El mantenimiento del total del importe que se destina a estas ayudas confirma, pese a la coyuntura económica actual, el esfuerzo del Instituto por mantener las subvenciones por convocatoria pública, al ser una de las vías de financiación esenciales para los sectores de las artes escénicas y de la música, y poseer un carácter competitivo por su propia esencia concursal, lo que supone un estímulo para el sector.

De este importe total de 14.35 millones de euros, 6.947.180 euros corresponden a programas de música, lírica y danza, mientras que 7.411.960 euros se destinarán a programas de difusión, desarrollo, preservación y comunicación de actividades teatrales y circenses. De esta última cantidad, 2.206.000 euros corresponden a la segunda anualidad de las concertaciones bienales concedidas en 2011.

Esta resolución, que cuenta con la autorización de la Comisión Europea, tiene por objeto la regulación de las ayudas a la danza, la música, el teatro y el circo, en el marco de las competencias del INAEM y de acuerdo con los objetivos que tiene encomendados, en orden a la preservación del patrimonio coreográfico, lírico y musical y a su difusión en el ámbito del territorio del Estado y fuera de sus fronteras, favoreciendo especialmente la comunicación entre las distintas comunidades autónomas, la igualdad de todos los ciudadanos en el acceso a los bienes culturales y la creación y consolidación de nuevos públicos.
Las ayudas se concederán de acuerdo con los principios de publicidad, transparencia, objetividad, igualdad y no discriminación y, mediante el procedimiento de concurrencia competitiva, en las modalidades que se relacionan en el apartado cuarto de las correspondientes resoluciones y conforme a la normativa vigente en materia de subvenciones públicas.
Más información en http://www.cultura.gob.es/principal/ministerio.html

El grupo Contrabandeando nos trae la apasionante historia del mestizaje entre culturas muy diferentes, africanos, indígenas, colonos, todo el folclore latinoamericano creando una amplísima variedad  rítmica en canciones con un rico colorido.

Contrabandeando nace de la fusión de varios músicos con amplia trayectoria en otras formaciones de folclore y músicas del mundo que comparten su pasión por la música de este continente. En esta presentación animada y envolvente, podremos encontrar registros típicos del folclore latinoamericano como el charango o el cuatro, o instrumentos típicos españoles como el laúd. Cobra  gran importancia  la percusión latina  creando un sonido propio con un repertorio planteado para tocar en vivo.

Componentes:
Antonio Algar - Percusión
Antonio Ayuso - Charango / Cuatro / Guitarra / Voz
Alberto Bravo - Contrabajo / Voz
Waldemar Carrasco - Percusión / Voz
Alfredo Espi - Bandurria
Cesar Gallego - Guitarra / Voz
José Antonio Mayoral - Laud / Voz principal
Ignacio López – Flauta travesera / Clarinete

Mas información en: www.facebook.com/contrabandeando

Adolfo Marsillach quiso hacer de este texto un juego escénico y convertirlo en una sorprendida investigación sobre la inconsistencia de la realidad, un juego entre lo que ha ocurrido, lo que ocurre y lo que ocurrirá, para jugar de este modo con la confusión entre vivos y muertos.

“Extraño anuncio” es un teatro imaginativo, complejo, sin explicaciones realistas. Un texto con el que Marsillach intenta averiguar el hecho misterioso y apasionante de saber si estamos vivos o muertos.

El reparto cuenta con Manuel Galiana, Mónica Aragón, José Carábias, Oscar Olmeda, Kiko Sánchez, Ana María Barbany.
Metrópolis Teatro, con esta nueva producción, quiere rendir homenaje a Adolfo Marsillach en el décimo aniversario de su fallecimiento.

Después de hacer el preestreno en San Sebastián de los Reyes, los días 11 y 12 de febrero viajará a Teatro Principal de Castellón, después a Salamanca y a continuación podrá verse en Madrid del 16 de marzo al 29 de abril de 2012 en el Teatro Valle Inclán.

Bajo la dirección de Pepe Quero, con la participación de los actores Javier Berger, Chema Álvarez, Rebeca Torres, Rafael Erosa y Paco Tous interpretando a unos personajes rescatados de la realidad que reflexionan sobre sus últimos días.

Tres personajes (un marqués corrupto en coma, una secretaria de juzgado recién acuchillada y un indio peruano que ha perdido su brazo en accidente laboral) comparten habitación. Entre la vida y la muerte, comienzan a apoyarse mutuamente, al tiempo que el espectador va comprobando que entre ellos existe un vínculo: descubren que el hecho que provocó el accidente es lo que realmente los une y los tiene allí postrados, entre alucinaciones y locuras.

Escrita por Maite Sandoval, Javier Berger y Pepe Quero, esta comedia de humor negro se acerca a la realidad que vivimos hoy día, la decadencia de la sociedad del bienestar, los recortes en sanidad y cultura. En palabras de Pepe Quero los cómicos y los payasos, en los tiempos que corren, lo tenemos bastante complicado. Nosotros que fuimos los señores del despropósito, la burla, la mofa y la hipérbole descarnada, poco a poco vamos cayendo en el ostracismo, debido al nacimiento de un sin fin de aprendices mal intencionados que nos hacen una terrible competencia desleal.

Y es que, de nuevo, como en sus anteriores montajes, Los Ulen vuelven a reflexionar sobre la realidad que nos rodea… Sin pelos en la lengua, sus personajes y sus obras nos sumergen en un universo irónico y de crítica social, radical a veces, que persigue al espectador que sale de sala con una reflexión: ¿De qué nos hemos reído?. Así es el teatro de Los Ulen, tras 25 años de dilatada trayectoria artística y empresarial.

Miguel del Arco, el autor del texto a partir de la obra homónima de Maxim Gorki de 1904, tiene mano para llevar al espectador de la tensión a la carcajada. "Veraneantes" es una comedia agridulce y moderna que nos cuenta con muchos ecos chejovianos y guiones de corte existencialista que recuerda "El declive del imperio americano", de Dennis Arcand. En el veraneo de 2010 once amigos deciden irse de vacaciones juntos, con el único objetivo de ser felices en medio de una compleja convivencia. Este grupo de hombres y mujeres se dan cuenta que el poder económico que poseen ha acabado por arrasar sus viejos idealismos, y los ha acercado más a seres decadentes llenos de vanidad.

El montaje se caracteriza por la frescura, el ritmo y la inmediatez. El excelente trabajo de los actores y actrices mantienen en vilo al público durante dos horas de réplicas y contrarréplicas a un ritmo vertiginoso.

El reparto  cuenta con Bárbara Lennie Bárbara, esposa de Israel; Israel Elejalde Israel, marido de Bárbara; Miriam Montilla Miriam; Raúl Prieto Raúl, marido de Elisabet; Francesco Carril Fran, hermano de Bárbara; Lidia Otón Lidia, hermana de Israel; Manuela Paso Manuela; Elisabet Gelabert Elisabet, esposa de Raúl; Cristóbal Suárez Cristóbal; Chema Muñoz Chema, tío de Raúl y Ernesto Arias Ernesto.
Se trata de una producción del Teatro de La Abadía en coproducción con Kamikace Producciones.

Después de visitar Arganda del Rey, "veraneantes" continua su gira por los siguientes espacios: 18 de febrero Auditorio Adolfo Marsillach San Sebastian de los Reyes, 25 y 26 Teatro Alhambra Granada. En el Teatro del Bosque Móstoles el 24 de marzo. En abril el día 14 en Torrelodones, el 20 y 21 en el Teatro Cuyás Las Palmas. En Mayo visitará, Alcobendas, Getafe, Pozuelo y el día 19 el Teatro Jovellanos de Gijón.

Los próximos días 2, 3 y 4 de febrero la Compañía de Teatro La Ruta , en coproducción con el Teatro Circo de Murcia, estrena "Perversiones sexuales en Chicago", de David Mamet, en versión de Roberto Santiago y con dirección de Juan Pedro Campoy.
Perversiones sexuales en Chicago está protagonizada por los actores Fernando Gil, Úrsula Corberó, Cristina Alcázar y Javier Pereira.

El teatro de Mamet se caracteriza por el uso de un lenguaje coloquial, que le sirve para transgredir los planteamientos realistas. Los personajes suelen ser o bien gente corriente o bien marginados, y conjuga humor y dramatismo en los argumentos. Su estilo dramático refleja el comportamiento desarticulado y violento de la clase media-baja. Poético, repetitivamente escatológico, cómicamente fragmentario, y a menudo chocante. Sus obras provocan en el espectador una reflexión sobre el mal como algo inseparable del corazón humano.

