La coreógrafa explora el potencial de nuestro yo-piel, como elemento plástico y poético. Se interroga sobre la inteligencia sensorial de los tejidos y las membranas elaborando una investigación sobre ese lugar de circulación entre lo interior y lo exterior que es nuestra epidermis. El título se hace eco evidente del trabajo llevado a cabo por ciertos biólogos que consideran la piel como un cerebro extendido…

Con esta nueva creación investiga el cuerpo como intermediario de una estructura dinámica, formada por tres grandes varas de metal de forma tubular, unidas unas a otras por hilos elásticos. El movimiento y la estructura responden a una misma dinámica. Frente a un cuerpo en tensión, asistimos a una metafísica del gesto que genera en nosotros una especie de hipnosis. Se observa sobre la escena un espacio pensado de forma arquitectural. Para hablar de esta estructura, Maria Donata D´Urso elige la palabra dispositivo antes que escenografía, como reforzando la idea de la interacción que se crea entre los cables de tensión y el cuerpo. Así, no nos extraña saber que estudió arquitectura antes de llegar a la danza. En su trabajo utiliza conceptos tanto del dominio de la arquitectura como de la biología: la noción de tensegridad, combinación de tensión e integridad, viene a describir una de las características de nuestras membranas celulares.

La novena edición de Dantzaldia,  se viene celebrando en el Palacio Euskalduna, la Fundición, el Auditorio del Museo Guggenheim de Bilbao y el Teatro Campos Elíseos Antzokia. Además, Dantzaldia estrenará como colofón final la última propuesta de Kukai Dantza Konpainia, que estrenará (Sok)2,  un nuevo trabajo, en su línea de investigación habitual: fundir la danza de raíz tradicional y la danza contemporánea.

El Festival Alterantivo de Artes Escénicas de Vigo vuelve este mes de marzo a apostar por el trabajo experimental y los lenguajes que se mezclan, así como por los nuevos creadores en una nueva edición que se celebrará entre los días 11 y 20 de marzo. Los responsables del certamen han seleccionado un total de catorce propuestas escénicas, entre las que destacan los montajes de las compañías Etxea (Francia), Losquequedan (Valencia), Café Flash (Francia), Histrión Teatro (Andalucía), Montse Penela, Elena Córdoba, Pablo Fidalgo e Estefanía García (Galicia-Valencia), Sleepwalk Collective (Euskadi), Ertza (Euskadi), Vero Cendoya (Cataluña) y Mandaíto Producciones (Andalucía). Además, Festival ALT hace también una apuesta fuerte por la creación gallega, mostrando diferentes propuestas de nuevos creadores gallegos en un programa especial que contará con la presencia de Carolina Fernández, creadora audiovisual, bailarina y performer; Alfonso Rivera, profesor de mimo y expresión corporal en la ESAD de Galicia; y Uxía P. Vaello y Borja Fernández, artistas multidisciplinares procedentes de distintas artes como danza, circo y teatro.

Lola Correa, directora del Festival ALT,  explica que este año se llega a la novena edición del certamen, “a punto de cumplir nuestra primera década. Un año más, con la esperanza siempre de que el ALT sea un proyecto de esta ciudad y que se mantenga en el tiempo porque, sólo así, se conseguirá el hueco que un festival de estas características se merece. Ya es un logro importante llegar hasta aquí, ha habido momentos duros, ganas de tirar la toalla, debilidad, pero, siempre que esto sucedía, pensábamos que debíamos continuar y eso es fruto única y exclusivamente de nuestro amor al arte, nunca nos cansaremos de decirlo”. Correa es consciente de que este certamen “no es un festival de masas, ni de estrellas, como todos sabéis a estas alturas, nunca pretendimos eso. Queremos abrir las puertas a la nueva creación y hacer de eso una forma de ocio distinta de la que, el público, forma parte importante”.

La compañía Voadora estrena el montaje Super 8, una coproducción con el Centro Dramático Galego y que supone la segunda entrega de la trilogía Lugares Comunes. El montaje se podrá ver en el Salón Teatro de Compostela los días 7, 8 y 9 de abril. Super 8 es una creación de Voadora, con la dirección y dramaturgia de Marta Pazos. El elenco está compuesto por José Díaz, Marta Pazos, Uxía P. Vaello, Hugo Torres y Sergio Zearreta.

Lugares comunes se refiere, señala la compañía, a los espacios, reales o imaginarios, que compartimos y cómo estos puntos de encuentro influencian en la búsqueda de la identidad del individuo contemporáneo. La trilogía explora tres ejes temáticos diferentes, el fracaso, la memoria y el paraíso, relacionados con el tiempo, presenta, pasado y futuro. De esta forma, la compañía Voadora parte en Super 8 del Cine como “metáfora de la memoria y la memoria como teatro de lo vivido”.

“Pongamos ­–explica la compañía-, que la memoria es la habitación en la que almacenamos todas las viejas películas que fuimos recopilando a lo largo de la vida. En sus andéis se apilan latas y más latas de celuloide, y cada una de ellas encierra un recuerdo nuestro: recuerdos diáfanos, episodios para revivir cientos de veces, otros que más vale olvidar, falsos relatos... La memoria es selectiva y a veces traicionera pero es nuestra. Somos directores de este film amateur que es nuestra propia vida”.

Teatro, memoria y cine son en esta comedia musical tres espejos colocados en triángulo, en un juego de referencias mutuas que no se detiene porque Super 8 es un espectáculo sobre la pasión por la vida, un espacio amplio para lo libre y lo inesperado.

 El formato utilizado los hace accesibles a profesionales en activo procedentes de cualquier parte de España junto a jóvenes que consideren la cultura como campo para su desarrollo profesional. Así, se impartirán los viernes y sábados cada 15 días en horario intensivo, entre los meses de abril y junio del presente año. Cada uno tendrá una duración de 60 horas y su finalización permitirá la obtención de un Diploma Universitario expedido por la Universidad Complutense de Madrid por un total de 6 créditos ECTS (European Credit Transfer System).

Los interesados pueden realizar las preinscripciones y recibir más información consultando el portal www.mastergestioncultural.org o escribiendo a la dirección de email coordinacion@mastergestioncultural.org.

El ICCMU es un Instituto Universitario de la Universidad Complutense de Madrid, pionero en la formación de gestores de las artes escénicas y la música.  Desde 1992 organiza el Master en Gestión Cultural: Música, Teatro y Danza, considerado como el número uno entre los postgrados de gestión cultural en España.  Muchos de los alumnos que han pasado por sus aulas ocupan hoy puestos de responsabilidad en las principales organizaciones musicales y escénicas públicas y privadas de España y el extranjero.  Estas iniciativas son el resultado de una nueva línea de actuación del ICCMU y de la alianza estratégica establecida con la Escuela de Estudios Empresariales de la UCM para el desarrollo de la gestión cultural y la formación de profesionales de la cultura en España.

