fue distinguido con el galardón del público, mientras que ‘El rap de Lady M.’, de Projecte Vaca, y ‘La marca preferida de las hermanas Clausman’, a cargo de Tantarantana, fueron finalistas.