Posteriormente al estreno compañía La Ruta Teatro emprenderá una gira que le llevará por los siguientes espacios escénicos:

10 de febrero. Gran Teatro Elche. Alicante.
24 de febrero. Teatro Cervantes. Petrer. Alicante.
3 de marzo. Auditorio de Aguilas. Murcia.
17 de marzo. Teatro Municipal. Chinchilla. Albacete.
22, 23, 24, y 25 de marzo. Teatro El Musical. Valencia.
31 de Marzo. Centro Artes Escénicas. Beniel. Murcia.

“Quitt “ de Peter Handke  dirigido por Lluís Pasqual cuenta con los siguientes intérpretes:  Andreu Benito como Bertolt Koerber-Kent, Jordi Boixaderas  es Hans, Jordi Bosch como Karl-Heinz Lutz , Eduard Fernández  es Herman Quitt , Míriam Iscla como la señora Quitt, Lluís Marco como Harald von Wullnow, Marta Marco como Paula Tax  y Boris Ruiz es Franz Kilb.
El protagonista de “Quitt”, es un empresario que pretende ejercer de demiurgo del mercado en una atmósfera que recuerda poderosamente a la situación actual.

En palabras del director, Lluís Pasqual, la obra de Handke se ha convertido con el tiempo en un poema. Es entrar en un mundo de astillas, violento, feo y duro, inarmónico. Nunca es amable. Pasqual señala que Quitt es una falsa obra de teatro, hay en ella un hilo, la historia de un empresario, Herman Quitt (Eduard Fernández), y su fin. Herman Quitt tiene planes, suelta sentencias, habla de los mercados, los precios, los salarios. Dice que habrá que pagar salarios más bajos. Es el propio capitalismo. Y acaba al final consigo mismo. La obra es de 1974, pero resulta escalofriantemente actual. El personaje de Quitt propone deslocalizaciones y que se fabrique en Oriente. Venimos de unos que decidieron eso ya hace tiempo.

Aprovechando las funciones de “Quitt”, el Teatre Lliure propone tres actividades en torno a la temática de la obra y a su autor, el escritor y dramaturgo austríaco Peter Handke, una figura controvertida que ocupa un lugar de honor en la literatura en lengua alemana.

Miércoles 8 de febrero. 19.00 horas. Montjuïc – Sala de prensa
Handke como escritor políticamente comprometido
Mesa redonda con el filósofo Miguel Morey, el germanista y traductor Eustaquio Barjau y la crítica literaria Cecilia Dreymüller,  para discutir varios aspectos del compromiso político de Handke expresado a través de su obra y también el papel del escritor en la sociedad. Coordinación: Cecilia Dreymüller.


Miércoles 15 de febrero. 19.00 horas. En Montjuïc – Sala de prensa
¿La economía tiene moral?
Mesa redonda sobre economía y capitalismo a partir de algunos aspectos visionarios de la pieza de Handke, se discutirá sobre la actualidad económica y las crisis del capitalismo en un mundo globalizado. Coordinación: Ignacio Orovio (La Vanguardia).

Martes 21 de febrero. 20.30 horas. Montjuïc – Sala Fabià Puigserver
Presentación y proyección del documental El jugador melancòlic
Presentación y proyección del documental monográfico sobre Peter Handke realizado por el crítico literario Peter Hamm para el canal ARTE, a partir de varias entrevistas que resiguen espacios significativos de su obra. Al finalizar la proyección habrá un coloquio con Peter Hamm. Coordinación: Cecilia Dreymüller.

Ritmo, mucho ritmo en “Cambuyón”, un espectáculo donde se sigue el recorrido cultural de los ritmos, sus encuentros fusiones y mestizajes.
Siete personajes viajan en un barco a través del tiempo y el espacio intercambiando conocimientos experiencias y sobre todo ritmo. Bailarines de claqué, hip-hop y percusión corporal, cantantes y músicos nos llevan de la mano en este recorrido actual por la reciente historia del ritmo occidental.

El Cambuyón fue, además de una forma de vida, una actividad nacida el siglo XIX, cuando los grandes barcos fondeaban en la bahía de los puertos de las islas atlánticas (Canarias, Madeira) los comerciantes locales acudían a los buques a intercambiar productos. Durante los años 40 y 50 del siglo pasado se convirtió además en una de las pocas vías de comunicación con el exterior, en la puerta de entrada cultural de una sociedad cerrada al mundo a pesar de ser un puerto estratégico.

Esta realidad histórica nos ayuda a recorrer el camino que ha hecho posible la existencia hoy en día de disciplinas artísticas como el claqué o el hip-hop, nacidas claramente de la fusión, los viajes y los encuentros de culturas diferentes.
Desde África y Europa hacia América volviendo al viejo continente y convirtiéndose en universales, los diferentes ritmos que abordamos forman parte de la cultura global imperante.

“Cambuyón” muestra el recorrido, los encuentros y sus frutos totalmente mestizos con la clara intención de entretener al espectador a través de la fuerza y la importancia que el ritmo tiene en la vida del ser humano.
Todo esto es posible gracias al equipo de intérpretes de primer nivel internacional  que han formado parte de compañías como Mayumaná, Camut Band, Brodas o Terekitetap.

Se trata de una coproducción canario-catalana en la que participan las siguientes entidades:
Enlace Servicios Culturales;  SEPTENIO, Gobierno de Canarias; Auditorio de Tenerife Adán Martín; Cabildo de Tenerife; IBMF (Festival Internacional de Body Music de San Francisco); Teatro L’Estruch, Ayuntamiento de Sabadell; Ayuntamiento de El Sauzal. Y cuenta con la colaboración de Lavandería Mara, Estación de servicio El Mirador y Organismo Autónomo de Cultura de Santa Cruz de Tenerife.

El espectáculo podrá verse los días  3 y 4 de febrero en el Auditorio de Tenerife Adán Martín y el 11 de Febrero en el Teatro L’Estruch de Sabadell.

A lo largo de estos veinte años la gran creatividad de esta compañía les ha llevado a poner en escena un total de diecisiete espectáculos teatrales, varios de ellos se han visto en el Teatro Chapí de Villena. Con la reposición de “Muu!”, ahora revisada y puesta al día, pretenden recuperar su esencia indiscutible y ofrecer al público una mirada viva y renovada en constante evolución.  La cita es el sábado 28 de enero a las 20.00 horas. 

“Muu!” es una sátira del mundo de los toros, pero también de conceptos más abstractos como el machismo, la valentía, la patria,  el honor, en definitiva todos aquellos “valores sagrados e inquebrantables” implícitos en un rito que enfrenta, en pleno siglo XXI al hombre y a la bestia a la manera del circo romano.

Con esta revisión de “Muu!”, Yllana recupera la esencia de sus comienzos y revive con placer, pero sin nostalgia, aquel espíritu vigoroso que les empujó a la creación escénica. Pero también para compartir con el público del teatro –que ha descubierto Yllana a través de espectáculos como “Splash”, “666”, “Star Trip”, “Olimplaff”,  “Brokers” o más recientemente “Pagagnini”- los mimbres en los que se fundamenta su humor irrepetible.

Muu!  es idea original de Yllana, protagonizada por Fidel Fernández, Juan Francisco Ramos, Antonio Pagudo y Luis Cao. La dirección artística es de David Ottone.

La compañía teatral Rayuela se enfrenta este fin de semana al reto de dar coherencia escénica a los objetivos de un asesino juvenil múltiple. Un proyecto basado en un texto del sueco Lars Norén que intentó retratar el desamparo vital que puede llevar a un adolescente occidental a programar una matanza colectiva. Ocurrió en la fecha que da título al montaje en el 2006 en un instituto de Emsdetten (Alemania). Sebastian Bosse abrió fuego contra sus compañeros y dejó un reguero de 37 heridos antes de volver el arma contra sí mismo y suicidarse.

La directora de Rayuela, Nina Reglero, presenta esta radiografía de los asesinos escolares. La de esos que dejan grabado y escrito su momento de gloria para que todos sepamos a posteriori sus razones. Reglero, cuya compañía es ejemplo de esfuerzo por adecuarse a los nuevos formatos y públicos multimedia, ha concebido esa labor pedagógica como un monólogo, rodeado de una especie de coro griego brechtiano.

Lars Norén,  trató de ser lo más realista posible y usó las grabaciones y textos del propio Sebastián Bosse para escribir “20 de noviembre”. Un texto difuso y enmarañado pero que es un auténtico regalo para un actor, asegura Reglero. A esta dramaturgia se enfrenta el actor Raúl Escudero, bajo cuyas facciones, el público debe buscar el rostro del fracaso de la inteligencia emocional y de la quiebra de esos lugares, los colegios, que en teoría sirven para socializar a los jóvenes pero se acaban convirtiendo en la escenario de su violencia extrema e indiscriminada. Junto a él, ocho jóvenes reclutados en unas jornadas abiertas que la propia compañía organizó en las salas de ensayo del Lava. Una forma de acercarse a ese colectivo de jóvenes que nunca pagarán una entrada de teatro pero a los que este tema seguro que les interesará mucho.