Sevilla acoge una nueva edición del Festival Internacional de Arte y Discapacidad Escena Mobile, una iniciativa que surge de la colaboración entre el Teatro Lope de Vega y la compañía Danza Mobile y que se desarrollará en diferentes escenarios de Sevilla como el Lope de Vega, el Casino de la Exposición y el Conservatorio de Danza de Sevilla. La cuarta edición del certamen, del 9 y el 21 de marzo, pretende sentar las bases para abrir a medio y largo plazo nuevos caminos en los ámbitos del arte, la discapacidad y la comunicación social. 

El teatro para niños de la compañía Viridiana y la danza de las compañías gallegas Pisando Ovos y Chévere protagonizan la programación del Teatro Jofre de El Ferrol durante esta primera quincena de marzo.

El reparto de Un día, una hora  está compuesto por Merche Albero, Raquel Anadón, Pilar Barrio, Begoña Coarasa y Elena Gómez. Un día, una hora es un espectáculo realizado con sesenta de los textos recogidos por Villafañe. Los temas, la extensión, el estilo son completamente distintos en cada uno de ellos. Unos se decantan por la fantasía, otros por el género negro... en ellos encontramos simbolismo, absurdo, plagio, comedia, drama, tragedia, chiste, minimalismo, folclore, fábula, costumbrismo, ciencia-ficción, metaliteratura y... mucho más: un espectáculo sobre nosotros, sobre los niños que fuimos, sobre los niños que todavía somos.

Por su parte, compañía de danza contemporánea Pisando Ovos presenta el montaje Tres de la coreógrafa Rut Balbis y que está interpretada por Andrea Quintana y Janet Novás. El montaje muestra los encuentros y desencuentros de tres mujeres condicionadas por su sexualidad y sus experiencias personales. La pieza es una exploración de las posibilidades y límites del cuerpo, a través de la combinación de diferentes disciplinas con las que se tratan de encontrar nuevos y personales registros, que van desde los movimientos más radicales a los más minimalistas.

La obra Testosterona, de la compañía gallega Chévere,  es una incursión en la dualidad del ser humano, dividido en dos géneros, masculino y femenino, y cuestiona la división normativa de la sociedad en dos sexos, planteando la posibilidad de un género de código abierto, modificable y flexible.

Los tres músicos que componen el Trío Jean Paul no solo muestran la especial afinidad con las obras de Robert Schumann, sino que también se remiten a su credo artístico de hacer del discurso musical y de los elementos retóricos como un punto de partida en sus interpretaciones.

De momento, la primera muestra que se puede disfrutar en el espacio es una exposición dedicada a dar a conocer los trabajos de rehabilitación y recuperación del Teatro Zorrilla, así como la secuencia de las obras realizadas. La muestra, titulada  Teatro Zorrilla: un espacio recuperado (1884-2010), reúne fotos y planos originales, butacas antiguas y modernas, lámpara y materiales de yeso o mármol.

Además, los responsables del espacio ya han dado a concer parte de la programación de la sala de exposiciones, que próximamente albergará diferentes muestras relacionadas con las artes escénicas: Pintura que baila, con dibujos y recuerdos del bailaor Vicente Escudero; Instrumentos musicales mecánicos del siglo XIX, con fondos del Centro Etnográfico Joaquín Díaz, Vestidos de papel, con fondos del Museo de Mollerussa; y Entre bambalinas, con dibujos y pinturas de Miguel Ángel Soria.

La programación Teatre L’Auditori, organizada por el Ayuntamiento de Cornellà, ha incrementado el número de espectáculos previstos para esta nueva temporada, que se prolongará hasta mediados de junio. La programación se compone de diferentes espectáculos de teatro, música y danza de primer nivel entre las que destaca, por ejemplo, el montaje Un marido ideal, de Oscar Wilde y dirigida por Josep Maria Mestres. El espectáculo, el 14 de marzo, presenta a Joel Joan, Abel Folk, Sílvia Bel, Mercè Pons, Camilo García, Carmen Balagué y Anna Ycobalzeta, quienes dan vida a la historia de un matrimonio feliz pero con una armonía que se verá amenazada por la seductora Mrs. Cheveley. Se trata, din duda, de una obra divertida e ingeniosa en el arte del diálogo.

Del teatro se salta a la música con el concierto de Marc Parrot programado para el 25 de abril en el marco de la Jordiada 2010. Un espectáculo de letras y melodías montado por Marc Parrot y Ramon Simó con motivo de la conmemoración de los 50 años de la Nueva Canción. Dentro del repertorio se incluyen temas como De mica en mica de Serrat, Homenaje a Teresa de Ovidi Montllor o Qué quiere esta gente de Maria del Mar Bonet.

En el marco del Festival Flamenco de Catalunya, el próximo 15 de mayo, Cornellà será testigo de un concierto de lujo protagonizado por Vicente Amigo, uno de los mejores guitarristas flamencos contemporáneos que presentará su disco Paseo de Gracia.

La temporada de primavera en L’Auditorio de Cornellà tendrá como punto y final un espectáculo irrepetible. La Cia Lírica de Zarzuela de Madrid escenificará Katiuska, una de las principales piezas del género, un clásico que continúa llenando teatros de por todas partes. En esta ocasión, estará dirigida por Félix San Mateo y Gerardo Meré.

La compañía TNT presenta en el Teatro Español su particularísima visión de La casa de Bernarda Alba, con seguridad uno de los montajes más interesantes de la temporada, que permanecerá en cartel del 4 al 14 de marzo en la Sala Principal.

Dirigidas por Pepa Gamboa, un grupo de gitanas del barrio de El Vacie, uno de los más degradados y problemáticos de Sevilla, protagonizan el montaje La casa de Bernarda Alba de García Lorca para la compañía TNT (compañía dirigida por Ricardo Iniesta y galardonada con el Premio Nacional de Teatro), que ha apostado por sacar la autenticidad, la espontaneidad, la tremenda energía y generosidad de las mujeres que interpretan la obra. La imposibilidad de retener un texto para personas sin alfabetizar que sólo habían pisado una vez en su vida un teatro no ha sido un obstáculo para que Lorca esté presente en cada acción.

La Casa de Bernarda Alba o Drama de las mujeres en los pueblos de España es, en palabras de Pepa Gamboa, una pieza capital dentro del teatro de Lorca y del teatro contemporáneo en general: “En la obra se anula el futuro. Las mujeres simplemente esperan, pasan el tiempo. Estas gitanas esperan en su chabola a que pase el tiempo, no hay futuro. Cada momento es único y apreciado. Hacer teatro con ellas es de las experiencias más importantes que he tenido en mi vida profesional porque el instante, base de todo trabajo teatral, aquí alcanza una dimensión que va más allá de la escena”.