El espectáculo podrá verse desde el 1 de febrero hasta el próximo 11 de marzo, en la sala José Luis Alonso del Teatro de la Abadía.

En “Gromming”  hay referencias a Hitchcock  y “Alicia en el país de las maravillas”, escrita por Paco Bezerra  y dirigida por José Luis Gómez,  además de profundizar en el tema específico del  ciberacoso sexual a menores y de evocar una atmósfera inquietante digna de un Thriller,  la obra explora la manera en que a menudo se pervierte la comunicación entre personas y se siente la necesidad de escapar de la realidad inmediata.

José Luis Gómez vuelve a abordar un texto de un autor español contemporáneo, tras su aplaudida puesta en escena de “La paz perpetua” de Juan Mayorga (Centro Dramático Nacional en coproducción. con La Abadía). Si en aquel proyecto afrontó el tema, de gran envergadura política y moral, de hasta dónde podemos ir en la lucha contra el terrorismo, en éste tocará otra cuestión de enorme carga social. José Luis Gómez, cuya trayectoria ha recibido numerosas distinciones (entre ellas, el Premio Nacional de Teatro y su reciente ingreso como Doctor Honoris Causa en el seno de la Universidad Complutense), es director fundador del Teatro de La Abadía.

Por su parte el dramaturgo almeriense Paco Bezerra, recibió el Premio Nacional de Literatura Dramática el año 2009, otorgado por el Ministerio de Cultura, por su obra 'Dentro de la Tierra'.

“El Cordero de Ojos Azules” se ubica en Buenos Aires, durante 1871, en los meses en que la ciudad fue atravesada por una epidemia de fiebre amarilla. Allí, en la catedral, se encuentran encerrados un pintor homosexual, Carlos Belloso, y una canonesa, interpretada por Leonor Manso. Él debe pintar una imagen de Santa Lucía, y ella, custodiar que se cumpla el encargo.

La obra de Gonzalo Demaría, que dirige Luciano Cáceres, cuenta con un gran elenco que está encabezado por la actriz argentina Leonor Manso, quien a lo largo de su trayectoria profesional ha actuado en más de 40 obras teatrales de autores nacionales y extranjeros. Ha participado en numerosos ciclos televisivos y cuenta con un gran número de premios. La última vez que esta actriz estuvo actuando en España fue con el montaje Psicosis 4.48, de Sara Kane, que dirigía Luciano Cáceres y que obtuvo una gran acogida de público.

Leonor Manso estará acompañada en el escenario por los actores Carlos Belloso y Guillermo Berthold, quienes cuentan con una amplia trayectoria en el mundo del teatro.

“El Cordero de Ojos Azules” es una producción del Complejo Teatral de Buenos Aires realizado en coproducción con el Teatro Fernán Gómez y con la colaboración de Doble Sentido Producciones.

La obra que comienza su gira europea en Madrid continuará durante los próximos meses por otras ciudades de España.
“El Cordero de Ojos Azules” estará en el escenario de la Sala Guirau  del  Teatro Fernán Gómez  del 12 de enero al 5 de febrero de 2012.

En el 30 aniversario de Ananda Dansa, la compañía decana de la Comunidad Valenciana, “Desalmados” firma el epílogo de la obra que marcó el 25 aniversario de la formación, “Alma”. Si ésta era una celebración de la memoria colectiva, la obra que ahora se presenta es una reflexión sobre la individualidad y una llamada al cambio.

“Desalmados” es una creación de Rosángeles Valls y Edison Valls.
 
La pieza reflexiona sobre el pánico que asola a la sociedad actual y anima a la audiencia a superarlo. Un viaje interior hacia el optimismo y la confianza en uno mismo. El miedo es la mayor arma de manipulación actual, la mayor y la más potente. El miedo esconde amenazas implícitas. Temor a las represalias, y por tanto a significarse, a opinar, a ser críticos... Frente a un mundo que nos rodea en negativo, “Desalmados” muestra el tránsito necesario de la sombra a la luz, de la violencia a la armonía, de la hipocresía a la sinceridad. Un mensaje de optimismo con el que se pretende cambiar la manera de afrontar la vida.

Teatro, danza, cine, circo, performance e instalaciones de artistas nacionales e internacionales se darán cita durante cuatro semanas en Madrid.

Países como Portugal, Argentina, Bélgica, Francia, México, Austria, Países Bajos, Italia y Alemania forman parte de una programación que también cuenta con una importante representación española, a cargo de artistas de Madrid, Valencia, Jaén, San Sebastián, Granada, Barcelona y León. 

El director del festival, Alberto Núñez  comunicó que el festival continuará con la iniciativa Al Filo, que comenzó el año pasado en colaboración con el Teatro Circo Price y que persevera en su intención de favorecer la visibilidad de proyectos innovadores y fronterizos, así como generar una red de colaboración entre artistas, colectivos, espacios e instituciones circenses.

Como novedad, este año se presenta el proyecto Cartografías: libros, que incluye un espacio de documentación y consulta en la librería Tipos Infames, con bibliografía de todas las compañías programadas.

También contará con el blog del círculo de espectadores, las tertulias radiofónicas y los encuentros con escritores y pensadores de la talla de Chantal Maillard, Antonio Fernández Lera, Óscar Cornago y Amador Fernández-Savater, entre otros.
En definitiva, 31 obras, 7 conversaciones, 3 talleres, 3 tertulias o mesas redondas, 1 encuentro profesional, 1 punto de encuentro y 1 espacio de documentación y consulta que se presentarán en 21 espacios de la Comunidad de Madrid.

Escena Contemporánea 2012 nos invita a reflexionar sobre las ideas de comunidad y memoria. La revisión del pasado, el valor del documento, la tensión entre realidad y ficción, la exploración del territorio entre el espectador y la obra, la vocación comunitaria y el cuestionamiento de las representaciones afectivas y políticas son algunos de los ejes sobre los que se construye esta edición.

La programación se puede consultar en el documento que se adjunta o en www.escenacontemporanea.com

La Sala 2 de las Naves del Español en Matadero acoge “El Montaplatos” de Harold Pinter en un nuevo espectáculo de Animalario, dirigido por Andrés Lima y protagonizado por Guillermo Toledo y Alberto San Juan (quien también firma la traducción y adaptación, y a quien recientemente vimos en otra obra de Pinter, “Traición”). El equipo artístico cuenta también con Laura Galán como ayudante de dirección, Beatriz San Juan encargada de la escenografía y el vestuario, el diseño de iluminación es de Valentín Álvarez  y el diseño de sonido y música de Nick Powell.

Ben y Gus son dos asesinos a sueldo que permanecen encerrados en la habitación lúgubre de un sótano a la espera de las órdenes de la organización para la que trabajan. Mientras, comienzan a recibir absurdos encargos de comidas a través de un montaplatos.
“El Montaplatos” (originalmente titulada The drumb waiter, algo así como El camarero tonto) está fechada en 1959, y se puso en escena por primera vez el 21 de enero de 1960 en el Hampstead Theatre Club. En este texto, Pinter vuelve a encerrar en una habitación a dos seres humanos para hablarnos de la estúpida servidumbre que se genera en las relaciones humanas.

Andrés Lima: Al realismo de esta obra le va muy bien la frase de Ionesco: "La vida del hombre es absurda, su tragedia ridícula."

José Luis Castro  dirige el montaje  de la obra escrita y estrenada por primera vez en 1948, y revisada  y ajustada a los tiempos por Juan García Larrondo.
La celebración del bicentenario de la primera Constitución Española, La Pepa 2012, trasciende a nuestras propias fronteras, a las lenguas y a las ideas. No podía ser de otra manera cuando de lo que hablamos es de libertad, de ideales de democracia y de sociedad con aspiraciones de igualdad. Por esta razón el estreno en Cádiz de El estado de sitio del premio Nobel francés Albert Camus no es una casualidad. Y no lo es, porque el escritor haya situado en Cádiz la acción de la obra en un contexto de asedio similar al que vivió la ciudad entre 1810 y 1812. Lo que une y enlaza este estreno teatral son las ideas que subyacen en la obra y que en gran medida se alinean con las aspiraciones de los constituyentes españoles de aquellos momentos.
El argumento de “El estado de sitio” no ha perdido vigencia, aunque hoy todo es mucho más sutil. De ahí el aviso a navegantes del autor francés: los bacilos de la Peste jamás mueren ni desaparecen. Permanecen ahí, adormecidos, esperando el día y la ocasión de mandar a sus ratas a cualquiera de nuestras ciudades para ponerles sitio. Por eso los diálogos de Camus siguen siendo paradójicamente tan actuales.  Su mensaje de valentía es muy necesario en nuestros días.  El espectáculo asoma al escenario de un Cádiz universal y utópico que es una metáfora de nuestro mundo, constantemente en estado sitio. La obra hace eco de las palabras que ya Camus nos dejó perfectamente escritas y que, en definitiva, son las únicas que importan y merecen quedar en nuestra memoria colectiva.

La vigésima primera edición de FETEN se celebra entre los días 25 de febrero y 2 de marzo de 2012.
Hasta el próximo martes 31 de enero, estará abierto el plazo de solicitud de entradas y la inscripción para profesionales.

Un total de 67 compañías de España, Austria, Bélgica, Bulgaria, Cuba, Dinamarca,  Francia y Portugal presentarán sus últimos trabajos, entre los que destacan seis estrenos. FETEN continúa así ofreciendo un espacio de reunión para los  programadores, distribuidores y creadores, donde podrán analizar las nuevas tendencias creativas y trabajar para impulsar un mercado cultural que fortalezca el sector de las artes escénicas.

Se estrenarán los siguientes espectáculos: la madrileña Susi Lillo, que mostrará “Mamushka”, Markeliñe  “Cuentos de Arena“. Arden Producciones  estrenará  “Gatacienta” en un encuentro, que también, ofrecerá la coproducción de eme2-Albena-Tanttaka con el espectáculo “Kafka y la muñeca viajera”.  Los castellano-manchegos Ultramarinos de Lucas pondrán fin al apartado de estrenos con la puesta en escena de “Pinocho. La historia de un muñeco”.

FETEN sigue siendo un espacio donde conjugar, intercambiar, compartir y posibilitar intereses, experiencias, conocimientos y vínculos directos entre programadores, compañías y profesionales del medio; tratando entre todos de elevar y dignificar una, cada vez mayor, calidad de las artes escénicas hechas para y por los menores.

El montaje "Agosto (Condado de Osage)", de Tracy Letts, supone la despedida de Gerardo Vera al frente del Centro Dramático Nacional, unidad que ha venido dirigiendo en los últimos ocho años. La obra, un clásico contemporáneo del dramaturgo estadounidense Tracy Letts, se puede ver hasta el 19 de febrero en el Teatro Valle-Inclán de Madrid, con un elenco de intérpretes encabezado por Amparo Baró y Carmen Machi, en el que también destacan Sonsoles Benedicto, Alicia Borrachero, Irene Escolar, Gabriel Garbisu, Antonio Gil, Markos Marín, Miguel Palenzuela, Chema Ruiz, Clara Sanchis, Marina Seresesky y Abel Vitón.

 La obra de Tracy Letts, que fue saludada por el New York Times como “la nueva obra americana más apasionante que Broadway ha visto en años”, recibió el Premio Pulitzer de Teatro en 2008. Se estrenó el 28 de junio de 2007 en el Steppenwolf Theatre de Chicago y posteriormente se representó con enorme éxito en dos teatros de Broadway, dirigida por Anna D. Shapiro, con un total de 648 representaciones. Obtuvo el número 1 en la lista de «Diez espectáculos más destacados» de la revista Time en 2007, año en el que además obtuvo cinco premios Tony, incluido el de mejor obra del año y mejor director para Anna D. Shapiro.

El montaje, que cuenta con la versión de Luis García Montero, cuenta la historia de una familia que se enfrenta con su pasado y su presente en una gran mansión en las afueras de Pawhuska, Oklahoma. "Agosto (Condado de Osage)" es una comedia de humor negro que se ha representado con gran éxito en numerosos países. En palabras de Gerardo vera, Agosto es la historia de una familia que no es ni más ni menos que una epidemia, un grupo de seres humanos encerrados en una casa destartalada “A través de cuyas grietas empieza a rezumar un sumidero de putrefacción, de aguas estancadas que los van encharcando, asfixiados por el calor pegajoso de unos días de verano durante los cuales parece que el mundo se acaba. Es más, ese mundo está ya en trance de desaparecer para siempre aunque ellos no puedan darse cuenta”.

A lo largo de cuatro horas, Tracy Letts habla de un lugar preciso de América, de una casa situada en las afueras, de una familia con una herencia envenenada, “a través de la cual asistimos sin contemplaciones al resquebrajamiento del «American dream» en la voz de unos personajes vibrantes, llenos de vida, de frustración y de dolor que se rebelan en vano contra un mundo del que ya no pueden escapar. Tres generaciones, un matrimonio de dos viejos en sus últimos estertores, sus tres hijas marcadas por una herencia contaminada, y una niña de quince años que ha aprendido a convivir sin ningún problema con un mundo de adultos que desprecia, pero que es el suyo y del que no puede desprenderse”.

Pero hay más, dice el director de la obra. En el fondo, "Agosto" es una metáfora de nuestro mundo, “de un mundo que ya nunca será el mismo y que se lleva por delante las ilusiones y los sueños de tres generaciones. El fin de algo y el principio ¿de qué? Esa es la gran pregunta que empieza a hacerse Beverly Weston, el padre de familia, tan lúcido que huye antes de la primera escena de un mundo que ya no le pertenece”. La creación que hace Letts de Violet Weston, una madre autoritaria, enferma y enloquecida por los medicamentos y por el dolor que le quema la boca, “es uno de los personajes más extraordinarios que he leído nunca, una madre autoritaria que sobrevive al mal y a la enfermedad combatiéndolos con su propio veneno y que acabará destruida por él en uno de los finales más desesperanzadores que he visto en mucho tiempo”, explica Gerardo Vera.

El Macbeth de Ur Teatro, bajo la dirección de Helena Pimenta, abrirá el 13 de enero el XXIX Festival de Teatro de Málaga, que se celebrará en los teatros Cervantes y Echegaray del 13 de enero al 11 de febrero de 2012 y que presenta una programación con cuatro estrenos absolutos, a los que hay que sumar otros nueve espectáculos de sala. En esta edición, los aficionados al teatro podrán disfrutar del estreno de los montajes Sueña Casanova, de Chema Cardeña para la compañía valenciana Arden Producciones; El suicidio del ángel, de Mu Teatro bajo la dirección de Aurora Mateos; Crack! La rebelión de las lágrimas, dirigida por Pedro Lanzas para Lamordiente Teatro; y El collar de la paloma, un proyecto que hermana teatro, danza oriental y acrobacia y que construye Producciones Irene Aivar.

La cuota internacional del Festival de Teatro de Málaga la componen el Balagan del Cirque Style, pieza creada por Misha Matorin, uno de los creadores de lo mejor del Circo del Sol, y El viento en un violín, de los argentinos Teatro Timbre4, tercera parte de una exitosa trilogía que comenzó con La omisión de la familia Coleman. Ambas coinciden en el programa que se celebra en el Teatro Cervantes con el citado Macbeth de Ur Teatro, octavo montaje de Shakespeare de Helena Pimenta; El jardín de las delicias, escrita por Fernando Arrabal y dirigida por Rosario Ruiz Rodgers con producción de Proyecto Bufo y Curtidores de Teatro; No amanece en Génova, que los andaluces Trasto Teatro representarán en un vestíbulo del teatro; Mujeres de Shakespeare, obra basada en textos de Harold Bloom que dirige e interpreta Rafael Álvarz El Brujo, y la versión de La Celestina de Secuencia 3, que protagoniza Gemma Cuervo.

La segunda obra dirigida por El Brujo abre la actividad del certamen en un Teatro Echegaray que acogerá los cuatro estrenos. El tiempo es sueño, un monólogo autobiográfico de Asunción Balaguer inspirado en el texto homónimo de Henri Leonard, dará paso a la première de Sueña Casanova, producción de Arden. Los otros tres estrenos tienen la firma de equipos malagueños: El suicidio del ángel lo monta Mu Teatro y su directora Eun Kang, que ya estuvieron en la edición de 2011; Crack! es un trabajo de Lamordiente Teatro, y El collar de la paloma, de Irene Aivar. Entre tantas novedades pero no menos relevante es la presencia de los vascos Kulunka Teatro y su André y Dorine, espectáculo de teatro gestual con máscaras en la línea de los alemanes Familie Flöz.