Los escenarios del Festival Mil.leni de Barcelona, del Teatro Cervantes de Málaga, del Gran Teatro de Córdoba, de la Universidad Carlos III en Leganés (Madrid) y del Teatro Arriaga de Bilbao son las plazas elegidas por la cantante Lila Downs para presentar su nuevo álbum en directo, titulado Lila Downs y La Misteriosa: En París, grabación realizada en un concierto especial que la artista ofreció en Paris durante su última gira europea.

Organizado por el Mercat de les Flors de Barcelona y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, se acerca una nueva edición del proyecto mov-s, un espacio para el intercambio internacional de la danza y las artes del movimiento cuya próxima edición se celebrará en Madrid del 10 al 13 de junio y que tendrá al espectador como eje central de la iniciativa.

Según anuncian los responsables de la organización, el eje central del mov-s será el espectador, por lo que en esta edición se analizarán aquellos aspectos que hacen de las personas espectadores activos capacitados para reconocer y dar valor a la creación contemporánea.

mov-s busca construir puentes de unión entre los artistas y las organizaciones de danza y las artes del movimiento con el fin de establecer vías naturales de encuentro y colaboración. De esta forma, y bajo el título genérico del Espectador Activo, la tercera edición del mov-s pretende profundizar en la realidad del público actual; cómo puede enriquecerse pasando de espectador pasivo a espectador emancipado y resuelto a ser protagonista en su relación con el artista. Considerar un espectador involucrado íntimamente con el trabajo del artista es un camino poco explorado por las artes, en particular por la danza y las artes del movimiento, como camino para el acceso de un mayor número de personas a la creación artística.

Para profundizar en los diferentes matices referentes al Espectador Activo se invitará a expertos teóricos nacionales e internacionales y a profesionales que, a partir de su experiencia, destacan por su conocimiento del espectador y por desarrollar actividades de acercamiento al espectador. Los invitados detallarán sus propuestas en sesiones plenarias para que después sean los espectadores participantes en el mov-s quienes tomen la palabra en grupos más reducidos.

Además de la sesiones plenarias y de reflexión, la comisión artística de mov-s ha seleccionado ya algunos proyectos que se presentarán en el marco de la programación artística en los escenarios del Reina Sofía, Circo Price, Círculo de Bellas Artes y Matadero. Entre estos proyectos se encuentra El Llac de les Mosques de Sol Picó, Equilibrio de Daniel Abreu, Días pasan cosas de Guillermo Weickert, Tuve que hacer el amor por cortesía de Juan Luis Matilla, Carne di prima calitat de Natxo Moreno, Apuntes sobre anlmales, de Mª Ibarretxe, La Cigarra de La Niña de los Cupones, Coser y Cantar de Pere Faura, Tu cuerpo y el mío de Karine Elmore, Experiencias con un desconocido de Sonia Gómez, Borrón 8 de Los que quedan, About Love de Iker Gómez y Concertodesconcerto, de Entremans.

El escenario del Palacio de Congresos y Auditorio de Navarra Baluarte acoge la puesta en escena del montaje La cena de los generales, una obra de José Luis Alonso de Santos dirigida por Miguel Narros, que cuenta con un reparto que cuenta con un reparto de 18 actores encabezado por Sancho Gracia, Juanjo Cucalón y Ana Goya. La cena de los generales aborda con sentido del humor el conflicto de las dos Españas, divididas por la Guerra Civil española, y al mismo tiempo propone una superación de las adversidades, un canto a la vida, al entendimiento.

El montaje está ambientada el mismo día que termina la Guerra Civil española en 1939, cuando Franco quiere homenajear a sus generales con una cena en el madrileño Hotel Palace. El problema es que no hay cocineros, ya que todos se encuentran encarcelados por su apoyo a la República. La única solución es sacarlos de prisión por un día, pero este hecho supondrá su reencuentro con los camareros del bando nacional. En este contexto, en la obra se suceden situaciones tragicómicas, repletas de ironía y guiños históricos, que llevarán a la reconciliación de los dos bandos, condenados a entenderse y convivir, al menos entre fogones.

Alrededor de 150 actividades culturales programadas en 40 ciudades, con la participación de 200 artistas, conforman la programación del Festival Ellas Crean, organizado por el  Gobierno de España a través de los Ministerios de Igualdad y de Cultura con motivo de la Presidencia española de la Unión Europea. Con una programación reforzada y ambiciosa, el objetivo del certamen consiste en dar visibilidad a la creación de las mujeres en música, danza, teatro, literatura, cine, artes visuales y gastronomía.

El festival, que se mantendrá hasta el 11 de abril, se desarrollará principalmente en Madrid aunque incluirá actividades en otras muchas ciudades españolas y cuenta, por primera, vez con presencia internacional en 40 ciudades de todo el mundo a través del Instituto Cervantes.

El programa musical, que busca ahondar en el lado femenino de un gran número de estilos, está encabezado por la gran figura de la canción protesta Joan Baez, además de las cantantes Luz Casal, Mari Boine y Nawja Nimri, las cantaoras Rocío Márquez, Marina Heredia y Esperanza Fernández, la mezzosoprano y directora de orquesta Natalie Stutzmann, la soprano Barbara Hendricks, Natalia Dicenta, Mari Boine, Yasmin Levy, Anni B Sweet, Agnès Jaoui…

La programación de danza pretende poner de relieve la multiculturalidad de nuestra sociedad a través de la colaboración en el proyecto Tu cuerpo / El mío, de Karin Elmore, de mujeres inmigrantes del barrio de Lavapiés. La programación teatral recorrerá, con la organización de la Red de Teatros Alternativos, diferentes escenarios de la geografía española (Valencia, Aranjuez, Zaragoza y Jaén), donde se mostrarán las propuestas de la compañía gallega Pisando Ovos con Menos 1, texto de Ruth Balbín, que ella misma interpreta, y la compañía Na Beibarrúa Danza con la obra A dos centímetros del suelo, con Anuska Alonso y Mar López en la coreografía e interpretación. 

Por otro lado, uno de los puntos culminantes del festival coincidirá con el 8 de marzo, fecha en la que se conmemora el Día Internacional de la Mujer y para el que se han programado innumerables citas musicales en toda la geografía española. De esta forma, el escenario del Teatro de la Zarzuela reunirá el 8 de marzo a las cantaoras Rocío Márquez, Esperanza Fernández y Marina Heredia, que desarrollarán una noche flamenca compuesto por raíces tradicionales como por los sonidos más innovadores del mundo flamenco.

La cantaora onubense Rocío Márquez ofrecerá un programa con granaínas, alegrías, serranas, fandangos, tangos y canción por bulerías, mientras que la trianaera Esperanza Fernández y la granadina Marina Heredia mostrarán sus últimos trabajos. Además, durante esta semana, el Festival ofrecerá otros interesantísimos conciertos a cargo de figuras tan destacada como la pianista francesa Katia Labèque o la reina del universo folk por excelencia, como es la gran Joan Baez, una de las artistas más paradigmáticas de las últimas décadas, que ofrecerá sus temas en el Palacio de Congresos de Madrid (12 de marzo), Vigo (5 de marzo) y en el Teatro Jovellanos de Gijón (7 de marzo)

Las actividades del festival llegarán también a Barcelona de la mano del Festival Femelek de mujeres y música electrónica, mientras que en Huesca  se celebrará un concierto del Ensemble XXI en el Auditorio San Francisco de Monzón.

Diez años después de su presentación como cantante en el Café Central de Madrid, Natalia Dicenta ha vuelto a la música y actuará los días 12 y 13 de marzo en la Sala Clamores.

El texto origonal de Dench es el siguiente:

"El Día Mundial del Teatro es una oportunidad para celebrar el Teatro en una miríada de formas. El Teatro es una fuente de entretenimiento e inspiración, y tiene la habilidad de unificar las diversas culturas y a las gentes de todo el mundo. Pero el teatro es mucho más que eso y también brinda oportunidades para educar e informar.

El teatro se representa en todo el mundo y no siempre en los escenarios tradicionales. Las representaciones pueden suceder en un pequeño pueblo de África, en una montaña en Armenia o en una pequeña isla del Pacífico. Todo lo que necesita es un lugar y un público. El Teatro tiene la habilidad de hacernos sonreír, de hacernos llorar, pero también debería hacernos pensar y reflexionar.

El Teatro surge a partir del trabajo en grupo. Los actores son las personas que se ven, pero hay un gran número de personas a las que no se ve. Son tan importantes como los actores y sus variadas y especializadas habilidades hacen que una producción sea posible. También deberían compartir los triunfos y los éxitos que puedan ocurrir.

El 27 de marzo es oficialmente el Día Mundial del Teatro. Por muchos motivos todos los días deberían ser considerados días del teatro, porque tenemos la responsabilidad de continuar la tradición de entretener, de educar y de iluminar a nuestras audiencias, sin los cuales no existiríamos".

Judi Dench, una de las actrices más respetadas, populares y laureadas del Reino Unido, ha sido la elegida por el Instituto Internacional del Teatro para redactar el mensaje del Día Mundial del Teatro de 2010. Curtida en el teatro clásico a bordo de la Royal Shakespeare Company, donde representó a los principales personajes clásicos y modernos, la actriz dio el salto a la fama gracias a destacadísimas apariciones en películas como Shakespeare in love, Hamlet, Chocolat o Iris. A lo largo de su carrera, Judi Dench ha recibido innumerables galardones y premios, así como ha sido condecorada por la Orden del Imperio Británico. Considerada como una de las actrices de teatro más importantes del Reino Unido, Judi Dench hizo historia en el año 1996 al obtener dos premios Olivier por dos papeles diferentes.

Además de la lectura del manifiesto, para conmemorar el Día Mundial del Teatro se suelen celebrar innumerables actividades alrededor del teatro en la mayoría de las ciudades y pueblos del territorio español, actividades que son desarrolladas por colectivos y personalidades tanto profesionales como aficionados.

El espectáculo de Frankenstein, con escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda y protagonizada por Raúl Peña, Javier Botet, Jose Luis Alcedo, Natalia Hernandéz, Eduardo Casanova, Nerea Moreno, Javier Ibarz, Emilio Gavira, Mario Sánchez  y Alvaro Alvarado, constituye un experimento en clave épica y romántica, en torno a los límites de la naturaleza humana, el deseo de libertad del hombre y su ansia secreta de emular a los dioses y penetrar los arcanos insondables de la vida y de la muerte.

“El montaje sigue paso a paso –con la brevedad y concisión necesarias- la novela de Mary Shelley, incluyendo aquellos aspectos menos divulgados, como el despertar de la poderosa inteligencia de la criatura, sus amargas reflexiones, la desesperación vital y filosófica del Dr. Frankestein, y el espejo en que éste se constituye para el ambicioso marino científico, el Capitán Walton. Los aspectos más legendarios del mito de Frankenstein y su monstruo, alimentados por la factoría Universal también estén presentes, de modo que la obra bascula permanentemente de la reflexión al thriller gótico, de la meditación al horror romántico”, explica Gustavo Tambascio.

Frankenstein es la obra romántica que mayor difusión tuvo en su época y posteriormente. Mary Shelley consiguió una obra que aunaba y reunía todas las grandes inquietudes propias de su momento, y esto le sirvió para ser reconocida como una de las grandes autoras del romanticismo inglés. El mito de Frankenstein supero con mucho al mito de Prometeo. La creación de la vida a partir de la electricidad  y partiendo de miembros muertos de diferentes seres humanos era una obsesión de su época y especialmente del grupo de intelectuales que le rodeaban. Ya en su momento la repercusión de la obra tuvo diferentes lecturas de muy diversa índole, fundamentalmente política y social, convirtiéndose en una referencia de la literatura universal.

Los responsables de la XIV Feria de Teatro de Castilla-La Mancha, que se celebrará del 12 al 15 de abril, han decidido ampliar el plazo para la inscripción de profesionales. Podrán inscribirse todos los profesionales que desarrollen su actividad en el sector de las artes escénicas, que tendrán que cumplimentar la ficha de inscripción en la web y remitir una fotografía actual tipo carnet por correo electrónico a la dirección feriadeteatro@jccm.es (con resolución suficiente para su publicación en el catálogo que editará la Feria). Recibida la ficha de inscripción, la Feria remitirá comunicación al interesado/a comunicándole la situación de su solicitud.

La XIV edición de la Feria de Teatro de Castilla-La Mancha está dirigida principalmente a los distribuidores, profesionales y programadores de teatros a nivel nacional. Por otro lado, ya se conoce un adelanto de la programación de esta edición, que contará con varios estrenos, entre los que destaca el montaje Arquitectura Visual de Telenoika (estreno absoluto), Parallèles & Bipèdes de Maboul Distorsion  (estreno en España) o La tempestad de la compañía Chapitó (estreno en España).

Esta edición, informa la organización de la Feria, incidirá en la potenciación de la danza y las representaciones se llevarán a cabo más allá de los habituales escenarios, para ofrecer espectáculos en lugares emblemáticos como la plaza de toros, o también en la calle, que será utilizada como espacio escénico. En esta edición también concurre una cuidada selección de compañías internacionales procedentes de Alemania, Grecia, Francia o Israel, entre otros países, además de contar con una variada representación de compañías nacionales y de Castilla-La Mancha, que mostrarán en Albacete espectáculos de reciente creación.