El Festival de Teatro de Málaga retoma este año el programa de lecturas escenificadas A telón cerrado, que cuajó en su primera edición en 2011 y se volverá a celebrar en el Echegaray. Este año se leerán obras de los autores locales Mercedes León, Angélica Gómez y Ery Nízar. Pero las actividades paralelas también incluirán interesantes talleres de interpretación en el Conservatorio Superior de Danza de Málaga (clases de danza oriental) y la Escuela Superior de Arte Dramático (con Rosario Ruiz Rodgers y Arturo Bernal sobre teatro pánico). Y la puntada final de la inmersión en el universo teatral de Arrabal será una charla coloquio del dramaturgo en el Rectorado de la Universidad de Málaga.

Enmarcado en el circuito artístico DANZA A ESCENA, desarrollado por el INAEM y La Red Española de Teatros en colaboración con distintos espacios escénicos de todo el país, la última propuesta escénica de la compañía Cienfuegos Danza recalaba el pasado 7 de octubre en el Teatro Jovellanos de Gijón y el sábado, 8 de octubre, en el Echegaray de Málaga. ‘1,618… Davinci, Leonardo inspira danza’ es el resultado de la investigación que el director y coreógrafo Yoshua Cienguegos ha llevado a cabo sobre aquellos aspectos menos divulgados del trabajo científico de Leonardo Da Vinci. Según plasma en Málaga Hoy la periodista Rocío Armas “… dieron como resultado una ovación unánime… Excelencia coreográfica, técnica depurada y un alfabeto propio con el que desafiar el espacio”.

Ana Luján, Leticia Ñeco, Maynor Chaves, Raquel Torrejón, Sergio Moya, Marina Rodríguez, María Arques y el propio Yoshua Cienfuegos se convierten en “ocho máquinas de precisión, ocho devotos del genio renacentista y ocho piezas que encajan el puzle”. Con la música original de Rut Quiles y vestuario de Pascual Peris, Málaga Hoy define el espectáculo como “Fe de vida para una compañía con mucho camino sobre el que seguir avanzando. En ascendente y con el riesgo como brújula. 1,618, la divina proporción, la proporción perfecta”. Por su parte, Susana Martín Romero relata para la Agenda de Ocio Cultural Modernícolas que “no hay una historia que contar. La danza queda despojada de todo artificio para presentarse tal cual es… Yoshua Cienfuegos deja a un lado el lirismo propio de la danza contemporánea, para dar una vuelta de tuerca y generar un lenguaje subversivo y violento donde la belleza poética recae sobre la anatomía del cuerpo. Uno se va del teatro dándose cuenta de que la danza no está diseñada para ser entendida, sino para ser admirada”.

La precisión y abstracción en la ejecución de la coreografía se unen a una puesta en escena muy cuidada, además de un virtuosismo interpretativo que conecta con todo tipo de público. A raíz de su paso por el Teatro Jovellanos de Gijón, La Nueva España reseñó el exigente y exhaustivo ejercicio de exploración corporal que supone el montaje que, “con momentos sorprendentes y excelentes resultados se trata de una obra para contemplar y profundizar sin prisas, con un notable trabajo por parte del director, el cuerpo de baile y los componentes escénicos, que supone un interesante puente entre pasado, presente y futuro” y Diario Sur Málaga destacó “un arduo trabajo coreográfico y una intensa preparación de los componentes consiguen una armonía prodigiosa y perfectamente conjuntada con una envolvente y vibrante banda sonora”.

‘The Room’ está interpretada por bailarines de estilos y tendencias artísticas heterogéneas. ¿Cómo se aborda un proceso coreográfico con personalidades tan distintas?

Aunque los bailarines son diferentes comparten una formación técnica muy solida, y tratan de poner esta habilidad a disposición de la coreografía. De hecho, la compañía hace una clase de ballet como calentamiento diario, cosa que sorprende a la gente. Creo que es mi trabajo dar dirección y cohesión al grupo, pero no lo considero como una tarea especial, diría que nunca he pensado que es un proceso que debo abordar. De hecho me gusta que la gente sea distinta y se trata de hacer que cada una luzca el máximo posible mientras proyectamos un estilo singular, coherente e interesante.
   
Su compañía desarrolla coloquios en centros cívicos y programas de danza dirigidos al público escolar. ¿Qué os han aportado estas experiencias?

En ambos casos es curioso porque tienes un público francamente honesto, y no te puedes esconder. En los programas escolares, si los alumnos están aburridos lo están, si quieren reír ríen. Así que es un buen barómetro de la pieza. Pero también encontramos que los niños entran mejor y sin prejuicios que los adultos, y a veces perciben las cosas con más claridad.
En los coloquios bailamos piezas "a pelo" sin luces ni escenario, presentando el  trabajo en su estado mas desnudo. A mí me gusta porque el público puede experimentar lo esencial; se puede ver el bailarín de cerca y muchas veces se da cuenta de cómo es el trabajo físico... Y una vez que consigues que el público hable puedes estar un buen rato charlando con ellos.

El próximo 27 de octubre estrenáis en Sabadell ‘Balbir el meu avi’, una pieza inspirada en los cuentos de la mitología hindú. ¿Cómo ha surgido el salto a los espectáculos dirigidos al público familiar?

TND ha sido compañía residente en el SAT! teatre desde 2005 y está especializado en teatro familiar y además tiene campañas escolares. Desde el principio hemos querido trabajar con la dirección del SAT! para crear un espectáculo de danza familiar aprovechando su experiencia, pero las presiones de calendario y las económicas no lo habían permitido. Siempre hemos planteado que cualquier producción que hagamos debe tener las mismas condiciones y no por ser familiar tratarlo como una cosa de menor inversión de dinero ni de esfuerzo artístico, simplemente "para hacerlo". Y este año lo hemos logrado!

...Y si fue una experiencia muy distinta? menos de lo esperado. El planteamiento ha sido que lo mejor que podía aportar TND a una producción familiar es mucho baile, porque este es la línea de la compañía y no conocemos otra cosa. Hemos cuidado que la línea no se fuera a la abstracción o  lo conceptual y que el hilo narrativa fuera claro. En referencia al contenido del espectáculo y la mitología hindú, es fácil, mi abuelo (el meu avi en catalán) "Balbir Ballgreene Nehaul" era hindú y me contaba historias...!

He dicho que no hemos hecho antes una producción familiar, pero sí que hemos estado en la campaña escolar del SAT desde hace unos años utilizando extractos de nuestros programas para adultos (siguiendo mi experiencia como bailarín en Holanda, donde estas actividades eran casi obligatorias para cualquier compañía con convenio con el gobierno...). Esta experiencia me hizo reflexionar sobre las diferencias entre la audiencia adulta y la "juvenil", aunque como he dicho antes, si debo ser honesto a veces veo el publico "infantil" tiene más capacidad imaginativa que el adulto... o vienen con menos conceptos preestablecidos.


Thomas Noone Dance es compañía residente en el SAT! Teatre desde 2005, ¿qué les ha aportado este espacio? ¿cómo ha sido el contacto con otros creadores?

Creo que he contestado a parte de esta pregunta hablando de la creación de Balbir, pero el trabajo como asesor de programación de danza del SAT! con el Festival, las colaboraciones, la danza integrada etcétera, me han dejado ver "el otro lado"(!) del juego. Creo que me ha ayudado a ser más realista y pragmático, veo todo los aspectos, la coordinación técnica, la administrativa, las relaciones programador-artista... muy interesante! El contacto con otros creadores a través del teatro es muy distinto al contacto que tengo como artista en sí.

La crisis ha venido poner en duda muchos de los criterios de programación y la propia oferta cultural que ofrecen los espacios escénicos en nuestro país ¿Cuál es su opinión sobre la situación de la danza?

Si la crisis ha hecho algo es que pienso más que nunca que la cultura es esencial y que nos conecta con nuestro sentido de ser. Si no tenemos creación y compartimos ideas, ¿por qué existimos? perdemos conciencia de nuestra humanidad. El constante mensaje que tenemos desde las instituciones es muy inhumano, en mi opinión, y a veces me conduce a pensar que medimos las cosas cada vez más en términos económicos mal planteados.

Creo que la danza es uno de los lenguajes más universales de las artes escénicas y que llega a todas las edades y culturas, y puede actuar como herramienta de cohesión. Pero sí que hay una responsabilidad para el sector de la danza y el creador en general. Tenemos que recordar que creamos para un público y que también tenemos un deber social y cultural, especialmente cuando dependemos en gran parte de dinero público.
La danza tiene la posibilidad de "sobrevivir" esta crisis, pero reflexionando debidamente sobre lo que se hace, y partiendo de lo que en teoría hacemos mejor, siendo creativos...

El circuito artístico ha ampliado de manera importante su cartel desde la primera edición. ¿Cree que Danza a Escena conseguirá dar mayor visibilidad a la danza en nuestro país? ¿Qué retos debería afrontar en un futuro?