Teatro de La Abadía ha sacado ya a la venta las entradas de las cinco únicas funciones del espectáculo La douleur, de Marguerite Duras, el estremecedor relato autobiográfico de Marguerite Duras que cuenta con la interpretación de Dominique Blanc y la dirección de Patrice Chéreau y del coreógrafo Thierry Thieû Niang. El montaje estará en Madrid del 24 al 28 de marzo con el apoyo del Servicio Cultural de la Embajada de Francia en España. Además, coincidiendo con el Día Mundial del Teatro, las entradas para el sábado 27 de marzo tienen un descuento del 20%.

 La douleur es un relato autobiográfico, el diario de la ausencia agotadora, de la espera cargada de amenazas, del miedo atroz, culpabilizador, de la desesperación, de la vergüenza de vivir esperando el regreso de Robert Antelme (el Robert L. del texto), su marido, deportado a un campo alemán. Marguerite Duras vivió la guerra mundial como mujer con un marido deportado, como resistente y también como escritora. Lúcida, sorprendida, a veces desesperada, durante esos años escribió un diario; unos textos inspirados en todo lo que veía, en lo que vivía, en la gente que conocía o con la que se enfrentaba. Lo que Marguerite Duras reunió bajo el título de La douleur (El dolor) son narraciones y extractos de ese diario.

En abril del 45, primavera de la Liberación, no sabe si todavía está vivo. Marguerite vaga por una ciudad destruida, corre de despacho en despacho, maldiciendo el teléfono, sin dormir, espera, acecha, busca cualquier signo de esperanza. La guerra continua en ella mientras a su alrededor la alegría de la Liberación se exterioriza. El grupo de resistentes se organiza para recibir a los que regresan. Él también regresará, en un cuerpo donde la vida ya no tiene ningún tipo de fuerza.

Patrice Chéreau, nacido en 1944, es uno de los grandes directores de escena en Francia. También ha dirigido películas como la aclamada La reina Margot, protagonizada por Daniel Auteuil e Isabell Adjani. El los años 80 produjo obras de Bernard-Marie Koltès, incluidas las mundialmente representadas En la soledad de los campos de algodón y Combate de negro y perros. Dirigió El anillo del Nibelungo de Wagner en Bayreuth y en 2005 produjo su particular versión de Cosi fan tutte de Mozart.

Dominique Blanc se subió por primera vez a las tablas en 1981 en Peer Gynt que Patrice Chéreau llevó a escena en el TNP de Villeurbanne,  encuentro que dio sus frutos ya que el realizador/director y desde entonces han trabajados juntos en varias y exitosas producciones. En 1989 fue galardonada con su primer César (ha recibido otros tres desde entonces) por su trabajo en Milou en mayo de Louis Malle. Además de La reina Margot de Chéreau ha participado en innumerables películas en Francia.

Algunas piezas del nuevo montaje son instrumentales. Y, por encima de todo, destaca un instrumento: la tuba, que Andrés Marín incorpora por primera vez en su carrera porque “siempre la he tenido en mi cabeza”. De otras veces mantiene el sonido del clarinete, porque es “un instrumento muy afín a lo que yo hago”.

En la dialéctica del baile y el cante que el bailaor quiere ir desplegando en escena, Marín constata su figura de artista rupturista y visionario, de iconoclasta del baile flamenco. La soledad con frecuencia termina conduciéndonos a un destino que sólo la presencia de los otros puede ayudarnos a comprender. Esta premisa vital es la esencia de ‘La pasión según se mire’, un montaje inenarrable que permite a Andrés Marín dar un paso en su transgresora apuesta por el flamenco de autor, por el baile conceptual y reflexivo. “Una mirada hacia adelante pero, a la vez, una mirada ancestral”, explicó.

Nacido en 1969, el singular trabajo del hijo del bailaor Andrés Marín y de la cantaora Isabel Vargas comienza a tener repercusión internacional en 1992, año en el que varias televisiones hacen un reportaje sobre su forma de bailar. Como solista y artista invitado de otras compañías recorre los principales escenarios y festivales del momento.

La programación del certamen, que se celebrará del 26 de febrero al 13 de marzo, contempla alrededor de 50 espectáculos en los que se pretende mostrar las creaciones más novedosas del mundo flamenco, con presencia de artistas como Diego Carrasco, Remedios Amaya, Dorantes junto a Grilo; Miet Matsumura, acompañando a Canales; la reciente Premio Nacional de Danza Lola Greco y Amador Rojas protagonizando  Fedra, y Rafael Campallo compartiendo escenario con su hermana Adela.

Los artistas jerezanos aparecen reflejados en los distintos ciclos y espacios, como son los casos de los cantaores Jesús Méndez, David Lagos, Londro, Terremoto, El Torta o La Macanita.

La actriz, directora, traductora y autora dramática Natalia Menéndez es la nueva directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, tomando el relevo de Emilio Hernández que venía desempeñando dicho cargo desde el año 2004. Dicho cambio se produjo tras la celebración la semana pasada una reunión del Patronato del Festival que, a través de un comunicado, justificó la decisión en el objetivo de “reforzar el modelo artístico y adecuarlo a la actual coyuntura económica”, a la vez que agradeció la labor desempeñada estos años por Hernández.

El Festival de Almagro tiene sus orígenes en las Jornadas de Teatro Clásico que se organizaron en 1978 en la ciudad manchega. Desde entonces se celebra ininterrumpidamente, en una primera etapa en el mes de septiembre y, desde 1989, en el mes de julio. De tener sólo un espacio, el Corral de Comedias, único teatro que se conserva del siglo XVII, pasó a convertirse eb un festival internacional en el año 1984. En la actualidad, el certamen cuenta con más de 20 espacios escénicos.

El certamen basa su programación en aquellos autores del Siglo de Oro español como Lope de Vega, Calderón de la Barca, Tirso de Molina, o de otras culturas, en un periodo comprendido entre la Edad Media y el siglo XIX. Precisamente, una de las líneas temáticas del Festival hasta el 2012 girará en torno a la figura de Lope de Vega.

Por su parte, Menéndez  ha señalado que el espectáculo El desdén con el desdén de Moreto, dirigido por Gerardo Malla para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, fue su primera participación en el certamen como actriz: “Una experiencia inolvidable. Luego le siguieron los montajes con Miguel Narros y Andrea D´Odorico. Con La discreta enamorada de Lope recibí el premio Ágora como actriz revelación. El Dom Juan de Molière dirigido por Jean-Pierre Miquel me marcó profundamente por diversas razones. Una de ellas es que Elvira fue el último papel que interpreté, y fue estrenado en Almagro”.

Hace tres años, explica la nueva directora, regresó de nuevo al Festival gracias a la Compañía Nacional de Teatro Clásico, pero esta vez para dirigir El Curioso Impertinente de Guillén de Castro: “Me sentía emocionada por regresar a Almagro tras haber hecho un recorrido sentimental y profesional que se inició como espectadora, después como actriz y finalmente como directora de escena”.

“Ahora –continúa- se abre para mí una nueva etapa de dedicación a este Festival Internacional de Teatro Clásico, asumiendo la dirección artística. Una responsabilidad que debo agradecer al conjunto de instituciones y representantes que forman parte del Patronato del Festival, pero con especial énfasis al Ministerio de Cultura y a la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, por creer en mí. Es un honor poder aportar mi experiencia y entusiasmo al servicio de un público que, año a año, le es fiel a Almagro y a su Festival”.

Natalia Menéndez afirma sentir un “profundo respeto” por la labor de sus predecesores: “Les agradezco profundamente su legado artístico. Espero y deseo seguir provocando la curiosidad y el interés por este Festival de Teatro Clásico, por las tierras de La Mancha y por sus gentes, ya que creo que la cultura es uno de los mejores vehículos para descubrirnos, encontrarnos y apreciarnos”.

José Luis Alonso de Santos (Valladolid, 1942) es licenciado en Ciencias de la Información (Imagen) y en Filosofía y Letras (Psicología). Cursó estudios teatrales en el Teatro Estudio de Madrid con grandes maestros. Es catedrático de Escritura Dramática en la Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Alonso de Santos es, sobre todo, un hombre de teatro que posee una brillante trayectoria como autor, aunque también ha ha extendido su actividad a otros ámbitos como la dirección escénica o la actividad docente. También ha sido director de la Real Escuela Superior de Arte Dramático y de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Sus comienzos teatrales estás ligados a diversos grupos de teatro independiente, como el TEI o Tábano o el Teatro Libre de Madrid. Su primer gran éxito llega en 1981 con La estanquera de Vallecas, donde expresa ya algunas de las constantes de su teatro, como son el sentido del humor, la sensibilidad social, su capacidad para comunicarse con el público y un lenguaje nada artificioso y muy cotidiano.

En 1985 gana el premio Rojas Zorrilla con su obra Fuera de quicio y estrena Bajarse al moro, uno de sus grandes éxitos tanto de público como de crítica, con el que obtuvo los premios Tirso de Molina, Nacional de Teatro 1986 y Mayte 1987. Después, le siguen otros títulos como Pares y Nines, Trampa para pájaros, Dígaselo con válium, La sombra del Tenorio…

Precisamente, en la actualidad se mantiene en cartel su última obra, En el oscuro corazón del bosque, que fue estrenada en septiembre pasado en el Teatro Lope de Vega de Sevilla. Con dirección de Nacho García, el montaje  presenta a una pareja de gatos, esquivos, huidizos, díscolos, repasan retazos de su vida en el momento en que la casa en la que han vivido va a ser demolida y ellos deben trasladarse, no se saben bien aún adónde. Con este simple argumento, en el que los gatos se alternan con los empleados de las mudanzas, en el que humanos y felinos, soñadores y clowns, bestias y mascotas recorren sus sueños, José Luis Alonso de Santos construye un hermosísimo discurso escénico, crisol de estilos diversos, lleno de poesía y de magia, de nostalgia e de un perfume de realidad paralela gatuna.

A través de los ojos de los gatos, del que lee a Marco Aurelio y escucha a Mozart, y de la que vive sin poder descargarse de sus recuerdos, del galán dandy de la casa de al lado y de quienes viven alrededor, el autor vallisoletano construye un texto de gran personalidad, pero que abre una veta simbólica, llena de guiños al teatro del absurdo y al existencialismo más crudo, a Ionesco y a Beckett, a Jardiel y a Mihura, muy diferente a los títulos más conocidos y emblemáticos del autor.

En el oscuro corazón del bosque está interpretada por José Luis Pellicena, Karmele Aramburu, Roberto Pérez, Itxaso González y la colaboración especial de Claudio Sierra y recorrerá, en las próximas fechas, los escenarios del Teatro Palacio de la Audiencia de Soria (6 de marzo), Teatro Principal del Zaragoza (19, 20 y 21 de marzo), Mallorca (2, 3, 4 y 5 de abril), Baracaldo (25 de abril), Teatro Fernando de Rojas de Toledo (14 y 15 de mayo) y Caravaca de la Cruz (1 de octubre), entre otros lugares.

El guitarrista Vicente Amigo acercará la guitarra flamenca hasta el escenario del Teatro de la Laboral de Gijón el próximo 20 de marzo, donde presentará su último trabajo titulado Paseo de Gracia, un álbum rítmico y muy flamenco con un especial cuidado por la guitarra. En este concierto Amigo estará acompañado por José Manuel Hierro a la guitarra, Patricio Cámara y Paquito González a la percusión, Rafael de Utrera al cante, y Juan Manuel Ruiz al bajo.

Paseo de Gracia es un trabajo de gran proyección popular pero que mantiene la esencia de pureza que siempre ha caracterizado a Vicente Amigo.

El pasado mes de octubre se inauguraba la tercera temporada del Teatro de la Laboral con una programación que incluye un ciclo de música con la guitarra como elemento fundamental del flamenco a través de tres generaciones distintas de guitarristas. Ya en el mes de enero, el teatro acogió el concierto de Tomatito, el 20 de marzo estará Vicente Amigo y el 10 de abril Manolo Sanlúcar. 

Sevillano de nacimiento y criado en Córdoba, Vicente Amigo obtuvo con 21 años el Primer Premio de Guitarra en el Concurso Nacional del Cante de las Minas de La Unión. En 1992 forma parte del increíble elenco de guitarristas que se reúnen en Sevilla para participar en el concierto Leyendas de Guitarra: Bob Dylan, Paco de Lucía, Keith Richards, entre otros. En su discografía destacan Poeta (1997), Ciudad de las ideas (2000), Un momento en el sonido (2005) o Paseo de Gracia, su último trabajo que presentará en el Teatro de la Laboral. Entre sus colaboraciones aparecen nombres fundamentales del flamenco como Manolo Sanlúcar, Camarón de la Isla (participó en el mítico Soy Gitano) o José Mercé.  También  ha colaborado  con artistas pertenecientes a otros  campos  de la música como el pop, clásica y MPB: Sting,  Alejandro Sanz, Orkest Metrôpole, Milton Nacimiento, Wagner Tiso...