Seguramente Danza a Escena da más visibilidad a la danza. El ejemplo muy sencillo es mi compañía; viajamos a Granada y Tenerife, lugares/autonomías donde nunca he ido antes, además de visitar a Asturias y Madrid donde no hemos ido últimamente. En un momento de bajada de programación general es una gran ayuda.

Pero para mí el truco va a ser si los incrementos causados directamente por la programación dentro de Danza Escena son transferibles a una programación mas estable, es decir, si somos capaces de construir a partir de la base ofrecida, y es un reto que compartimos artistas, compañías y programadores.

El Teatro Jovellanos de Gijón acogía el pasado sábado, 8 de octubre, una de las propuestas calificadas por la crítica de la ciudad como una de las “más intensas de la programación Danza Gijón 2011” (Eduardo G. Salueña, La Nueva España). El londinense Thomas Noone recalaba en el escenario asturiano con ‘The Room’, un montaje que reunía a seis personajes relacionándose entre sí a través de la observación y la actuación. “Noone consolida con esta propuesta, en la que se han implicado artistas como los escenógrafos Max Gaenzel y Estel Cristiá, además del compositor italiano Diego Dall’Osto su puesto entre las mejores compañías de danza del país en el género” (María Lastra, El Comercio).

Durante la gira de la compañía en el marco del circuito artístico Danza a Escena, ‘The Room’ ha recibido los mejores calificativos de los medios de comunicación de la ciudad asturiana. Eduardo G. Salueña escribía para La Nueva España “Hoy en día, y con varios espectáculos en su haber, la trayectoria e importancia de Noone dentro de la creación contemporánea en España es incuestionable” y, en relación al espectáculo añadía, “sin duda, un muy meritorio y agotador trabajo, tanto para los bailarines como para el espectador, que también se ve introducido en la acción sin saber cómo ha empezado ni cómo va a acabar”.

Por su parte, María Lastra firmaba en El Comercio: “un trabajo coral magnífico, que pone de relieve la soltura de su autor y crea ricas combinaciones coreográficas que ejecutan cada uno de los intérpretes con una intensidad de baile impactante, casi extenuante”.

La compañía nace en 1999 con el objetivo de dar a conocer la danza contemporánea y acercar al espectador historias comprometidas.  ¿Creéis en la función social de la danza?
Claro que sí. El arte por el arte no existe. Tiene su función social y esa es la de comunicar, la de mover esa fibra sensible que se llama corazón. Te hace vivir experiencias, sensaciones, te transporta a un espacio metafórico, donde la historia puede o no estar; el arte te hace soñar con otros mundos, otros espacios que armonizan tú conciencia y la razón del hecho artístico. Esta ha sido siempre mi reflexión y estoy seguro de que el arte cambia al ser humano.

Muchos de vuestros montajes están destinados a público infantil.  ¿Cómo han evolucionado en nuestro país las artes escénicas para niños y niñas?
Creo que se ha recorrido un gran camino Se ha logrado que los artistas, programadores e instituciones se conciencien más de que los niños y niñas no pueden ni deben ver un espectáculo en condiciones precarias, sino todo lo contrario, en los mejores espacios teatrales. Y con producciones artísticas cuidadas técnicamente. Estamos hablando de arte para la infancia. Trabajar para este público supone un gran reto. Una vez dije en una entrevista “Sin público no hay función y sin respeto por el público no hay arte”.

Creo que cada vez hay más conciencia de para qué sirve el arte. Lastima de los momentos que estamos viviendo. El arte no puede olvidarse de ninguna manera. Supondría arrebatar a los niños y niñas de nuestro país el derecho a la cultura, que es parte de su desarrollo y del desarrollo del país. Tenemos que proteger el arte y abordar este tema con representantes políticos e instituciones, promover mesas de trabajo conjuntas de una forma responsable y consciente, es decir, con las ganas e ilusión que significa trabajar por y para el arte. También debemos hacer cuentas: ¿qué pasa con los presupuestos de cultura?, ¿dónde se hacen gastos irresponsables?, ¿dónde se invierte el dinero público? Creo que las administraciones públicas hacen una gran labor, pero también debe darse continuidad a muchos programas e iniciativas. Sin el apoyo institucional es difícil mantener a una compañía. Pero es cierto que podríamos desarrollar estrategias y políticas coherentes que nos lleven por un camino más transparente y sólido para el futuro.
 
¿Creéis que cuenta con suficientes apoyos en las programaciones de los teatros públicos?
Hay mucha conciencia, como he dicho antes, pero justo en este proceso llegan los recortes, la crisis.  

En una entrevista concedida recientemente al diario Granada Hoy denunciabas la “verticalidad” y asegurabas que “hay que cambiar las estructuras y crear colectivos en el que todos estén al mismo nivel”.  ¿Alguna idea para avanzar en este proceso?
Granada es una ciudad maravillosa y llena de artistas, una ciudad que tiene un gran patrimonio de arte vivo. Cuenta con algunas de las mejores compañías del territorio español. Con esto se puede hacer muchísimo. Pongámonos a pensar un momento en  que haría yo si ya no tengo el presupuesto que tenia antes, como podría trabajar con estas compañías. Tal vez ellas podrían liderar un programa por si mismas, tal vez ellas sean capaces de autogestionarse sin intermediarios... Solo es cuestión de querer trabajar. En Granada  nos hemos unido siete compañías para darle contenido a cinco tetaros de pueblos de la provincia. El proyecto va adelante  y esperamos crecer con él, se llama Encompañía. ¡Se puede!

Desde el nacimiento de la compañía habéis girado por diferentes países como Méjico, Italia, Serbia, Austria o Francia, incluso habéis desarrollado coproducciones internacionales. ¿Qué diferencias podéis observar en la danza dentro y fuera de España?
La única diferencia es el desarrollo respecto a las artes para la infancia, consolidado con apoyos. Allí no se habla de calidad de espacios ni de apoyos, es algo intrínsico en el hecho artístico.

Habéis recibido varios premios a la mejor música original en producciones como ‘La Mitad de la Verdad está en los ojos’ o ‘Sueños de Cristal’. Siendo la música parte fundamental en vuestro trabajo, ¿cómo trabajáis a la hora de incorporarla a vuestros montajes?
La experiencia ha sido, en cada caso, diferente: uno trabajaba sobre video cuando la coreografía ya estaba acabada, con un resultado muy positivo. Y los otros dos estaban muy relacionados en la creación de la obra trabajando conjuntamente con coreógrafo, bailarines, diseñadores de vestuario, escenógrafos… Todo el equipo presente e implicado en el proyecto. Da.Te Danza es un equipo compuesto por profesionales de amplia formación y diversidad de perfiles que hacen muy fácil que el trabajo final tenga un buen resultado a todos los niveles; musical, coreográfico, iluminación y técnica, gestión …

‘Río de Luna’ es un espectáculo dirigido a los más pequeños.  ¿Cómo responde este tipo de público ante vuestros trabajos?
Siempre digo que no hay que hacer inferior a un bebé, Un bebé es capaz, es inteligente, tiene ojos, tiene oídos y cabeza y analiza y observa lo que pasa a su alrededor. Es sensible a las cosas. Los  bebes son una  delicia, cada vez que miro un espectáculo observo al público. Quisiera  meterme en su cerebro para saber lo que pasa por sus cabecitas, que lo verbalizaran y me transmitieran sus sensaciones. Es maravilloso mirar al público con el chupete y esos ojos, la actitud, la respuesta. No tiene precio. Trabajar para ellos es un gran regalo.

Habéis firmado con el Ayuntamiento de Alhendín vuestra residencia artística en su Teatro Municipal ¿cómo afrontáis este proyecto?
Es un proyecto que nació hace tiempo. El objetivo era dotar de contenido al teatro, buscar la implicación de los habitantes de la zona y también la del público escolar. Las compañías disponemos de las herramientas de gestión necesarias para poner en marcha un programa cultural en un lugar que dispone de los ingredientes necesarios, solo hay que trabajar conjuntamente con los responsables municipales. Da.te Danza no traslada su espacio de creación al teatro del municipio, pero si pretende dinamizar el teatro con propuestas diferentes y abrirlo a una programación diversa que el pueblo asuma como propia.

Da.Te Danza ha conseguido consolidarse con una estructura estable, que ofrece estabilidad a sus bailarines y un nivel de distribución alto, que alcanza el centenar de funciones anuales…
La compañía siempre ha perseguido la excelencia profesional en todos los niveles: artístico, técnico y de gestión. Esta calidad sólo se puede lograr con profesionales cualificados y con la conciencia de que la verdadera inversión en las artes escénicas se hace en las personas. Éstas son éstas las que dotan de auténtico valor a la producción de los espectáculos.