Las entradas para el concierto ya están a la venta a través de la página web del Teatro de la Laboral www.teatrodelalaboral.com y tienen un precio de 20 € con tarifa reducida de 15 € para menores de 25 años.

La Sala Endanza de Sevilla celebra a finales de febrero su décimo aniversario, un proyecto  que tras el cierre de sus instalaciones en la calle San Luis en 2007 por remodelaciones urbanísticas ha seguido desarrollando su actividad en espacios públicos cedidos, el Centro de las Artes de Sevilla (caS) y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC).

 Endanza: Lugar de Creación nació con el claro objetivo de promover la realización, desarrollo y puesta en escena de creaciones de diferentes disciplinas: danza, teatro, música y audiovisuales, tanto de creadores andaluces o residentes en Andalucía, como de compañías de fuera de nuestra comunidad, en un intento de fortalecer el tejido escénico de nuestra ciudad celebra su décimo aniversario en este 2010.

El aniversario culmina el día 27 de febrero con un recorrido a través de piezas de distintos creadores vinculados a la sala, cuyo punto de partida será el mítico espacio de la calle San Luis, tras una parada en el caS  donde podremos recordar todos estos años de trabajo a través de un audiovisual, el destino final será la Pista Digital donde tendrá lugar el fin de fiesta...

Entre las próximas propuestas de la sala destaca El Silencio Proyect, de Rocío Fernández Fraile, un encuentro multidiscilplinar entre danza, video y música, tomando como lugar de encuentro y diálogo el silencio que se hará realidad los días 5 y 6 de marzo después de haber disfrutado de un periodo de residencia artística.

Además, del 9 al 13 de marzo se celebrará un curso intensivo impartido por María Jesús de los Reyes y el colectivo Mot sobre El poder de la observación: Seitai y la expresión artística (aplicación a la improvisación y composición escéncia). En este taller se trabajará en la conexión que existe entre las prácticas de la cultura Seitai (katsugen- movimiento no voluntario-, yuki- contacto y gyoki- respiración consciente) con las capacidades y necesidades en el campo creativo y escénico. Estas prácticas ayudan en el campo de la fisicalidad de manera muy contundente, ya que envuelven la conciencia corporal (cada parte y en su globalidad), conciencia de la respiración y su uso, la escucha activa (nos conecta en el aquí y el ahora), concepto- conciencia espacial, conexión con nuestro nivel espontáneo e instintivo y a su vez con lo que nos rodea.

Ya los días, 12 y 13 de marzo, en el Centro de las Artes de Sevilla se podrá disfrutar de los trabajos de María Jesús de los Reyes (Con lo puesto) y Pepe Hevia (Detrás del cristal)

Las compañías que han sido seleccionadas este año son Ángeles de Trapo (Andalucía), Centre de Titelles de Lleida (Cataluña), la Compañía Canija (Cataluña), Cop. De Clow i Laitrum Teatre (Cataluña), Daniel Raffel (Francia), Disset Teatre (Cataluña), Ego Petits (Cataluña), El Espejo Negro (Andalucía), el Teatre de L’Home Dibuixat (Comunidad Valenciana), Elfo Teatro y Menchosa Teatro (Comunidad de Madrid), Farrés Brothres y Cía. (Cataluña), Gar Producciones (País Vasco), Joan Baixas (Cataluña), Kamante Teatro (Asturias), Le Boustrophédon (Alemania), Marie de Jongh (País Vasco), Microcosmos Teatre (Cataluña), Norai (Islas Baleares), Onírica Mecánica (Comunidad de Madrid), Stephen Mottram (Inglaterra), Teatro All’Improvisso (Italia), Teatro Los Claveles (Murcia), Titelles Sebastiá Verges (Cataluña), Titiriteros de Binéfar (Aragón), Tombs Creatius (Cataluña), Toni Alba (Cataluña), Two Hands Theatre (Alemania), Víctor Antonov (Rusia), Walley Range All Stars (Inglaterra) y Zum-Zum Teatre (Cataluña).

El objetivo de la Fira de Lleida es convertirse en una plataforma de mercado para la profesión titiritera y asímismo, de divulagación artística, sin menospreciar el valor festivo que comporta la presencia del público en los espectáculos.

Este año la Feria acogerá un total de 30 espectáculos y 69 actuaciones y contarà con la presencia de más de 100 programadores. Entre las actividades paralelas programadas destaca la exposición Mowgli (El proceso creativo y el montage), una muestra que enseña el material artístico del espectáculo creado por el Centre de Titelles con la colaboración del Teatre Nacional de Catalunya, con dibujos, títeres y escenografías del primer espectáculo dirigido al público familar presentado en el TCN; y la exposición 20 años de Fira compuesta con diferentes imágenes gráficas de los 20 años de Fira de Titelles de Lleida.

Tres grandes de la escena teatral española, los actores Emilio Gutiérrez Caba, Luisa Martín y José Sáiz, protagonizan el montaje La muerte y la doncella, obra que se puede ver en diferentes espacio de la geografía española y que está basada en la célebre obra del chileno Ariel Dorfman, que escribió esta pieza en Chile durante la transición del país a la democracia en 1991 tras la dictadura de Pinochet y la que cuenta la historia de Paulina Salas, una mujer que secuestra al individuo que la había torturado muchos años antes.

La muerte y la doncella es una historia que puede suceder y sucede en cualquier país que haya sufrido una dictadura impuesta por las armas y el terror, y que ahora vive bajo la incertidumbre de la transición. En ella, el autor nos presenta a tres personajes, Paulina Salas (un mujer que en su etapa universitaria fue secuestrada y torturada), Gerardo Escobar (marido de Paulina, un prestigioso jurista afín al nuevo gobierno, que es nombrado presidente de la comisión gubernamental que debe investigar los crímenes cometidos durante la dictadura, aunque no podrá hacer pública la identidad de los culpables, ni tampoco juzgarles) y Roberto Miranda (un médico que supuestamente participó en las sesiones de tortura infringidas a Paulina). Los tres personajes se enfrentarán a su pasado desde posiciones diferentes. En el fondo de las tres historias está la búsqueda de la verdad. Una verdad que se difumina por la ambigüedad de la propia fábula y que raya en determinados momentos con la locura.

Se trata de un emocionante montaje que cautivará al espectador haciéndole partícipe de una dura realidad, la del sufrimiento de una mujer que por sus ideas, es vejada, torturada y anulada por completo. Esos tres personajes encerrados en un mismo espacio, en una única realidad y sometidos por el mismo dolor. Paulina, atormentada por los males del pasado. Roberto Miranda, médico que supuestamente participó en las sesiones de tortura de Paulina y que, en manos de su víctima, está ve la posibilidad de reclamar la dignidad perdida exigiendo venganza. En medio de ambos, Gerardo Escobar, marido de Paulina, un prestigioso jurista afín al nuevo gobierno y que es comisionado para investigar los crímenes cometidos durante la dictadura, ha vivido la tortura de su esposa desde fuera y que duda de la credibilidad de las palabras de su mujer. Tres vidas en un juego ante un mismo abismo, representadas por tres grandes de la escena teatral española, Emilio Gutiérrez Caba, Luisa Martín y José Sáiz.