La compañía está formada por un equipo estable de siete profesionales que forman la plantilla fija de la empresa y que desarrollan su actividad en tres ámbitos de trabajo: gestión/producción, artístico y técnico. Somos conscientes de que este modelo de gestión se presenta de manera escasa o casi nula en la realidad escénica andaluza, lo que nos lleva a considerar nuestro modelo de gestión como un caso atípico que ha posibilitado el crecimiento de la compañía hasta convertirla en lo que actualmente es: una compañía profesional de danza contemporánea estable, con una media de una producción por año y aproximadamente 115 funciones anuales en casi todo el territorio nacional y en varios países europeos.

Casi una excepción entre las compañías de nuestro país, ¿alguna clave para llegar hasta aquí?
No, no hay claves. Esto es tan frágil que nunca sabes donde estarás mañana, por eso no me creo grande, ni me siento más importante que nadie, respeto el trabajo de mis compañeros. Si algún día soy crítico de danza y me pagan por ello entonces criticaré. Mientras, lo reservo para mí. Y disfruto y sufro el trabajo de mis compañeros como un espectador más. No me gusta que me pregunten en las ferias o festivales sobre el trabajo de mis colegas. Me parece impertinente y soez. Para mí, la única clave es la continuidad y la constancia.

El pasado año girasteis en ‘Danza a Escena’ con el espectáculo ‘Tondo redondo’, ¿cómo recuerdas la experiencia?
Danza a Escena es un proyecto del que nos sentimos muy orgullosos, es de esas iniciativas que surgen en una época en la que todos, instituciones y compañías, debemos intentar llegar al mayor número de espectadores. Que la danza sea protagonista en este proyecto era necesario y es un buen camino para poner en valor los espectáculos de danza. ‘Tondo redondo’ es una pieza para bebes ideal para iniciar al público más joven. La gira salió genial. De hecho este año volvemos a participar con otro espectáculo, ‘Río de Luna’, y esperamos poder seguir trabajando juntos.

Director, coreógrafo, bailarín… ¿en qué faceta te sientes más cómodo?
Me siento bien haciendo lo que hago, trabajando a diario y luchando por el proyecto de LaMov, por el que he apostado y creo firmemente.
Bailarín he sido toda mi vida, así que casi me lo sé todo y, a estas alturas, me siento más que cómodo sobre un escenario. ¡Y eso que el aguante del cuerpo ya no es lo que era! A coreografiar empecé hace unos años… y parece que no se me da mal del todo. Es un camino que estoy comenzando a recorrer y creo que queda mucho por andar, mucho por evolucionar, lo noto de una a otra creación. Eso es increíble, ver cómo cambia el proceso creativo de un momento a otro… Y a ser director aprendo cada día, porque cada día me tengo que enfrentar a cosas nuevas, a todo un mundo, el de una compañía de danza. Soy bailarín, coreógrafo y director, sí. Pero, si toca, también soy conductor de furgoneta y hasta psicólogo. En los tiempos que corren tener una compañía de danza agudiza el ingenio.

“Payasos divinos” critica la hipocresía humana, ¿es tan complicado ser honesto en estos días?
No sé si es tanto una cuestión de estos días o si es algo inherente al ser humano. Quizá me inclinaría más por lo segundo… En cualquier caso, sí, es difícil ser honesto hasta con nosotros mismos, nos resulta mucho más fácil ponernos una careta, ver a través de ella y falsearlo todo. Eso fue lo que me condujo a crear ‘Payasos Divinos’. Siempre me ha llamado la atención la figura del payaso, porque, aun pretendiendo ser un ser cómico, creo que tiene mucho de melancolía, de tristeza y de ternura. A través de él intento reflejar esa máscara que nos colocamos para mirar a otro lado.

La música de Beethoven tiene un peso destacado en la obra, ¿os influyó esta partitura en la concepción artística y plástica de la pieza?
Sí. El cuarteto Grosse Fugue de Beethoven es especial porque tiene un ritmo frenético, en ocasiones el sonido es chirriante, el violín resulta desgarrador… pero al mismo tiempo es una pieza preciosa, tiene una fuerza increíble y una belleza desproporcionada. La elegí por eso y porque creo que la potencia que transmite es la mejor manera de reflejar esa hipocresía humana. Intenté dibujar esa complicada partitura y, claro, con ese tempo frenético los bailarines son llevados técnicamente al límite, alcanzan la extenuación, una especie de catarsis. Con ello quería “desnudarlos” y que acabaran sintiéndose como realmente son.

Trabajáis con bailarines que poseen una formación clásica pero, a la vez, producís montajes cada vez más contemporáneos, ¿cómo se conjuga?
Es la única forma posible de hacer espectáculos de calidad. Quiero decir, los bailarines de LaMov tienen una base clásica porque han recibido una formación clásica, porque han querido ser bailarines siempre. Y así, manteniéndola, es la única forma posible de hacer ballet. Bèjart siempre me decía “la barra en un bailarín es su columna vertebral”. Y es verdad, nosotros hacemos todos los días una intensa clase de ballet, la mejor manera de empezar el día. Los montajes vienen después. Cada uno de los espectáculos es un paso más en el camino de LaMov, que siempre va a estar con esa calidad que da el clásico pero en la vanguardia. Es necesario estar al día, evolucionar… si no me resultaría aburrido hasta a mí mismo, y lo que quiero es divertirme cada día con mi trabajo.

¿Qué espectáculos de danza o coreógrafos han influido más en vuestro trabajo?
Indudablemente, uno es lo que ha aprendido y ha digerido. Yo me he formado como bailarín con Víctor Ullate, he crecido y fortalecido con Maurice Béjart y he trabajado con Kilyan, Mats Ek, Maguy Marin o Forsythe. Mi trabajo es el resultado de lo que mamé de ellos, de lo que vivo y de lo que siento, de mis necesidades e inquietudes. Todos me han influido en mayor o menor medida, pero, sin duda, Maurice Béjart  fue especial para mí. Fueron muchos años los que trabajé con él, codo con codo… y aprendí mucho de ese gran hombre, tanto profesional como personalmente.

Con ‘Danza a Escena’ se ha abierto un proceso de trabajo para promover la gira de compañías y llevar la danza a espacios dónde habitualmente no ocupaba un espacio representativo, ¿cómo valoras esta experiencia?
¡Cómo lo voy a valorar! Pues maravillosamente. Siempre es gratificante encontrarte con proyectos de danza que te sorprendan y es fantástico cuando de repente ves bailar a alguien en un sitio nuevo. Creo que está muy bien que vayamos extendiendo la red de la danza.

El programa Danza a Escena era recientemente finalista en la categoría de "Mejor programación de danza" de los Premios de la 25ª Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, celebrada del 26 al 30 de septiembre de 2011, y otorgados por un Jurado integrado por profesionales de reconocido prestigio del ámbito de las artes escénicas nacionales.
El premio al mejor espectáculo de teatro fue para “Calla y come”, de la compañía la Cocina, mientras que el reconocimiento al mejor espectáculo de danza recayó en la pieza “Al menos dos caras”, el último trabajo de la compañía Projects in Movement. Otros galardones recayeron en el espectáculo más innovador, que distinguió la obra “Fingir”, de la compañía Colectivo 96º, y el premio del público, otorgado por votación popular al espectáculo “Dos”, de LaMov Compañía de Danza.
Completaron el palmarés las distinciones al Teatro Lliure, premio a la mejor programación de teatro, al Mercat de les Flors, como mejor programación de danza, el Festival Panorama de Olot, galardonado por su innovadora programación, y el premio a la acción más efectiva en la creación de públicas, que distinguió el trabajo de la Escuela de Verano, un programa formativo desarrollado por La Red Española de Teatros y Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública en las localidades de Almagro y Bolaños de Calatrava.
Alrededor de 400 profesionales del sector acreditados y más de 80 representantes de compañías son las cifras de una cita que también ha promovido espacios para encuentros, presentaciones o foros de debate... Durante cinco días, la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, que cumple 25 años, ofreció numerosas representaciones en distintos lugares de la capital aragonesa, como el Centro Cultural del Matadero, el Palacio de Congresos, el Teatro Olimpia, el Café del Arte o el espacio Arte Joven.

Durante el mes de septiembre, cuatro compañías mostrarán sus montajes en algunos de los espacios escénicos adheridos a esta iniciativa, que desde el pasado mes de abril celebra su segunda edición. El objetivo: incrementar la visibilidad de la danza en los espacios escénicos públicos y apostar por los coreógrafos y compañías que marcan el paso de la creación más actual.