El Festival de Danza Escena 2010 llegará, durante los meses de marzo y abril a 18 localidades navarras, con 12 compañías de todos los estilos: flamenco, danza clásica, contemporáneo, hip-hop, danza urbana… Organizado por el Gobierno de Navarra, el certamen continúa la línea iniciada el año pasado, tratando de introducirse todavía más en el universo de la danza a través de talleres, masterclass y cursos.

Esta edición presenta el trabajo de doce compañías y refuerza su objetivo principal de descentralizar la danza de Pamplona. El festival se articula en tres ejes fundamentales (espectáculos, talleres para niños, masterclass y curso especializado y  la exposición Paisajes coreográficos de la danza en el Centro Huarte de Arte Contemporáneo, que presenta un material cedido por el Servicio Cultural de la Embajada Francia, y que contribuirá a dar a conocer el proceso de creación y fundamentalmente la concepción de la danza en otros lugares del mundo.

Las compañías que participan en el Festival son Aldanza, Almudena Lobón Cía de Danza con su montaje Carrousel; Aukeran Dantza Konpainia y su montaje Gernika; Brodas con un programa doble de danza de hip hop;  la Compañía de Dani Pannullo con Desordances_4; Dantzaz Konpainia con el espectáculo 1.01, la compañía de Maria Donata D’Urso que explora la danza contemporánea en Men-brain Strata; la compañía Fueradeleje con 4 Estaciones; el ballet flamenco de José Porcel con Cafés Cantantes; la Mov con un programa de danza clásica contemporánea titulado Trovador; Larumbe Danza con Berta en el Desván (Pilla… ¡O pilla!); la compañía Mudances con Geografies; y el Ballet Flamenco de Úrsula López con Abriendo Camino.

Más información en http://www.cfnavarra.es/danza/

Tras una primera colaboración en directo como dúo hace ahora casi un año, el compositor Michael Nyman y el cantante David McAlmont han desarrollado un proyecto común, el disco The Glare, que ahora están presentando por diversas plazas de España.

Para este singular proyecto, David McAlmont ha seleccionado sus composiciones favoritas de Michael Nyman y se ha basado en noticias mundiales para componer los textos. Escritas en primera persona, estas nuevas canciones se nutren de variados temas globales como la piratería del siglo 21 (Going to America), líderes mundiales (In Re Don Giovanni), correos de droga (In Laos), errores bancarios (Take the Money and Run), robos internacionales de joyas (Dorothy), tráfico de prostitutas en Europa (A City Called Turin), suicidio asistido (Friendly Fire), migraciones de niños africanos (Fever Sticks and Bones) y los reality shows de la tele (The Glare).

Después de pasar por el Teatro Circo Price de Madrid y en el Palau de la Música de Barcelona, dentro del Festival Mil.leni, la banda pasará también por Burgos el martes 13 de abril y el Teatro Arriaga de Bilbao, el miércoles 14 de abril.

Michael Nyman es uno de los compositores británicos más innovadores y aclamados, cuyo trabajo abarca óperas, cuartetos de cuerda, bandas sonoras (El Piano) y conciertos orquestales.

David McAlmont es uno de los cantantes más valorades en la escena musical inglesa, que ha colaborado con Craig Armstrong, David Arnold, Courtney Pine, Jools Holland, Terence Blanchard, la BBC Concert Orchestra (London Jazz Festival), Cyndi Lauper o Guy Barrer, entre otros.

La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública ha presentado en Gijón el programa de actividades que desarrollará durante 2010. Y lo ha hecho coincidiendo con la primera asamblea anual del grupo, un acto al que asistieron alrededor de cuarenta programadores y gestores de espacios escénicos de todo el país.

Durante la Asamblea, se presentaban los contenidos y fechas de la quinta edición de la Escuela de Verano, un programa formativo de cursos que cada año reúne en Almagro y Bolaños de Calatrava a alrededor de 200 técnicos y gestores culturales de todo el país. La Escuela tendrá lugar del 31 de mayo al 4 de junio y “como novedad –señalaron sus responsables- se abordarán temas de actualidad para el sector, como el papel de las nuevas tecnologías y las redes sociales en la promoción de las artes escénicas”. Los sistemas audiovisuales aplicados a los espectáculos, el trabajo del personal de sala, la maquinaría o la electrotécnica serán otros de los aspectos que se estudiarán en profundidad durante la Escuela de Verano.

Otro de las grandes citas anuales, en cuya organización participa la Red Española de Teatros, será Mercartes, una feria que cumple su cuarta edición y que se desarrollará entre el 9 y 12 de noviembre en Sevilla. El mercado contará con la presencia de representantes de compañías, productoras, programadores y gestores de espacios escénicos, así como proveedores de servicios técnicos y auxiliares, responsables de las administraciones públicas y especialistas en artes escénicas.

Durante la reunión celebrada en el Antiguo Instituto de Gijón, también se anunciaron las fechas de las próximas asambleas que celebrará La Red. Tendrán lugar el 10 de junio en el marco de Mov-s (el Espacio Internacional para el Intercambio de la Danza y las Artes del Movimiento) y de 11 de noviembre en Sevilla, coincidiendo con Mercartes. Asimismo, se informó de la creación de un servicio de asesoría jurídica, que funcionará a través de la web de la asociación, www.redescena.net, y del trabajo que realizan las Comisiones de Teatro, Música y Danza, que a lo largo de los próximos meses presentarán los nuevos Cuadernos de Espectáculos Recomendados, unos documentos orientados al programador que seleccionan las propuestas artísticas más destacadas de la producción escénica nacional. Por último, se avanzó la próxima edición del segundo número de Abierto al público, una publicación que recoge las experiencias desarrolladas por teatros de todo el país para atraer espectadores a sus salas.

Seminario sobre normativa jurídica y fiscal

Tras la Asamblea, tenía lugar un seminario sobre la normativa jurídica, económica y fiscal vinculada al trabajo que desarrollan los programadores y gestores culturales. Los contratos en el ámbito de las artes escénicas, los derechos de autor o las operaciones vinculadas al impuesto de sociedades fueron algunos de los temas discutidos en una ponencia ofrecida por Antonio Durán-Sindreu, José Manuel Luna y Carme Setó, responsables del Despacho Durán-Sindreu.