El día 11 de septiembre, la cita será en la Plaza Mayor de Graus (19.30 horas) con la actuación de CobosMika Company. A través de un lenguaje sencillo y una interpretación de calidad, los bailarines que integran la formación catalana llevarán al público una nueva forma de entender la danza. Será con ‘scRakeja’t’, un espectáculo que fusiona lo contemporáneo con el Hip-Hop. Desde su creación en el año 2000, CobosMika ha ideado sus creaciones a través de un lenguaje coreográfico atrevido, explosivo y virtuoso, en el que se unen la improvisación con las artes marciales y el teatro más físico. La compañía catalana ofrecerá otra función de su espectáculo el 25 de septiembre. Entonces, lo hará en la Casa de Cultura de Aoiz (19.30 horas).

Por su parte, Da.Te Danza viaja a la islas el 23 de septiembre para ofrecer dos pases (17.00 y 18.00 horas) de ‘Río de luna’. El Teatro Circo de Marte de Santa Cruz de la Palma es el escenario elegido para mostrar un trabajo que dirige Omar Meza y que explora las relaciones entre los bebés y sus madres. Nuevas tecnologías y coreografías de ritmos lentos y suaves son las señas de identidad del nuevo espectáculo que firma la compañía granadina, galardonada con el premio FETEN 2011 al mejor espectáculo coreográfico.

El 25 de septiembre a las 20.00 horas, Aracaladanza subirá al escenario del Teatro Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes el montaje ‘Nubes’. Se trata de un trabajo dirigido al público infantil e inspirado por la obra plástica el pintor surrealista belga René Magritte. Esta pieza es la segunda parte de una trilogía con la que Aracaladanza se asoma a algunos de los grandes genios de la Historia del Arte. Antes, en ‘Pequeños paraísos’, lo hicieron con El Bosco.

Por último, las actuaciones programadas para el mes de septiembre se cerrarán el día 30 (21.00 horas) en el Gran Teatro Falla de Cádiz de la mano de Cienfuegos Danza. Como ocurre con ‘Nubes’, ‘1,618… Da Vinci inspira danza’ es un montaje basado en la obra de uno de los grandes genios de la pintura. La abstracción y la precisión en la ejecución, una puesta en escena muy cuidada y un gran virtuosismo interpretativo se mezclan en este espectáculo para ocho bailarines que cuenta con música original de Rut Quiles.

Para poder presentar las propuestas artísticas es requisito imprescindible estar registrado en www.redescena.net y seguir las instrucciones de la Convocatoria de Propuestas Artísticas.

La Comisión de Ballet, Danza y Artes del Movimiento de La Red elaborará el próximo mes de septiembre un Catálogo de espectáculos, seleccionados entre los espectáculos presentados.

Las funciones que formarán parte del Circuito Danza a Escena tendrán lugar entre enero y diciembre de 2012.

La Obra Social de Unnim hacía público el pasado 26 de junio el palmarés de los Premios Unnim de Teatro, unos de los galardones más destacados de la escena teatral catalana y cuyo objetivo es reconocer las producciones teatrales en cualquiera de sus géneros e incentivar “la creatividad y el oficio teatral”.

El espectáculo ‘El mal menor’ de loscorderos.sc, uno de los 18 espectáculos seleccionados este año para girar en el circuito artístico ‘Danza a Escena’ (promovido por el INAEM y desarrollado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de titularidad pública) se alzaba con el máximo galardón, el Primer Premio del jurado.

El jurado estaba compuesto por reconocidos profesionales de las artes escénicas, como la actriz Silvia Bel, el director teatral Josep Mª Mestres, y el periodista Toni Puntí. "El riesgo y el compromiso de una propuesta que explora diferentes lenguajes y aborda cuestiones de contemporaneidad" fueron aspectos que motivaron la concesión del galardón. El jurado valoraba también la capacidad de la obra para "desafiar al espectador" y "deslumbrar por la fuerza y la técnica de unos intérpretes en estado de gracia y entrega absoluta".

Finalmente, el jurado quiso conceder una mención especial para el espectáculo ‘Flirt’, de Guillem Albà y Always Drinking. Por su parte, el espectáculo ‘Operetta’, de la compañía Cor de Teatre fue distinguido con el galardón del público, mientras que ‘El rap de Lady M.’, de Projecte Vaca, y ‘La marca preferida de las hermanas Clausman’, a cargo de Tantarantana, fueron finalistas.

Cinco bailarines dan vida a "Scrakeja't", el espectáculo que la formación afincada en Cataluña CobosMika Company llevará al Teatro Arniches, en Alicante, el próximo sábado, 21 de mayo. La fusión de danza contemporánea y de Hip-Hop da vida a un relato trenzado a través de un juego de palabras: Reskeja’t (rascarse) + Escakeja’t (desaparecer) = Scrakeja’t (romper los huesos). La combinación de estas tres acciones ha inspirado las coreografías y ritmos de un trabajo que lleva el sello del tándem formado por Olga Cobos y Peter Mika.

La obra acerca a los jóvenes al mundo de la danza y lo hace explorando situaciones sencillas mediante un lenguaje coreográficobrillante, atrevido, explosivo y virtuoso, que mezcla la danza con la improvisación e incorpora elementos provenientes de las artes marciales y el teatro físico.

CobosMika Company

CobosMika nacía en 2000 por Olga Cobos y Peter Mika. Ambos habían trabajado antes como bailarines en compañías como Rui Horta S. O. A. P. Dance Theatre (Frankfurt) o Russell Maliphant Company (Londres). Actualmente, la compañía cuenta en su repertorio con 20 coreografías propias y ha sido reconocida, entre otras distinciones, con el Primer Premio al Mejor Trabajo Coreográfico Robin Howard Foundation de The Place de Londres (2002) y el Primer Premio al Mejor Trabajo Coreográfico Fordertanz Preise de Munich (2003).

Establecida originalmente en Alemania, con la ayuda de la Ciudad de Munich, en 2005 CobosMika se traslada a Palamós, pueblo natal de Olga, donde son compañía residente en el Teatre La Gorga y organizan cada verano el Festival & Stage Palamós Summer Dance. En enero de 2009 inauguran SOLC, Espai de Dansa i Moviment, un centro de creación, formación y investigación.

La compañía Natxo Montero Dantza recalará mañana viernes, 3 de junio, y también el sábado en el Teatro Carme de Valencia con el espectáculo ‘Carni di prima qualitá’ (20:30 horas). La pieza, interpretada por los bailarines Patricia Fuentes y Natxo Montero, lleva a escena una propuesta que sus creadores definen como física y cruda y en la que la piel, la carne, el sonido y el movimiento interactúan proponiendo una nueva lectura entre las relaciones hombre-mujer. En ‘Carni di prima qualitá’ el cuerpo se (des)organiza de otro modo: no hay género, sólo hay choques, roces, contacto, deslizamientos de piel a velocidades e intensidades distintas. La obra, segundo trabajo creado y dirigido por Natxo Montero tras ‘Cuadra-T’ habla también de esos momentos y situaciones deseadas y no deseadas que nos suceden a todos en la vida.

Este trabajo, estrenado en la Sala La Fundición de Bilbao, fue desarrollado durante las residencias artísticas de la compañía en Venecia (a través de Opera Estate Veneto) y el Centro Coreográfico de La Gomera. Se alzó con el Segundo Premio en la XXIII Edición del Certamen Coreográfico de Madrid en 2009 y el Primer Premio del Jurado CHOREOROAM (grupo de coreógrafos europeos presentes durante todo el Certamen). Está subvencionada por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco y ha sido seleccionada en alguna de las citas más destacadas del calendario dancístico nacional, como MOV-S 2010 (Madrid) y el Festival Grec 2010 de Barcelona.

La compañía
Natxo Montero se inició en la danza vasca para después dar el salto al estilo contemporáneo. Ha trabajado para diferentes compañías, como Organik, Cia Francoise Murcia o Steak Tartar, entre otras. En 2008, fundó su propia compañía. Su primera creación fue ‘Cuadra-T’, un trabajo coreografiado junto a Álvaro Esteban que fue finalista en el Certamen Coreográfico de Madrid en 2008. Por su parte, Patricia Fuentes Millán está diplomada en la Escuela de Teatro de Bizkaia y ha seguido diferentes cursos de formación en teatro físico y danza contemporánea. Además de su trabajo como actriz y bailarina,  es educadora social y desarrolla proyectos de integración con jóvenes en riesgo de exclusión social en el Proyecto Xarxa en L’Hospitalet de Llobregat.

http://www.youtube.com/watch?v=HrVbSj5FrXM